L'image représente une vue détaillée d'un jardin et d'une orangerie royales. Au centre de l'image, une grande orangerie avec un dôme proéminent est visible. Le bâtiment est orné de nombreuses fenêtres et de décorations complexes. À gauche de l'orangerie, une structure plus petite avec un toit pentu et des cheminées est présente. Le jardin au premier plan est soigneusement aménagé avec des allées sinueuses et des parterres de fleurs géométriques. Plusieurs personnes sont représentées en train de se promener ou de travailler dans le jardin, ajoutant une touche de vie à la scène. L'arrière-plan montre une rangée d'arbres, offrant une limite naturelle au jardin. Le ciel au-dessus est nuageux, créant une atmosphère sereine et tranquille.
Israël Silvestre, Veuë du Jardin et de l’orangerie de la Reine, 1649, eau-forte, 110 × 161 mm, Amsterdam, Rijksmuseum, détail.
L'image représente une scène intérieure avec plusieurs personnages et divers objets. Au centre, un homme est assis, jouant d'un instrument de musique à cordes, probablement une guitare ou un luth. Il porte un chapeau et des vêtements de l'époque. À gauche, une femme en robe se tient près d'un orgue, observant l'homme qui joue. Derrière eux, un enfant est perché sur l'orgue, ajoutant une touche ludique à la scène.
À droite, deux enfants sont présents, l'un tenant un panier de fruits. Derrière eux, une grande cage à oiseaux est suspendue au mur, avec une plus petite cage à côté. Le mur est orné de divers éléments décoratifs, y compris des représentations d'autres cages à oiseaux et des dessins de bâtiments.
L'ambiance générale de l'image est paisible et musicale, avec une atmosphère de loisirs et de détente. Les détails architecturaux et les cages à oiseaux suggèrent un intérêt pour la nature et la musique.
Giovanni Maggi, P(er) concento del suono far cantare li uccelli, vers 1601, eau-forte, env. 220 × 160 mm, (Giovanni Pietro Olina, Uccelliera, 1622, f. 2 v°), Paris, Bibliothèque centrale du Muséum National d’Histoire Naturelle.
L'image représente une volière complexe et ornée construite entre deux pavillons au-dessus d'une arche. La volière est composée de trois dômes principaux, chacun orné de motifs en treillis et surmonté d'un petit dôme. Les pavillons de chaque côté comportent des fenêtres avec des barreaux et des décorations en forme de losange.
Entre les deux pavillons, une arche en pierre s'étend en travers de l'image, offrant une entrée en dessous. Sur l'arche, une balustrade est ornée de statues et de décorations, et des figures humaines sont visibles en train de se promener ou de se reposer sur l'arche.
Devant l'arche, une grande fontaine circulaire avec une statue centrale est située dans un jardin. La fontaine est entourée d'une pelouse et de buissons, et un chien est visible en train de courir dans la zone herbeuse.
Le jardin est bordé d'une clôture en pierre, et des arbres et des buissons sont visibles en arrière-plan, ajoutant à l'ambiance sereine et naturelle de la scène.
Giovanni Maggi, Modèle de volière construite entre deux pavillons au-dessus d’une arche, vers 1601, eau-forte, env. 220 × 160 mm, (Giovanni Pietro Olina, Uccelliera, 1622, f. 68 v°), Paris, Bibliothèque centrale du Muséum National d’Histoire Naturelle.
L'image représente une vue détaillée du château de Fontainebleau, intitulé "Portrait de la maison royale de Fontaine Belleau." La représentation est en noir et blanc, utilisant des techniques de gravure au burin. Le château est montré sous un angle en perspective, offrant une vue d'ensemble de la structure et de ses environs.
La partie supérieure de l'image montre le toit et les toits des bâtiments, ornés de décorations complexes et de motifs géométriques. Les toits sont inclinés et présentent des lucarnes et des cheminées.
Au centre, il y a une grande cour avec des jardins et des allées. La cour est entourée de bâtiments avec des fenêtres et des balcons. Les jardins comportent des parterres de fleurs et des arbres, disposés de manière symétrique.
À droite, une grande pièce d'eau, probablement un bassin ou une fontaine, est représentée avec des jets d'eau et des statues. Les bâtiments adjacents à cette pièce d'eau ont des détails architecturaux complexes, y compris des fenêtres et des balcons.
En bas, il y a des jardins supplémentaires avec des allées et des parterres de fleurs. Les jardins sont bien entretenus et disposés de manière ordonnée.
L'image contient également des textes en bas, probablement des légendes ou des descriptions des différentes parties du château et de ses jardins. Deux armoiries sont présentes, l'une à gauche et l'autre à droite, indiquant l'importance royale du château.
L'ensemble de l'image offre une vue complète et détaillée du château de Fontainebleau, mettant en évidence sa grandeur architecturale et ses jardins bien entretenus.
Michel Lasne d’après Alessandro Francini, Vue du château de Fontainebleau, 1614, burin, 75 × 482 mm, Paris, BnF, Estampes.
Cette image représente une gravure détaillée d'un jardin et de bâtiments, probablement du XVIe siècle. Au centre de l'image, il y a un jardin orné avec des buis taillés et des parterres de fleurs. Les buis sont disposés en motifs géométriques complexes, ajoutant une touche d'élégance et d'ordre à l'espace. À gauche, une grande structure en forme de U avec des fenêtres et des balcons est visible, probablement une partie d'un palais ou d'un château. Cette structure est entourée de jardins et de parterres de fleurs. Sur le côté droit, une tour haute et un bâtiment plus petit sont représentés, avec des détails architecturaux précis. L'arrière-plan montre une scène animée avec des personnes et des éléments de la nature, comme des arbres et des nuages. L'image est une eau-forte, une technique d'impression qui donne un aspect détaillé et texturé à l'image.
Jacques Ier Androuet du Cerceau, Vues du lieu du costé du bourg [Fontainebleau], détail du jardin des Buis, eau-forte (Les Plus Excellents Bastiments de France, t. II, 1579). Paris, BnF, Arsenal.
Le dessin représente un plan détaillé du château de Fontainebleau, spécifiquement le Jardin des Buis, daté d'environ 1606. Le plan est exécuté à l'encre brune avec des lavis, mesurant 62,3 × 75,1 cm, et est conservé au Nationalmuseum de Stockholm. La partie centrale du jardin est ornée d'un motif géométrique complexe, probablement des buis taillés en formes régulières. Autour de ce motif central, des chemins sinueux et des allées structurent le jardin. Les bâtiments adjacents au jardin sont représentés avec des détails architecturaux précis, incluant des fenêtres, des portes et des toits. La disposition générale montre une symétrie et une organisation rigoureuse, typique des jardins de l'époque. Les contours des allées et des parterres sont clairement définis, offrant une vue d'ensemble de la disposition du jardin et de ses environs.
Anonyme, Plan général du château de Fontainebleau, détail du Jardin des Buis, vers 1606, dessin à la plume et à l’encre brune, lavis, 62,3 × 75,1 cm, Stockholm, Nationalmuseum.
Le château de Fontainebleau est une structure majestueuse avec une architecture classique. L'aile des galeries des Cerfs et de Diane est visible, caractérisée par ses grandes fenêtres en arc et ses décorations ornées. Le bâtiment est construit en brique et en pierre, avec des toits en pente couverts de tuiles. Les fenêtres sont nombreuses et variées, certaines avec des arcs en plein cintre et d'autres avec des formes plus rectangulaires. La façade est ponctuée de statues et de sculptures, ajoutant à son apparence royale. Devant le château, une pelouse verte s'étend, offrant un contraste naturel avec la structure artificielle. Le ciel au-dessus est clair, suggérant une journée lumineuse et agréable.
Château de Fontainebleau, vue de l’aile des galeries des Cerfs et de Diane, envisagée depuis le jardin.
Cette image représente une vue détaillée du jardin de l'orangerie à Fontainebleau. Le dessin, réalisé à la plume et à l'encre brune avec des lavis, capture l'essence de ce jardin historique. À gauche, une structure imposante, probablement une partie du château de Fontainebleau, se dresse avec ses détails architecturaux complexes. Le jardin lui-même est méticuleusement conçu avec des allées sinueuses et des parterres de fleurs soigneusement disposés. Des statues et des fontaines ornent l'espace, ajoutant une touche d'élégance et de sophistication. L'image est divisée en deux parties, offrant une vue panoramique du jardin et de ses environs. La composition globale transmet une atmosphère sereine et majestueuse, caractéristique des jardins de l'époque.
Israël Silvestre, Vue du jardin de l’orangerie à Fontainebleau, avant 1679, dessin à la plume et à l’encre brune, lavis, 328 × 500 mm, Paris, BnF, Estampes.
L'image représente un plan détaillé du premier étage du château de Fontainebleau, dessiné par Jean Blécon d'après François D'Orbay vers 1682. Le plan montre une section du château avec plusieurs pièces et couloirs. Les pièces sont étiquetées comme suit : "Orangerie" au centre, "CV" (cabinet de la Volière) à droite, et "GD" (galerie de Diane) à l'extrême droite. En dessous, il y a une étiquette "Jardin de la Reine". Le plan inclut des détails architecturaux tels que des portes, des fenêtres et des passages reliant les différentes pièces. La disposition montre une structure symétrique avec l'Orangerie comme point central, entourée de couloirs et de pièces adjacentes.
Jean Blécon d’après François D’Orbay, plan du 1er étage du château de Fontainebleau vers 1682, détail ; GD : galerie de Diane ; CV : cabinet de la Volière.
Le plan montre le premier étage du Palais du Luxembourg, spécifiquement l'appartement de Marie de Médicis. La disposition est structurée avec plusieurs pièces et espaces distincts.
En haut à gauche, il y a une pièce avec des éléments décoratifs, suivie d'une autre pièce plus grande avec des meubles. À côté, il y a une autre pièce plus petite avec des éléments décoratifs.
Au centre, une grande pièce est étiquetée "S" et est reliée à plusieurs autres pièces. À droite de cette pièce centrale, il y a une autre pièce plus petite étiquetée "A".
En dessous de la pièce centrale, il y a une pièce étiquetée "GR" avec une petite pièce adjacente étiquetée "O". À côté, il y a une autre pièce étiquetée "CM".
À droite de ces pièces, il y a une grande pièce étiquetée "CH" et une autre pièce plus petite étiquetée "PC".
En bas, il y a une pièce étiquetée "C" avec une petite pièce adjacente étiquetée "AC". À côté, il y a une autre pièce étiquetée "V".
À l'extrême droite, il y a une pièce étiquetée "J".
Des lignes pointillées et des flèches indiquent les connexions entre les différentes pièces. La disposition montre un plan bien organisé avec des espaces distincts pour différentes activités et usages.
Palais du Luxembourg, 1er étage. Plan restitué par Sara Galletti de l’appartement de Marie de Médicis. Dans le pavillon sur rue : C : Cabinet ; AC : arrière-cabinet ; V : volière ; J : jardin privé de la Reine.
Deux pigeons, appelés "Tourterelles", sont représentés sur une branche. Les pigeons ont des plumes grises et brunes avec des pattes roses. Autour des pigeons, plusieurs papillons volent : un papillon bleu avec des ailes transparentes, un papillon marron avec des taches blanches, un papillon rouge avec des ailes noires, et un papillon bleu avec des ailes transparentes. Le fond est de couleur beige clair. Le texte "Tourterelles" est écrit en bas de l'image.
Tourterelles (La Volière de noble home Me Pierre Dupont, parisien…, 1629), peinture sur papier, 365 × 260 mm, Paris, BnF, Manuscrits.
L'image représente une peinture sur papier d'un rossignol, un oiseau, entouré de divers insectes. Le rossignol est positionné au centre, avec un plumage brun et des rayures sur les ailes. Il est représenté debout sur ses pattes, avec un bec fin et des yeux noirs. Autour du rossignol, il y a trois insectes : deux papillons et une mouche. Les papillons sont placés en haut à gauche et en haut à droite, avec des ailes ouvertes, tandis que la mouche est en bas à gauche. Le fond est de couleur beige clair, offrant un arrière-plan neutre qui met en valeur les sujets principaux. Le titre "Rossignol" est écrit en bas de l'image, indiquant le sujet principal de la peinture.
Rossignol (La Volière de noble home Me Pierre Dupont, parisien…, 1629) peinture sur papier, 365 × 260 mm, Paris, BnF, Manuscrits.
L'image représente une vue détaillée d'un jardin et d'une orangerie royales. Au premier plan, il y a un jardin orné avec des parterres de fleurs et des allées sinueuses. Des personnes sont dispersées dans le jardin, certaines marchant et d'autres s'occupant des plantes. L'orangerie, un bâtiment long et orné, se trouve au centre de l'image. Elle présente de nombreuses fenêtres et une grande coupole au milieu. Le bâtiment est entouré de colonnes et de décorations complexes. À l'arrière-plan, on peut voir des arbres et d'autres structures, ajoutant de la profondeur à la scène. Le ciel au-dessus est nuageux, donnant une atmosphère sereine à l'ensemble de la scène.
Israël Silvestre, Veuë du Jardin et de l’orangerie de la Reine, 1649, eau-forte, 110 × 161 mm, Amsterdam, Rijksmuseum.
Une sculpture complexe ornée d'une clé d'arc, entourée d'un chiffre représentant Henri IV, située au centre d'une couronne de buis. La sculpture est intégrée dans une structure en brique, avec des arches de chaque côté. L'ensemble est situé au Château de Fontainebleau, plus précisément dans le pavillon du portail du grand parterre. La clé d'arc et le chiffre sont finement détaillés, ajoutant une touche historique et artistique à la structure.
Clé d’arc sculptée au chiffre de Henri IV (buché) au centre d’une couronne de buis. Château de Fontainebleau, pavillon du portail du grand parterre.
L'image représente une élévation architecturale détaillée d'un jardin, intitulée "Le desseing de l’élévation du Jardrin de Valleri avec la gallerie et les pavillons". Cette illustration est une eau-forte provenant de l'ouvrage "Les Plus Excellents Bastiments de France" de Jacques Ier Androuet du Cerceau, publié en 1576. Le jardin est structuré en plusieurs sections géométriques, avec des parterres de fleurs et des chemins bien définis. Les sections sont divisées par des allées droites et des bordures ornées de buissons et d'arbres. Au centre, une grande allée principale conduit à une galerie couverte, flanquée de deux pavillons symétriques. Les bâtiments en arrière-plan présentent des toits en pente et des fenêtres ornées, ajoutant à l'élégance de la scène. L'ensemble de l'image est encadré par une bordure en pierre, offrant une impression de clôture et de protection. L'atmosphère générale est celle de la symétrie et de l'ordre, typique des jardins formels de l'époque.
Jacques Ier Androuet du Cerceau, Le desseing de l’élévation du Jardrin [sic] de Valleri avec la gallerie et les pavillons, eau-forte (Les Plus Excellents Bastiments de France, t. I, 1576), Paris, BnF, Arsenal.
L'image représente une vue du palais des Tuileries depuis le jardin, probablement vers 1650-1655. Le palais est une grande structure ornée avec de nombreuses fenêtres et détails architecturaux complexes. Au centre, une grande cour intérieure est visible, entourée de colonnes et de portiques. Le jardin au premier plan est soigneusement aménagé avec des parterres de fleurs et des allées rectilignes. Des personnes sont représentées en train de se promener dans le jardin, ajoutant une touche de vie à la scène. Le ciel est dégagé, et quelques nuages sont visibles. L'ensemble de la scène est encadré par des bâtiments symétriques de chaque côté du palais central.
Israël Silvestre (éditeur), Jean Marot et Stefano della Bella (collaborateurs) ?, Vue du palais des Tuileries depuis le jardin, vers 1650-1655, eau-forte, 133 × 250 mm, Paris, BnF, Estampes.
Une sculpture en marbre représentant un buste grandeur nature d'Henri IV, réalisée vers 1600 par Matthieu Jacquet. Le buste est encadré dans une niche ornée de motifs floraux et de feuilles. Henri IV est représenté avec une barbe et une couronne, tenant un globe dans sa main gauche. À droite du buste, une figure féminine tient un bouquet de fleurs. La sculpture est située dans la salle des Gardes du Château de Fontainebleau, avec une hauteur d'environ 90 cm.
Matthieu Jacquet, Grand buste de Henri IV, vers 1600, marbre, h. : 90 cm, Château de Fontainebleau, salle des Gardes.
L'image représente une vue détaillée d'une fontaine murale, intitulée "Vue de la fontaine murale de la grande volière de Fontainebleau". La scène est encadrée par un grand arc orné, décoré de motifs complexes. Au centre de l'arc, une grande fontaine est mise en évidence. La fontaine est composée de plusieurs niveaux, avec de l'eau cascadant d'un niveau supérieur à un niveau inférieur, créant un effet visuel dynamique.
Au cœur de la fontaine, une statue d'une figure humaine est positionnée, assise dans une pose contemplative. La figure semble être en train de jouer d'un instrument de musique, ajoutant une dimension artistique à la scène. Autour de la fontaine, des oiseaux sont représentés, perchés sur les bords et les niveaux de la fontaine, ajoutant un élément vivant et naturel à la composition.
L'ensemble de la scène est placé dans un cadre architectural, avec des détails minutieux sur les motifs et les textures des éléments de la fontaine et de l'arc. L'image est réalisée en eau-forte, un procédé artistique qui capture les détails fins et les ombres, donnant à l'image une profondeur et une richesse visuelles.
Abraham Bosse d’après Tommaso Francini, Vue de la fontaine murale de la grande volière de Fontainebleau, vers 1622-1624, eau-forte, 287 × 207 mm, Paris, BnF, Imprimés.
L'image représente une fontaine rustique située dans une niche, créée par Giovan Battista Ferrucci del Tadda entre 1589 et 1590. La fontaine est conçue en utilisant des matériaux tels que des rochers, du plâtre coloré, des minéraux, de l'hématite, des coquillages et du corail. Elle se trouve dans les Jardins de Boboli à Florence, plus précisément dans la Grotta del Buontalenti, dans la troisième salle.
La niche est ornée de motifs et de dessins complexes, incluant des éléments floraux et géométriques. La fontaine elle-même est intégrée dans une structure rocheuse, donnant l'impression d'une formation naturelle. Les matériaux utilisés créent une texture et une couleur variées, ajoutant à l'esthétique rustique de l'œuvre.
La composition globale de l'image montre une harmonie entre l'art et la nature, avec des éléments artificiels soigneusement intégrés pour imiter des formes et des textures naturelles. La niche est encadrée par des motifs muraux détaillés, complétant l'ambiance de la grotte.
Giovan Battista Ferrucci del Tadda, fontaine rustique dans une niche, 1589-1590, rocaille (spugne, plâtre coloré, minéraux, hématite, coquillage et corail), Jardins de Boboli (Florence), Grotta del Buontalenti, 3e salle.
L'image représente une fresque murale ornant une salle de la Grotta del Buontalenti aux Jardins de Boboli à Florence. La fresque, réalisée par Bernardino Poccetti en 1587, est une œuvre complexe et détaillée. Elle présente une variété de motifs floraux, notamment des roses et des liserons, ainsi que des oiseaux. Les motifs floraux sont disposés de manière à créer un sentiment d'harmonie et de naturel, avec des roses et des liserons entrelacés. Les oiseaux sont représentés dans diverses poses, ajoutant un élément dynamique à la scène. La fresque est située dans une salle avec un plafond voûté, qui est également décoré de motifs similaires, créant une atmosphère cohérente et immersive. Les couleurs utilisées sont principalement des tons pastel, avec des nuances de vert, de rose et de blanc, contribuant à une ambiance sereine et élégante.
Bernardino Poccetti, décor mural avec des roses, des liserons et des oiseaux, 1587, fresque, Jardins de Boboli (Florence), Grotta del Buontalenti, 3e salle.
Cette image représente une vue détaillée de la grotte de Versailles, un élément architectural et artistique notable du domaine de Versailles. La grotte est ornée de sculptures complexes et de motifs décoratifs. Au centre, il y a une grande fontaine avec des figures sculptées, probablement des divinités ou des personnages mythologiques, entourées d'eau. Les parois de la grotte sont ornées de niches et de panneaux décoratifs, chacun contenant des sculptures et des bas-reliefs. Le sol est recouvert de motifs géométriques et de dessins complexes, ajoutant à l'esthétique globale de l'espace. L'image est réalisée en eau-forte et burin, ce qui lui donne une qualité détaillée et texturée. Les arches et les colonnes encadrent la scène, créant une atmosphère majestueuse et grandiose.
Jean Lepautre, Veüe du fonds de la Grotte de Versailles […], 1676, eau-forte et burin, 380 × 572 mm, Paris, BnF, Estampes.
L'image représente l'entrée interne de la porte du Baptistère du Château de Fontainebleau. La porte est une structure ornée avec un grand portail central en arc, flanqué de deux portes plus petites de chaque côté. Au-dessus de l'entrée, il y a une grande arche décorée avec des motifs complexes et des sculptures. Au sommet de l'arche, une petite tour avec un dôme bleu et des éléments dorés se distingue. Le bâtiment est construit en pierre de couleur claire avec des détails en pierre plus foncée. Les murs sont ornés de fenêtres et de balcons, ajoutant à l'élégance architecturale. Le sol est pavé de pierres, et la scène est encadrée par des murs de pierre s'étendant des deux côtés de la porte. L'atmosphère générale est celle de la grandeur et de l'histoire, reflétant le style architectural du château.
Château de Fontainebleau, porte du Baptistère, face interne, état actuel.
L'image représente une scène historique détaillée de l'entrée de Henri IV à Lyon en 1595. Au centre, des pavillons ornés accueillent une musique, avec des musiciens jouant des instruments. À gauche, une structure en bois avec des décorations complexes et des personnes dessus. Des chevaux et des cavaliers sont positionnés devant ces structures, ajoutant à l'atmosphère festive. En arrière-plan, des statues et des figures angéliques sont visibles, ajoutant une dimension céleste à la scène. Des gens se promènent et observent les festivités, créant une ambiance animée. La scène est encadrée par des arches et des colonnes, avec des arbres et des éléments naturels intégrés dans la décoration. L'ensemble de l'image est riche en détails et en symboles, capturant l'importance de l'événement.
Jean-Jacques Perrissin, entrée de Henri IV à Lyon en 1595, détail des « pavillons de la musique », avec le « roc de la fontaine », aménagés dans une pergola, 1595, eau-forte, 248 × 361 mm, Paris, BnF, Estampes et photographie.
L'image représente une scène animée de divers oiseaux perchés sur des branches d'arbres et engagés dans diverses activités. Au centre, un petit hibou est perché sur une partition musicale flottante, tenant un pinceau dans son bec, comme s'il composait de la musique. À gauche, un grand oiseau aux plumes colorées est perché sur une branche, observant la scène. À droite, un perroquet vert avec un bec rouge est perché sur une branche, regardant attentivement autour de lui. Plusieurs autres oiseaux, y compris des moineaux, des merles et des oiseaux plus petits, sont dispersés sur les branches, certains chantant, d'autres observant. L'arrière-plan montre un ciel bleu avec des nuages blancs, ajoutant une atmosphère sereine à la scène. Les branches des arbres sont ornées de feuilles vertes, créant un environnement naturel et paisible.
Frans Snijders, Chants d’oiseaux à la partition, v. 1629-1630, huile sur toile, 98 × 137 cm, Madrid, Museo del Prado, détail.
L'image représente une peinture sur un support en pierre. Elle montre un oiseau avec un corps brun et une tête rouge, perché sur une branche. L'oiseau a des ailes grises et des pattes fines. À gauche de l'oiseau, il y a une autre branche avec des feuilles. Sur le côté droit, il y a une grappe de raisins violets attachée à une branche. Le fond est de couleur beige clair, donnant l'impression d'une surface en pierre. L'ensemble de la scène est simple mais détaillé, mettant en valeur la nature morte avec l'oiseau et les éléments environnants.
Giovanni da Udine, Oiseaux et grappe de raisin, v. 1487-1564, pinceau, encre noire, aquarelle et gouache, 12,4 × 20,3 cm, New York, Metropolitan Museum of Art.
L'image représente un paysage détaillé et complexe, encadré par une bordure ornementale. En haut, des oiseaux et des poissons sont représentés parmi des fleurs et des feuilles. Le paysage lui-même montre une scène rurale avec des collines, des arbres et des maisons. On peut voir des chasseurs et des chiens en train de chasser dans la partie gauche. Au centre, des personnes sont engagées dans diverses activités, comme la cueillette et le travail des champs. À droite, un village avec une église et des bateaux sur l'eau est visible. Le tout est rendu dans un style détaillé, utilisant de la plume, du pinceau et de l'encre brune.
Hans Bol, Paysage avec des chasseurs, entouré d’une bordure d’oiseaux et de poissons, 1584, plume, pinceau et encre brune, 14,6 × 21,1 cm, New York, Metropolitan Museum of Art.
L'image représente une scène animée de la nature, dominée par un grand arbre au centre. Cet arbre est orné de diverses espèces d'oiseaux, y compris des perroquets aux plumes colorées et des oiseaux plus petits perchés sur les branches. Autour de l'arbre, une multitude d'autres oiseaux sont visibles, certains en vol et d'autres au sol, ajoutant à l'atmosphère vivante.
À gauche de l'arbre, plusieurs animaux sont présents, y compris un grand oiseau de proie perché sur une branche, observant la scène. En dessous, des oiseaux au plumage rouge et noir sont rassemblés autour d'un rocher, tandis que d'autres oiseaux et animaux sont dispersés dans la végétation environnante.
À droite de l'arbre, un grand parterre d'eau est visible, avec plusieurs oiseaux aquatiques nageant ou se reposant sur la berge. La scène est entourée d'une végétation luxuriante, avec des arbres et des buissons créant une atmosphère de forêt dense.
L'ensemble de l'image est riche en détails et en couleurs, capturant l'essence d'un écosystème vibrant et animé.
Jan Bruegel II, Chants d’oiseaux, huile sur cuivre, 17 × 23,7 cm, collection particulière.
L'image représente une scène du Paradis terrestre avec la chute d'Adam et Ève. Au centre, Adam et Ève sont représentés nus, avec Ève tendant la main vers une pomme offerte par un serpent enroulé autour d'un arbre. Autour d'eux, une multitude d'animaux sont présents, incluant des chevaux, des lions, des léopards, des oiseaux exotiques, et d'autres créatures diverses. L'arrière-plan montre une forêt luxuriante avec des arbres, des buissons, et une variété de plantes. Le ciel est clair avec quelques nuages, et l'atmosphère générale est sereine et idyllique. Les couleurs sont vibrantes, ajoutant à la richesse et à la complexité de la scène.
Jan Bruegel I et Peter Paul Rubens, Le Paradis terrestre avec la chute d’Adam et Ève, v. 1615, huile sur bois, 74,3 × 114,7 cm, La Haye, Mauritshuis.
L'image représente une scène animée de divers oiseaux perchés sur des branches d'arbres et en vol dans un ciel bleu parsemé de nuages blancs. Au centre, un grand arbre avec des branches robustes et des feuilles vertes abrite plusieurs oiseaux. Un hibou est perché sur une branche, observant attentivement les environs. Un perroquet vert avec une crête rouge est perché sur une branche adjacente, tandis qu'un oiseau bleu et un autre avec des plumes colorées sont également visibles. Un oiseau avec une longue queue est perché sur une branche plus basse, et plusieurs autres oiseaux, y compris un oiseau avec un bec jaune et un autre avec des plumes noires et blanches, sont dispersés autour de l'arbre. En arrière-plan, des montagnes vertes et des arbres sont visibles sous un ciel bleu clair. L'atmosphère générale est sereine et naturelle, capturant un moment de la vie des oiseaux dans leur habitat.
Frans Snijders, Chants d’oiseaux à la partition, v. 1629-1630, huile sur toile, 98 × 137 cm, Madrid, Museo del Prado.
L'image représente une illustration en noir et blanc encadrée dans un cercle. À l'intérieur du cercle, il y a une scène avec plusieurs oiseaux perchés sur des branches d'arbres. Les oiseaux sont représentés en train de gazouiller. En dessous des branches, il y a un groupe de personnes marchant près d'un plan d'eau. Sur le côté droit de l'image, il y a un grand oiseau, probablement une cigogne, debout près de l'eau. Le fond de l'image montre un paysage avec des arbres et des bâtiments au loin. En dessous de l'illustration, il y a un texte en néerlandais qui semble être un poème ou une chanson. Le texte commence par "D" et est écrit en police ornée.
Adriaen van de Venne, « Elck vogeltje singht soo’t ghebeckt is » (« Chaque oiseau gazouille comme il est embecqué »), Jacob Cats, Spiegel van den ouden ende nieuwen tijdt, La Haye, Isaac Burchoorn, 1632, XXVII, p. 82-85.
Une peinture représentant une scène animée de divers oiseaux dans un cadre naturel. Au premier plan, plusieurs oiseaux sont rassemblés sur le sol, y compris des canards, des poules et des coqs. Un grand oiseau, peut-être un paon, est également présent, ajoutant une touche de couleur avec ses plumes vibrantes. À l'arrière-plan, des arbres et des buissons offrent un habitat naturel pour les oiseaux. Certains oiseaux sont perchés sur des branches, tandis que d'autres volent dans le ciel. Le ciel est rempli de nuages, créant une atmosphère dramatique. Les couleurs utilisées sont principalement des tons terreux avec des touches de bleu et de vert, ajoutant de la profondeur et de la vivacité à la scène. L'ensemble de la composition est équilibré, avec une variété d'oiseaux et d'éléments naturels contribuant à une scène animée et vivante.
Melchior d’Hondecoeter, Chants d’oiseaux, v. 1670-1680, huile sur toile, 164 × 214 cm, Dresde, Gemäldegalerie Alte Meister.
Une peinture à l'huile sur toile intitulée "Chants d’oiseaux" par Joannes Fijt, réalisée en 1661. L'œuvre mesure 135 × 174 cm et est exposée au Museo del Prado à Madrid. La scène représente un groupe de divers oiseaux dans un cadre naturel. À gauche, un petit oiseau est perché sur une branche d'arbre, tandis qu'un autre oiseau est perché sur une branche plus haute. Au centre, un grand oiseau aux plumes rouges vives est perché sur une branche, entouré de plusieurs autres oiseaux. Les oiseaux semblent être engagés dans une interaction, peut-être en chantant ou en se nourrissant. L'arrière-plan présente un paysage avec des arbres et des rochers, créant une atmosphère sereine et naturelle. Les couleurs sont vives, avec les plumes rouges de l'oiseau central se détachant sur les tons plus discrets des autres oiseaux et du paysage.
Joannes Fijt, Chants d’oiseaux, 1661, huile sur toile, 135 × 174 cm, Madrid, Museo del Prado.
Une peinture représentant une scène animée de divers oiseaux dans un cadre naturel. Au centre, une chouette est perchée sur une branche, tenant un livre ouvert avec des notes musicales écrites dessus. Autour de la chouette, plusieurs autres oiseaux sont visibles, chacun engagé dans une activité différente. Certains oiseaux sont perchés sur des branches, d'autres volent dans les airs, et quelques-uns sont au sol. Les oiseaux incluent des canards, des moineaux, des merles, et d'autres espèces reconnaissables par leurs couleurs et leurs formes distinctives. L'arrière-plan montre une forêt avec des arbres et des buissons, et le ciel est nuageux, ajoutant une atmosphère sereine à la scène. Les couleurs utilisées sont principalement des tons naturels de vert, brun, et des touches de bleu et de gris. L'ensemble de la composition suggère une harmonie entre les oiseaux et leur environnement, avec un accent sur la musique et la nature.
Melchior d’Hondecoeter, Chants d’oiseaux, 1670, huile sur toile, 84 × 99 cm, Vienne, collection particulière, toile vendue Chez Dorotheum, le 17 octobre 2012, lot 530, détail.
L'image représente une nature morte peinte à l'huile sur toile par Edwaert Collier. Au centre de la composition se trouve un violon reposant sur une partition musicale. À droite du violon, il y a un livre ouvert intitulé "Musica Laborim Dulce Levamen". À côté du livre, une flûte est posée. En arrière-plan, un globe terrestre est visible, partiellement caché par des rouleaux de parchemin. La scène est mise en valeur sur une table en bois, avec une chaise en bois à gauche. L'ensemble de la composition est baigné de lumière douce, créant une atmosphère sereine et introspective.
Edwaert Collier, Vanité au violon et au globe terrestre, huile sur toile, 71,8 × 60,6 cm, collection particulière.
Une peinture à l'huile sur toile intitulée "Vanité au violon et à la Description de Rome" par Edwaert Collier, mesurant 31,3 × 26 cm, et faisant partie d'une collection particulière. L'œuvre représente une nature morte avec divers objets disposés sur une table recouverte d'un tissu rouge. Les objets incluent un globe terrestre, un livre ouvert intitulé "Description de Rome", un violon, une partition de musique, une clarinette, et d'autres instruments de musique. Les objets sont soigneusement arrangés, créant une composition harmonieuse qui évoque à la fois la science et l'art. Le globe terrestre est positionné au centre, symbolisant la connaissance et l'exploration. Le violon et la clarinette, placés de manière visible, suggèrent un thème musical. La partition de musique, avec ses notes et symboles, renforce cette idée. L'ensemble de la scène est mise en valeur par un rideau rouge en arrière-plan, ajoutant une touche de théâtralité.
Edwaert Collier, Vanité au violon et à la Description de Rome, huile sur toile, 31,3 × 26 cm, collection particulière.
Cette image montre un détail d'une épinette, un instrument de musique ancien, daté de 1664. L'instrument est orné de peintures à la détrempe sur bois. La décoration comprend une variété de fleurs et de plantes, incluant des iris bleus et blancs, des tulipes roses et blanches, et des roses roses et blanches. Un oiseau est également représenté parmi les fleurs. Les couleurs utilisées sont principalement des nuances de bleu, de rose, de blanc et de vert. L'instrument lui-même a un clavier avec des touches noires et blanches. La peinture montre des signes d'usure, ajoutant un charme historique à l'instrument.
Louis Denis, Épinette : table d’harmonie, 1664, peinture à la détrempe sur bois, 149 × 49 cm, Paris, musée de la Musique, détail.
Le piano représenté sur l'image est un clavecin historique, un instrument de musique à cordes pincées. Il présente une décoration riche et ornée, typique de l'époque. Le clavecin est principalement de couleur rouge avec des accents dorés. Le couvercle du clavecin est ouvert, révélant un tableau peint représentant un paysage avec des arbres, des collines et des figures humaines. Le clavier est visible, avec ses touches noires et blanches disposées en rangées. Les pieds du clavecin sont élégamment courbés, ajoutant à son esthétique raffinée. L'instrument est placé sur un fond blanc, mettant en valeur ses couleurs et son design complexe.
Nicolas Dumont, Clavecin, 1697, remanié par Pascal Taskin en 1789, 226 × 82 × 95,5 cm, Paris, musée de la Musique.
L'image représente un clavecin orné, un instrument de musique à cordes pincées. La table d'harmonie du clavecin est peinte à la détrempe sur bois, mesurant 226 × 82 cm. La décoration de la table est riche et complexe, présentant des motifs floraux et des scènes de figures humaines. Les couleurs utilisées sont variées, incluant des teintes de rose, de vert, de bleu et d'or. La partie gauche de la table est incurvée, tandis que la partie droite est plus droite et verticale, avec des touches noires et blanches disposées en rangées. L'instrument semble être un modèle historique, remanié par Pascal Taskin en 1789, et est conservé au Musée de la Musique à Paris.
Nicolas Dumont, Clavecin, 1697, remanié par Pascal Taskin en 1789, table d’harmonie, peinture à la détrempe sur bois, 226 × 82 cm, Paris, Musée de la Musique.
Cette image montre un détail d'une table d'harmonie d'un clavecin, un instrument de musique à cordes pincées. La table d'harmonie est ornée d'une peinture à la détrempe sur bois, réalisée en 1697 par Nicolas Dumont et remaniée en 1789 par Pascal Taskin. La peinture représente une rosace centrale, une décoration florale complexe et élégante, entourée de divers oiseaux. La rosace est un motif circulaire avec des éléments décoratifs et des initiales ou des symboles. Les oiseaux, peints avec des couleurs vives, ajoutent une touche de vie et de mouvement à la scène. La palette de couleurs comprend des teintes de vert, de bleu, de rouge et d'or, créant une atmosphère riche et sophistiquée. L'ensemble de la composition est un exemple magnifique de l'art de la peinture sur bois, mettant en valeur le savoir-faire artistique de l'époque.
Nicolas Dumont, Clavecin, 1697, remanié par Pascal Taskin en 1789, table d’harmonie, peinture à la détrempe sur bois, 226 × 82 cm, Paris, Musée de la Musique, détail : Rosace et oiseaux.
L'image montre une épinette, un instrument de musique ancien, avec une table d'harmonie ornée de peinture à la détrempe sur bois. La peinture représente des fleurs et des motifs floraux colorés, ajoutant une touche artistique à l'instrument. La table d'harmonie est divisée en deux sections principales : la partie gauche présente une rangée de cordes et la partie droite montre un clavier avec des touches blanches et noires. L'instrument est encadré par une bordure en bois, et le couvercle est décoré de motifs floraux supplémentaires. L'ensemble de l'instrument dégage une esthétique raffinée et historique, reflétant l'artisanat de l'époque.
Louis Denis, Épinette : table d’harmonie, 1664, peinture à la détrempe sur bois, 149 × 49 cm, Paris, musée de la Musique.
L'image représente une épinette, un instrument de musique à cordes pincées, fabriquée par Philippe Denis à Paris en 1672. L'instrument est orné de peinture à la détrempe sur bois, présentant des motifs floraux complexes et détaillés. La table d'harmonie en bois est décorée de diverses fleurs et feuilles, réalisées avec des couleurs vives et des détails précis. Les touches noires et blanches de l'instrument sont disposées en rangées, avec des ornements dorés aux extrémités. La structure de l'épinette est en bois foncé, contrastant avec les éléments décoratifs colorés. L'instrument est présenté sur un fond neutre, mettant en valeur ses caractéristiques artistiques et musicales.
Philippe Denis, Épinette : table d’harmonie, Paris, 1672, peinture à la détrempe sur bois, 99,6 × 45 cm, Paris, musée de la Musique.
L'image représente une table d'harmonie d'un clavecin, un instrument de musique à cordes pincées. La table d'harmonie est ornée de peintures détaillées à la détrempe sur bois. Les décorations incluent des motifs floraux et des éléments de nature morte, disposés symétriquement de chaque côté d'un cadran d'horloge central. Les couleurs utilisées sont principalement des teintes chaudes, avec des rouges, des verts et des ors prédominants. La table d'harmonie est en bois, avec une finition dorée qui encadre les peintures. Sur le côté droit de l'image, on peut voir les cordes et les touches du clavecin, disposées en rangées verticales. L'ensemble de l'instrument dégage une élégance et une sophistication caractéristiques de l'artisanat musical du XVIIe siècle.
Ioannes Couchet, Clavecin : table d’harmonie, Anvers, 1652, remanié en France en 1701, table d’harmonie, peinture à la détrempe sur bois, 218 × 79 cm, Paris, musée de la Musique.
L'image représente une gravure ornée et complexe. Au centre, il y a une grande plaque rectangulaire avec du texte en néerlandais. La plaque est encadrée par une bordure décorative avec des motifs floraux et des éléments géométriques. De chaque côté de la plaque, il y a des oiseaux perchés sur des supports, dont l'un semble être un coq. En dessous de la plaque, il y a un vase rempli de fleurs, entouré de divers outils et objets, y compris des compas, des règles, des plumes et des parchemins. Les outils sont disposés de manière à suggérer un atelier d'artisan ou un espace de travail créatif. La gravure est entourée d'une bordure ornée avec des motifs de feuilles et de volutes. L'ensemble de la composition est symétrique et équilibrée, avec une attention méticuleuse aux détails.
Herman Janz Muller, graveur, d’après Jacob Floris, illustrateur, eau-forte tirée du recueil d’ornements Veelderhande cierlijcke Compertementen profitelijck voor schilders goutsmeden beeldtsnijders ende ander constenaren…, Anvers, Hans Liefrinck, 1564, Paris, Bibliothèque de l’INHA.
Cette image représente un détail d'un vantail de cabinet, probablement originaire d'Allemagne du Sud ou des Pays-Bas méridionaux, datant de la fin du XVIe siècle. Le vantail est orné de motifs complexes et de motifs floraux. Les éléments décoratifs incluent des figures stylisées, des animaux et des plantes, tous réalisés avec une grande précision et une attention aux détails. Les couleurs dominantes sont des nuances de brun et d'or, avec des touches de vert et de bleu ajoutant de la profondeur et du contraste. La bordure est particulièrement riche, avec des motifs répétitifs et des motifs géométriques qui encadrent le centre de l'œuvre. L'artisanat montre une maîtrise exceptionnelle de la marqueterie, utilisant divers types de bois pour créer des motifs contrastants et visuellement attrayants.
Cabinet, Allemagne du sud ou Pays-Bas méridionaux (?), fin du xvie siècle, Bruxelles, Musée d’Art et d’Histoire, détail d’un vantail.
Cette image représente une scène naturelle vibrante et animée, dominée par une chouette perchée sur un poteau au centre. La chouette, avec ses grands yeux et ses plumes brunes, semble être le point focal de l'œuvre. Autour d'elle, une multitude d'oiseaux de différentes espèces et couleurs sont dispersés sur les branches des arbres et dans le ciel. Les arbres, avec leurs feuilles vertes et leurs branches nues, offrent un perchoir à plusieurs oiseaux, y compris des passereaux et des oiseaux plus grands. À gauche, un grand oiseau rose et blanc est perché sur une branche, tandis qu'à droite, un petit oiseau rouge et jaune est perché sur une branche plus fine. Le fond montre un paysage serein avec des arbres verts et une étendue d'eau, ajoutant de la profondeur à la scène. Les couleurs sont vives et variées, allant des teintes vertes et brunes des arbres aux couleurs vives des oiseaux. L'ambiance générale est paisible et naturelle, capturant un moment de la vie sauvage.
Frans Snyders, La chouette appelant, vers 1620, huile sur bois, 64 × 106 cm, Aix-la-Chapelle, Suermondt-Ludwig Museum.
Une peinture représentant une scène animée de divers oiseaux dans un cadre naturel. Au centre, une grande chouette aux ailes déployées tient un livre ouvert, semblant lire à haute voix. Autour de la chouette, plusieurs autres oiseaux sont perchés sur des branches ou volent dans les airs. Les oiseaux incluent des merles, des moineaux, des pies, des pigeons et d'autres espèces variées. L'arrière-plan montre un paysage avec des arbres et un ciel nuageux, ajoutant de la profondeur à la scène. Les couleurs sont vives et les détails sont minutieusement rendus, capturant l'essence de chaque oiseau et de leur environnement.
Melchior d’Hondecoeter, Chant d’oiseaux, 1670, huile sur toile, 84 × 99 cm, collection particulière.
L'image représente une double page d'un livre ancien. À gauche, il y a une page ornée d'un cadre doré avec du texte en français. Le titre en haut de la page est "I. LE DUC ET LES OYSEAUX." Le texte en dessous est écrit en police cursive et raconte une histoire ou une fable. À droite, il y a une illustration colorée encadrée de doré. L'illustration montre un duc entouré d'oiseaux dans un jardin ou un parc. Le duc est assis sur un banc, et les oiseaux sont perchés sur des structures en treillis et des fontaines. L'arrière-plan de l'illustration est un jardin luxuriant avec des arbres et des buissons. L'ensemble de la page est bordé de décorations dorées complexes.
Jacques I Bailly, enlumineur, Sébastien Leclerc, dit l’Ancien, auteur du modèle, Isaac de Benserade, auteur du texte, Le Labyrinthe de Versailles : Le Duc et les oiseaux, vers 1675, dimensions du livre fermé : h. 18,2 × l. 13,8 × p. 2, 4 cm, Paris, Petit Palais, musée des Beaux-arts de la Ville de Paris.
L'image représente une gravure en noir et blanc intitulée "Le Duc et les oiseaux". Elle montre une scène ornée avec une grande fontaine en son centre. La fontaine est entourée d'une structure architecturale complexe avec des arches et des colonnes. Des oiseaux de différentes tailles et espèces sont dispersés autour de la fontaine et de la structure, certains en vol et d'autres posés. La scène est encadrée par une bordure décorative avec des motifs géométriques. Au-dessus de la scène, le texte "DE VERSAILLES" est visible en haut de l'image. L'ensemble de la composition est détaillé et artistique, capturant l'essence d'un jardin ou d'un parc de Versailles.
Sébastien Leclerc, Le Duc et les oiseaux, eau forte, Le Labyrinte de Versailles, A Paris, De l’imprimerie royale, 1677, Paris, Bibliothèque nationale de France, Département des Imprimés.
L'image représente une scène idyllique dans un bosquet luxuriant. Au centre, une fontaine avec une structure en arc est entourée d'une multitude d'oiseaux en vol. Autour de la fontaine, plusieurs figures mythologiques, probablement des nymphes et des Amours, sont engagées dans diverses activités. Certaines sont assises sur l'herbe, d'autres se penchent pour attraper des oiseaux avec des filets. Deux statues, une de chaque côté de la fontaine, ajoutent à l'élégance de la scène. Les arbres et la végétation dense créent une atmosphère sereine et cachée, typique d'un bosquet. Les couleurs sont vives, avec des verts luxuriants des arbres et des teintes pastel pour les vêtements des figures. L'ensemble de la scène est empreint de tranquillité et de beauté, capturant un moment de jeu et de détente dans un cadre naturel.
Jean II Cotelle, Vue de l’entrée du bosquet du Labyrinthe avec des nymphes et des Amours prenant des oiseaux dans leurs filets, vers 1688, huile sur toile, 200 × 140 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.
Une peinture représentant une scène fantaisiste avec plusieurs personnages et oiseaux. Au centre, une femme nue, à l'exception d'une jupe rouge, est perchée sur un piédestal. Elle tient un miroir dans lequel elle regarde un homme nu, qui semble être Adam, se tenant au sol. Autour d'eux, plusieurs hommes vêtus de costumes historiques sont perchés sur des branches d'arbres, certains tenant des oiseaux. Les oiseaux incluent des perroquets, des paons, et d'autres espèces exotiques. L'homme au premier plan, vêtu d'une veste rouge et d'un chapeau, tient un oiseau dans sa main. L'arrière-plan montre un paysage avec des arbres et un ciel nuageux. La scène est animée et surréaliste, avec une atmosphère onirique.
Anonyme, La chasse à la chouette ou Le miroir aux alouettes, vers 1730, huile sur toile, 115 × 90 cm, Besançon, Musée des beaux-arts et d’archéologie.
Une femme aux longs cheveux bruns, vêtue d'une robe bleue, est assise dans une forêt. Elle tient un oiseau dans ses mains, probablement un rossignol, et semble lui enseigner quelque chose. Un petit ange aux ailes blanches est perché sur une branche à côté d'elle, observant attentivement la scène. En arrière-plan, un autre ange dort dans un berceau suspendu à un arbre. La scène est encadrée par une bordure dorée avec des motifs de feuilles et de fleurs.
Philipp Otto Runge, La leçon du rossignol, [Die Lehrstunde der Nachtigall], 1804-1805, huile sur toile, 104,7 × 88,5 cm, Hambourg, Kunsthalle, détail.
Une femme vêtue d'une robe bleue est assise dans un cadre naturel, entourée d'une végétation luxuriante. Elle tient un oiseau dans ses mains, probablement un rossignol, et semble lui enseigner quelque chose. Derrière elle, un petit ange aux ailes déployées observe la scène. La femme a des ailes elle-même, suggérant une figure mythologique ou céleste. Le cadre est encadré de motifs dorés et de sculptures complexes, incluant des anges et des feuilles, sur un fond marron. L'atmosphère est sereine et éthérée, évoquant une leçon paisible et intime entre la femme et l'oiseau.
Philipp Otto Runge, La leçon du rossignol, [Die Lehrstunde der Nachtigall], 1804-1805, huile sur toile, 104,7 × 88,5 cm, Hambourg, Kunsthalle.
L'image représente une illustration en noir et blanc intitulée "La leçon du rossignol" par Philipp Otto Runge, créée en 1801. L'œuvre est exécutée à l'encre et au crayon, et montée avec une silhouette découpée sur papier représentant Cupidon, l'archer. La scène montre une figure centrale, probablement une femme, assise sur un banc ou un tabouret, tenant un oiseau dans ses mains. Au-dessus d'elle, un ange ou un enfant est représenté, tenant également l'oiseau, créant un lien visuel entre les deux figures. Le texte en dessous de l'illustration est écrit en allemand et semble être une poésie ou une citation, ajoutant une dimension littéraire à l'œuvre. La silhouette de Cupidon, positionnée en bas de l'image, est en train de tirer une flèche, symbolisant l'amour ou l'inspiration. L'ensemble de la composition est placé sur un fond sombre, mettant en valeur les détails délicats de l'illustration.
Philipp Otto Runge, La leçon du rossignol, 1801, plume sur crayon, monté avec une silhouette découpée sur papier (Cupidon archer), 17,5 × 11,2 cm, Hambourg, Kunsthalle.
L'image représente une miniature médiévale colorée. Au centre, un homme est assis, vêtu d'une robe pourpre avec une cape verte. Il tient un parchemin dans ses mains et semble être en train d'écrire ou de lire. L'homme a des cheveux blonds et une barbe, et il porte une expression concentrée.
Derrière lui, il y a un bouclier avec un motif rouge et or. Au-dessus du bouclier, il y a une couronne avec des éléments dorés et rouges. Le fond de la miniature est rempli de divers oiseaux, y compris des oiseaux noirs, des oiseaux rouges et des oiseaux jaunes, qui semblent voler ou se reposer.
La bordure de la miniature est décorée de motifs floraux et de feuilles, avec des couleurs rouge, verte et or. Le texte en haut de la miniature est écrit en latin et se traduit par "Herr Heinrich von Veldeke". La scène globale semble être une représentation d'un poète ou d'un écrivain médiéval dans un cadre noble.
« Herr Heinrich von Veldeke », illustration du Große Heidelberger Liederhandschrift (Codex Manesse), 1305-1340, miniature en couleur sur parchemin, 35 × 25 cm, feuillet 30 recto, Heidelberg, Universitätbibliothek.
L'illustration représente trois personnages féminins vêtus de robes colorées, se tenant devant un arbre orné de feuilles vertes et de fleurs rouges. La femme à gauche, portant une robe rose et verte, tient un objet noir près de son visage. La femme au centre, vêtue d'une robe violette et bleue, porte une couronne de fleurs sur la tête. La femme à droite, en robe rouge, tient un livre avec une croix dessus. L'arrière-plan est décoré de texte manuscrit et d'une bordure bleue avec des motifs dorés.
« Otto vom Turne », illustration du Große Heidelberger Liederhandschrift (Codex Manesse), 1305-1340, miniature en couleur sur parchemin, 35 × 25 cm, feuillet 194 recto, Heidelberg, Universitätbibliothek.
L'image représente une scène bucolique avec trois chérubins dans un buisson luxuriant. Les chérubins, nus, sont positionnés à différents endroits dans le buisson, chacun tenant un instrument de musique. Le premier chérubin, à gauche, tient une lyre et semble jouer de la musique. Le deuxième chérubin, au centre, tient une flûte et semble également jouer. Le troisième chérubin, à droite, tient un luth et semble jouer de la musique. Le buisson est riche en verdure, avec des feuilles et des fleurs qui encadrent les chérubins. L'arrière-plan est sombre, contrastant avec la verdure vibrante et les chérubins clairs. L'atmosphère générale de l'image est sereine et mélodieuse, évoquant une harmonie avec la nature et la musique.
Philipp Otto Runge, Le buisson des rossignols [Das Nachtigallengebüsch], 1810, aquarelle et encre sur papier, 25 × 11,8 cm. Hambourg, Kunsthalle.
Une image en noir et blanc représentant une figure humanoïde avec un grand masque blanc couvrant tout le visage. Le masque a un œil visible et une grande structure en forme de éventail au sommet. La figure est assise sur un support en forme de chaise, tenant un objet dans une main et pointant vers son visage avec l'autre main. La figure semble être dans un champ herbeux, avec des tiges de plantes visibles autour. L'atmosphère générale est surréaliste et mystérieuse.
Max Ernst, Le rossignol chinois, 1920, fragments de photographies collées et encre sur papier contrecollé sur carton, 12,5 × 9 cm, Grenoble, musée de Grenoble. © Adagp, Paris, [2023].
L'image représente une œuvre abstraite de Joan Miró intitulée "Le chant du rossignol à minuit et la pluie matinale". Cette pièce est une phototypie en couleurs d'une gouache sur vélin d'Arches, mesurant 35,5 × 43,1 cm. L'œuvre est située au Centre Pompidou à Paris. L'image est dominée par des formes géométriques et des motifs abstraits, incluant des cercles, des triangles, des étoiles et des lignes sinueuses. Les couleurs principales sont le bleu, le rouge, le noir et le blanc, créant un contraste dynamique. Les éléments sont dispersés de manière apparemment aléatoire, mais avec une composition harmonieuse. Le fond est de teinte grise, offrant un arrière-plan neutre pour les formes colorées. L'œuvre dégage une atmosphère onirique et surréaliste, caractéristique du style de Miró.
Joan Miró, 11. Le chant du rossignol à minuit et la pluie matinale, 1940-1959, phototypie en couleurs d’une gouache sur vélin d’Arches, 35,5 × 43,1 cm, Paris, Centre Pompidou. © Adagp, Paris, [2023].
L'image montre une coiffe traditionnelle appelée "ten, kéten ou ntse teng" provenant de la culture bamileke au Cameroun. Cette pièce, datant du XIXe siècle, est fabriquée à partir de plumes de perroquet gris du Gabon et de fibres végétales. La coiffe est haute de 27,5 cm et a un diamètre de 77 cm. Elle présente une base en fibres végétales, qui est de couleur bleu foncé, contrastant avec les plumes orange vif disposées en forme de couronne. Les plumes sont soigneusement attachées et se dressent vers l'extérieur, créant une apparence volumineuse et ornée. La coiffe est un exemple de l'artisanat complexe et de l'importance culturelle des accessoires de tête dans la culture bamileke.
Coiffe ten, kéten ou ntse teng, xixe siècle, textile, plumes de perroquet gris du Gabon, fibres végétales, haut. 27,5 cm, diam. 77 cm, culture bamileke, Cameroun. Lyon, Musée des confluences, collection Antoine de Galbert, détail.
L'image représente un leurre de chasse en bois, datant de la seconde moitié du XXe siècle. Ce leurre est orné d'une tête de calao, un type de perroquet, et d'un miroir. La tête de calao est positionnée au sommet du leurre, avec des plumes et des yeux rouges distinctifs. Le leurre est courbé, avec une poignée à une extrémité et une tête de calao à l'autre extrémité. Le leurre mesure environ 53 cm de hauteur. Il est fabriqué par la culture Nupe au Nigeria.
Leurre de chasse, seconde moitié du xxe siècle, bois, tête de calao, miroir, graines, haut. 53 cm, Culture Nupe, Nigeria. Paris, musée de l’Homme/MNHN, collection d’anthropologie culturelle/ Myriam Kourdourli.
L'image représente une coiffe traditionnelle appelée "nkaka" réalisée au XXe siècle. Cette pièce artisanale est fabriquée à partir de fibres végétales, de plumes, de perles de verre et de pigments. La coiffe mesure environ 17 centimètres de hauteur. Elle provient de la culture Luba, située en République Démocratique du Congo, et fait partie de la collection du musée Royal de l'Afrique centrale à Tervuren. La coiffe présente des motifs géométriques complexes, avec des perles de verre disposées en motifs répétitifs et symétriques. Les plumes et les fibres végétales encadrent les motifs en perles, ajoutant texture et profondeur à l'ensemble. Les pigments utilisés donnent une teinte vibrante et contrastée à la coiffe, mettant en valeur l'artisanat et l'importance culturelle de cette pièce.
Coiffe nkaka, xxe siècle. Fibres végétales, plumes, perles de verre et pigments, haut. 17 cm, Culture Luba, RDC. Tervuren, collection musée Royal de l’Afrique centrale.
Une coiffe traditionnelle appelée "emedot" réalisée au XXe siècle par le peuple Karamojong en Ouganda. La coiffe est fabriquée à partir d'argile, de cheveux, de pigments et de plumes d'autruche. Elle mesure environ 30 cm de hauteur. La coiffe présente une forme arrondie avec des motifs géométriques complexes. Les cheveux et les plumes sont disposés de manière à former une crête au sommet de la coiffe, ajoutant une dimension visuelle impressionnante. Les pigments utilisés créent des motifs colorés sur la surface de l'argile, offrant un contraste saisissant avec les éléments naturels. La coiffe est exposée au musée Royal de l'Afrique Centrale à Tervuren.
Coiffe emedot, xxe siècle, cheveux, argile, pigments et plumes d’autruche, haut. env. 30 cm, Culture Karamojong. Ouganda, Tervuren, musée Royal de l’Afrique Centrale.
L'image montre une coiffe traditionnelle enkuraru, datant du XXe siècle. Cette pièce est fabriquée à partir de peau, de plumes d'autruche et de coton. La coiffe mesure 75 cm de hauteur, 54 cm de largeur et 12 cm de profondeur. Elle provient de la culture Massaï du Kenya et est exposée au British Museum à Londres. La coiffe présente une structure circulaire en peau, ornée de plumes d'autruche qui s'étendent vers le haut. Les plumes sont de couleur claire, contrastant avec la peau sombre. La coiffe est fixée avec des cordes en cuir, ajoutant une touche authentique à l'artisanat. L'ensemble de la pièce dégage une signification culturelle et historique importante.
Coiffe enkuraru, xxe siècle, peau, plumes d’autruche, coton. H : 75 cm, L : 54 cm, P : 12 cm Culture Masaï, Kenya. Londres, British Museum
Deux jeunes Zoulous, nommés Umbambu et Umpelengu, sont représentés dans leurs costumes de danse traditionnels. Ils se tiennent côte à côte, dos à l'observateur, dans un décor naturel avec des hautes herbes et des arbres en arrière-plan. Les deux individus portent des ceintures ornées de perles et des pagnes colorés. Leurs coiffures sont élaborées, avec des plumes et des accessoires décoratifs. L'un d'eux tient un objet dans sa main droite, peut-être un instrument de danse ou un accessoire rituel. L'atmosphère semble sereine et cérémonielle, capturant un moment de la culture et des traditions zouloues.
George French Angas, Young Sulus in their Dancing Costumes, Umbambu and Umpelengu [Jeunes zoulous dans leur costume de danse. Umbambu et Umpengulu], lithographie coloriée à la main, publiée dans The Kafirs Illustrated, Londres, G. Barclay for J. Hogarth, 1849, ici pl. 15
L'image représente un homme vêtu de manière traditionnelle, identifié comme étant Utimumi, le neveu de Shaka. Il porte une coiffe ornée de plumes et de décorations colorées. Son visage est peint et il porte des colliers autour du cou. Il tient un grand bouclier en cuir décoré de motifs géométriques et une lance dans sa main gauche. Son bras droit est tendu vers l'avant, comme s'il indiquait ou menaçait. Il est également vêtu d'une peau d'animal autour de la taille et de bracelets aux bras. En arrière-plan, plusieurs personnes sont visibles, certaines portant des vêtements blancs et d'autres des peaux d'animaux. Le décor semble être une plaine ouverte avec des collines au loin.
George French Angas, Utimumi/Nephew of Shaka [Utimumi/Neveu de Shaka], lithographie coloriée à la main, publiée dans The Kafirs Illustrated, Londres, G. Barclay for J. Hogarth, 1849, ici pl. 13
Coiffe cérémonielle, fin du xixe siècle, fibres végétales, plumes, haut. env. 50 cm, région du Zambèze, Mozambique. Nîmes, muséum d’histoire naturelle.
Coiffe cérémonielle, fin du xixe siècle, fibres végétales, plumes, haut. env. 50 cm, région du Zambèze, Mozambique. Nîmes, muséum d’histoire naturelle.
Figure en bois haute de 112 cm, ornée de perles, de corne d’antilope, de fibres, de plumes, d’écorce, de fer, de laiton, et de verre. La figure est assise sur un socle en bois, tenant un objet dans ses mains. Elle porte un grand couvre-chef fait de plumes et d’autres matériaux, couvrant presque toute la largeur de l'image. Le visage de la figure est détaillé avec des traits distincts et des accessoires en verre. La posture de la figure est droite, avec les jambes croisées et les bras reposant sur les genoux. Le socle est de forme cylindrique, avec des marques et des textures visibles sur la surface en bois. L'arrière-plan est sombre, contrastant avec les couleurs vives des ornements de la figure.
Figure gardienne de reliquaire, xixe siècle, bois, perles, corne d’antilope, fibres, plumes, écorce, fer, laiton, verre, H : 112 cm x l : 41 cm x P : 37 cm, culture Fang, Cameroun. Berlin, Ethnologisches Museum.
L'image représente un objet traditionnel africain appelé "Coiffe ten, kéten ou ntse teng". Il s'agit d'une pièce de textile ornée de plumes de perroquet gris du Gabon et de fibres végétales. La coiffe est haute de 27,5 cm et a un diamètre de 77 cm. Elle est réalisée par le peuple bamileke du Cameroun. La coiffe est principalement de couleur orange vif, avec des plumes disposées en rayons partant du centre. La base de la coiffe est en fibres végétales, tressées en un motif complexe et colorées en bleu foncé. L'ensemble de la pièce dégage une impression de richesse et de sophistication, témoignant de l'artisanat et de la culture bamileke.
Coiffe ten, kéten ou ntse teng, xixe siècle, textile, plumes de perroquet gris du Gabon, fibres végétales, haut. 27,5 cm, diam. 77 cm, culture bamileke, Cameroun. Lyon, Musée des confluences, collection Antoine de Galbert.
Masque, fin du xixe siècle, bois, pigments, plumes, coquillages, métal, fibres végétales, peau animale, haut. env. 62 cm, culture Krou, région du fleuve Sassandra, Côte d’Ivoire. Paris, musée du quai Branly-Jacques Chirac.
Le masque est principalement de forme rectangulaire avec des contours arrondis. Il est fabriqué en bois et orné de divers matériaux naturels. La partie supérieure du masque est décorée avec des plumes, principalement noires et blanches, disposées en motifs complexes. Ces plumes sont fixées de manière à donner une impression de couronne ou de coiffe.
Le visage du masque est peint avec des pigments, principalement dans des teintes de bleu et de noir. Les yeux sont représentés par des cercles blancs avec des pupilles noires, et il y a des lignes verticales et horizontales qui forment des motifs géométriques autour des yeux. Le nez est représenté par une ligne verticale avec une petite protubérance en bas, et la bouche est une ligne horizontale avec une petite courbe au milieu.
La partie inférieure du masque est ornée de fibres végétales et de peau animale, probablement pour représenter une barbe ou une moustache. Ces éléments sont attachés de manière à donner une impression de texture et de profondeur.
Le masque est fixé à un mur blanc, ce qui met en valeur ses couleurs et ses détails. L'ensemble de la pièce est une représentation artistique complexe et détaillée de la culture Krou de la région du fleuve Sassandra en Côte d’Ivoire.
Masque, fin du xixe siècle, bois, pigments, plumes, coquillages, métal, fibres végétales, peau animale, haut. env. 62 cm, culture Krou, région du fleuve Sassandra, Côte d’Ivoire. Paris, musée du quai Branly-Jacques Chirac.
Une photographie en noir et blanc représentant une personne vêtue d'un costume traditionnel lors d'une mascarade Kru. La personne porte un masque élaboré avec des motifs géométriques et des éléments décoratifs. Le costume comprend une jupe faite de fibres naturelles, probablement des feuilles ou des plumes, qui descend jusqu'aux chevilles. La personne tient un objet dans chaque main, qui semblent être des bâtons ou des instruments rituels. L'arrière-plan montre d'autres individus, également en costumes traditionnels, suggérant une cérémonie ou une fête communautaire. L'image est prise en extérieur, avec des arbres et des structures en arrière-plan, indiquant un cadre naturel ou semi-naturel.
Mascarade Kru avec Krumen, Gabon ou Kamerun, vers 1875-1885, photo anonyme, tirage à l’albumine, 14 × 19,5 cm, Museum der Kulturen, Basel, détail.
Le masque Gitenga est une pièce artistique traditionnelle de la culture Pende, originaire de la République Démocratique du Congo, datée de la fin du XIXe siècle. Fabriqué à partir de fibres végétales, de plumes et de pigments, ce masque présente une forme circulaire avec deux trous pour les yeux. La surface du masque est lisse et de couleur brun clair, encerclée par une bordure tissée en fibres végétales. Autour de cette bordure, des plumes et des fibres végétales sont soigneusement disposées, créant une frange dense et texturée. Le masque est orné de manière à évoquer une couronne ou un halo, ajoutant une dimension rituelle et spirituelle à l'objet. La texture et la composition du masque suggèrent une utilisation dans des cérémonies culturelles ou religieuses, mettant en valeur l'artisanat et les croyances de la culture Pende.
Masque Gitenga, fin du xixe siècle, fibres végétales, plumes, pigments, haut. env. 60 cm, culture Pende, République Démocratique du Congo. Tervuren, collection Musée Royal de l’Afrique Centrale.
Dessin en noir et blanc représentant un détail de la coiffe de Tsibinda Ilunga. La coiffe est haute et ornée d'un motif complexe en forme de grille. Elle est fixée sur une statuette qui montre un visage avec des traits prononcés, notamment un nez proéminent et une bouche ouverte. La statuette semble porter une barbe et des cheveux bouclés. L'arrière-plan est simple, mettant l'accent sur la statuette et sa coiffe.
Détail de la coiffe de Tsibinda Ilunga, dessin d’après une statuette conservée à l’Universidade do Porto, Museo do instituto de antropologia.
Masque traditionnel de la culture Tshokwe, République Démocratique du Congo, datant du début du XXe siècle. Le masque est fabriqué à partir de fibres végétales, de cire et de résine, et orné de plumes et de tissu. Il mesure environ 71 centimètres de hauteur. Le masque présente une figure stylisée avec des traits marqués et des couleurs vives, typiques de l'art Tshokwe. Les plumes sont disposées en un motif radial, donnant une impression de couronne ou de crête autour de la tête du masque. Le tissu et les fibres végétales forment la base structurelle, tandis que la cire et la résine ajoutent des détails et des textures spécifiques. Le masque est exposé sur un fond sombre, mettant en valeur ses couleurs et ses motifs complexes.
Masque Cihongo, premier tiers du xxe siècle, fibres végétales, cire et résine, plumes, tissu, haut. 71 cm, culture Tshokwe, République Démocratique du Congo. Tervuren, collection Musée Royal de l’Afrique Centrale.
Masque Ndunga, deuxième moitié du xixe siècle, en bois, pigments, fibres végétales et plumes. Hauteur environ 170 cm. Culture Woyo/Vili, Cabinda, région de Loango, Angola. Amsterdam, Tropenmuseum. Le masque est orné de motifs complexes et colorés, avec des plumes noires et blanches couvrant la majeure partie de la surface. Les yeux sont grands et expressifs, encadrés par des lignes horizontales. Le masque est soutenu par un support métallique, mettant en valeur sa hauteur impressionnante. Les plumes sont disposées de manière à créer une texture dense et volumineuse, donnant au masque une apparence tridimensionnelle. Les pigments utilisés sont principalement des nuances de rouge, blanc et noir, ajoutant à l'esthétique visuelle du masque.
Masque Ndunga, deuxième moitié du xixe siècle, bois, pigments, fibres végétales, plumes, haut. env. 170 cm, Culture Woyo / Vili, Cabinda, région de Loango, Angola. Amsterdam, Tropenmuseum.
Une illustration en noir et blanc représentant une figure humaine ornée d'un masque et d'un costume élaboré. La figure porte un masque qui couvre le visage, avec des plumes s'étendant vers le haut, donnant une impression de hauteur et de majesté. Le costume est composé de nombreuses plumes, créant une apparence volumineuse et texturée. La figure tient une canne dans sa main droite, ajoutant à son apparence imposante. Le costume et le masque suggèrent une signification culturelle ou cérémonielle, probablement lié à une tradition ou une cérémonie spécifique.
Masque Warakun du Komo. Dessin de Ph. Jespers reproduit dans J-P. Colleyn et J. de De Clippel, 1998, p. 141.
Cette photographie en noir et blanc capture une scène vibrante d'une cérémonie traditionnelle Bamana au Mali. Au premier plan, plusieurs danseurs sont ornés de masques complexes et de costumes élaborés. Les masques sont particulièrement frappants, avec des formes et des motifs distincts, incluant des cornes et des plumes qui ajoutent une dimension de grandeur et de mystère. Les danseurs semblent être en mouvement, leurs corps légèrement flous, suggérant l'énergie et la vivacité de la danse.
À l'arrière-plan, on peut voir un masque du korè, qui se distingue par sa taille et sa forme imposante. Ce masque est positionné devant une structure en paille, probablement une hutte traditionnelle, qui complète le cadre rural de la scène. Un arbre sans feuilles se dresse également en arrière-plan, ajoutant une touche de nature à l'ensemble de la composition.
L'image transmet un sentiment d'authenticité culturelle et de tradition, mettant en valeur les richesses des pratiques et des costumes traditionnels Bamana.
Danseurs masqués du komo avec, à l’arrière-plan, un masque du korè, Bamana (Mali).
L'image représente une personne portant un masque qui ressemble à la tête d'une chouette aux oreilles courtes. Le masque est réaliste, avec des plumes brunes et blanches couvrant tout le visage et le cou de la personne. Les yeux de la chouette sont visibles et semblent regarder directement le spectateur. La personne porte également une veste ou un manteau qui correspond au motif de plumes du masque, donnant l'impression d'une tenue complète de chouette. L'arrière-plan est simple et neutre, probablement un mur blanc, ce qui met entièrement en valeur le sujet et le masque. L'image semble être une photographie en noir et blanc, ajoutant une qualité intemporelle à l'œuvre.
Sara Angelucci, Aviary (Short-eared Owl/endangered), 2013, C-print, 22 × 33.5 inches, avec l’aimable permission de l’artiste.
L'image représente plusieurs dessins de dodos (Raphus cucullatus) réalisés par Joris Joostensz Laerle entre 1601 et 1603. Les dessins sont exécutés sur un papier vieilli, ce qui donne une impression d'antiquité. Les dodos sont représentés sous différents angles et positions : certains se tiennent debout, d'autres sont en train de se pencher ou de se déplacer. Les détails anatomiques des oiseaux, tels que leurs becs, leurs ailes et leurs pattes, sont soigneusement dessinés. Les contours et les ombres sont bien définis, offrant une représentation réaliste des dodos. Les dessins sont disposés sur plusieurs pages, avec des annotations manuscrites en bas de certaines pages, indiquant peut-être des notes ou des descriptions supplémentaires. L'ensemble de l'œuvre offre une vue détaillée et précise de ces oiseaux disparus.
Joris Joostensz Laerle, Dodo (Raphus cucullatus), 1601-1603, n° 135 f. 64v, Archives de la Compagnie des Indes Orientales, Nationaal Archief, Den Haag.
Une peinture représentant un dodo, un oiseau éteint, se tenant sur une surface herbeuse. Le dodo a un plumage brun et duveteux, un bec large et recourbé, et des pattes robustes avec des orteils tournés vers l'arrière. L'arrière-plan est de couleur beige clair, offrant un fond neutre qui met en valeur les détails de l'oiseau. Le dodo semble être en position debout, avec une posture droite et les ailes repliées le long du corps. L'image est réalisée en huile sur vélin, capturant les traits distinctifs de l'oiseau avec précision.
Jacob Hoefnagel, Dodo, cod. min. 42, f. 120, Bestiaire de Rodolphe II, vers 1602, huile sur vélin, 30 x 40 cm. Vienne, Bibliothèque Nationale d’Autriche.
L'image représente une scène de chasse à la colombe passeuse dans une région de Louisiane. Au premier plan, plusieurs chasseurs sont armés de fusils et tirent sur un immense essaim de pigeons qui volent dans le ciel. Les chasseurs sont vêtus de tenues variées, certains portant des chapeaux et d'autres des gilets. Un chien accompagne l'un des chasseurs, probablement pour aider à la chasse. Les chasseurs sont dispersés dans un champ herbeux, certains plus proches du premier plan tandis que d'autres sont plus éloignés, donnant une impression de profondeur à la scène.
À l'arrière-plan, il y a des arbres et des bâtiments, suggérant un cadre rural. Les bâtiments semblent être des structures simples, peut-être des granges ou des maisons de ferme. Le ciel est rempli d'une multitude de pigeons, créant une impression de mouvement et d'abondance. La scène est animée, capturant un moment de chasse active dans un cadre naturel.
Smith Bennett, Passenger pigeon flock being hunted in Louisiana, version colorisée tirée de The Illustrated Shooting and Dramatic News, 3 juillet 1875, vol. 3, n° 71, p. 332. (https://digitalmedia.fws.gov/digital/collection/natdiglib/id/25279)
Une photographie en noir et blanc représentant un pigeon ramier. L'oiseau est perché sur une branche, le corps orienté vers la gauche. La tête du pigeon est légèrement tournée vers le haut, et son bec est légèrement ouvert. Les plumes de l'oiseau sont détaillées, avec des motifs complexes sur les ailes et le dos. L'arrière-plan est flou, mettant l'accent sur le pigeon. La composition de l'image est centrée sur l'oiseau, offrant une vue claire de ses caractéristiques physiques.
Enno Meyer, Martha, 1912, photographie, tiré de R. W. Shufeldt, “Published Figures and Plates of the Extinct Passenger Pigeon, ” Scientific Monthly, vol. 12, n° 5, mai 1921, p. 458-481.
L'image représente une chouette barnée, un oiseau de proie, positionnée au centre. La chouette est représentée de face, avec ses ailes repliées le long de son corps. Elle est principalement de couleur beige clair avec des taches plus foncées sur son plumage. Ses yeux sont grands et ronds, et son bec est pointu et orange. La chouette repose sur un tissu bleu clair qui l'entoure, offrant un contraste avec sa couleur de plumage. Le fond est également de couleur bleu clair, ce qui accentue davantage la chouette. L'image semble être une photographie, capturant les détails fins de l'oiseau et de son environnement.
Sara Angelucci, Barn owl, 2013, C-print, 31 × 46 cm, avec l’aimable permission de l’artiste.
L'image représente une personne portant un masque qui ressemble à celui d'une chouette aux oreilles courtes. Le masque est détaillé avec des plumes et des yeux perçants, donnant une apparence réaliste de la chouette. La personne porte également une cape ou un vêtement qui semble fait de plumes, renforçant l'illusion d'être une chouette. L'arrière-plan est neutre, probablement blanc ou gris clair, ce qui met en valeur le sujet et le masque. Le cadre semble être une photographie en noir et blanc, ajoutant une qualité intemporelle à l'image. Le masque couvre tout le visage, ne laissant apparaître que les yeux de la personne. L'expression générale de l'image est sérieuse et contemplative.
Sara Angelucci, Aviary (Short-eared Owl/endangered), 2013, C-print, 55 × 85 cm, avec l’aimable permission de l’artiste.
L'image représente un portrait en noir et blanc d'une personne avec une barbe et des cheveux courts. La personne porte une tenue qui semble être faite de plumes, couvrant son torse et son cou. Le visage de la personne est légèrement flou, ce qui donne une impression d'éthéréité. L'arrière-plan est de couleur gris clair, offrant un contraste qui met en valeur les détails du visage et de la tenue en plume. Le portrait est encadré dans une forme ovale, ce qui lui donne une apparence classique et intemporelle.
Sara Angelucci, Aviary (Sage Thrasher/endangered), 2013, C-print, 55 × 85 cm, avec l’aimable permission de l’artiste.
L'image représente une photographie en noir et blanc d'une personne avec un visage et un cou ornés d'un masque ou d'une sculpture complexe. Le masque est principalement rouge et blanc, rappelant les couleurs d'un pic à tête rouge. Les yeux du masque sont grands et expressifs, et le nez est proéminent. La personne porte également un chapeau haut de forme avec une plume noire. Le col de la personne est orné d'un vêtement en fourrure blanche. La photographie est encadrée dans un cadre rectangulaire avec une bordure dorée. Dans le coin inférieur gauche, le texte "Stanley" et "LEWISTON, M.E." sont inscrits.
Sara Angelucci, Aviary (Red-headed Woodpecker/endangered), 2013, C-print, 55 × 85 cm, avec l’aimable permission de l’artiste.
L'image représente un portrait en noir et blanc d'une personne avec une barbe et une moustache prononcées. La personne porte un chapeau haut de forme, couvrant une partie de son front et de ses cheveux. Le fond est de couleur claire, offrant un contraste avec les traits sombres du visage. En bas de l'image, il y a une inscription qui indique "CABINET PORTRAIT" et "PORTSMOUTH, VA 204 HIGH ST.", suggérant que le portrait a été pris dans un studio de photographie à Portsmouth, en Virginie. Le style et la qualité de l'image évoquent une photographie ancienne, probablement prise au XIXe siècle.
Sara Angelucci, Aviary (Female Passenger Pigeon/extinct), 2013, C-print, 66 × 96 cm, avec l’aimable permission de l’artiste.
L'image représente un portrait en noir et blanc d'un homme avec une barbe et des cheveux courts. Son visage est légèrement tourné vers la gauche, et il semble fixer l'horizon avec une expression sérieuse. L'homme est torse nu, révélant une poitrine et des épaules musclées. L'arrière-plan est simple et neutre, permettant au sujet de se démarquer. Dans le coin inférieur gauche, il y a une inscription qui indique "Freeman" et "176 Main St., Norfolk, VA." L'image a une esthétique vintage, suggérant qu'elle pourrait être une photographie ancienne.
Sara Angelucci, Aviary (Male Passenger Pigeon/extinct), 2013, C-print, 66 × 96 cm, avec l’aimable permission de l’artiste.
L'image représente un portrait d'une personne avec des caractéristiques inhabituelles. La personne a une grande moustache et une longue plume sortant de sa bouche. Ses cheveux sont coiffés en chignon et elle porte un vêtement orné de plumes. Le fond est blanc et le cadre semble être une photographie encadrée. L'expression générale de l'image est surréaliste et artistique.
Sara Angelucci, Aviary (Eskimo Curlew/extinct), 2013, C-print, 55 × 85 cm, avec l’aimable permission de l’artiste.
Une peinture représentant une grue couronnée se tenant sur une patte. L'oiseau a un plumage noir et blanc avec une tête et un cou noirs, un bec rouge et une crête jaune sur le dessus de sa tête. L'arrière-plan est de couleur rouge foncé. La grue est positionnée au centre de l'image, avec une patte relevée et l'autre posée sur le sol. Les détails de la peinture sont fins, mettant en valeur les plumes et les traits de l'oiseau.
Exposition Les Animaux du Roi, Château de Versailles (oct. 2021-fév. 2022). Pieter Boel (1622/1625-1674), Grue à aigrette, Paris, musée du Louvre.
Cette peinture représente une scène de chasse avec trois chiens et une antilope. Les chiens, attachés par des laisses, sont positionnés au premier plan. Deux d'entre eux sont assis, tandis que le troisième est debout. Ils regardent vers l'antilope, qui se tient au centre de l'image. L'antilope, avec ses grandes cornes recourbées, semble être le sujet principal de l'attention des chiens. Derrière eux, un mur de pierre sert de fond, et plusieurs oiseaux de chasse sont suspendus à une chaîne, ajoutant une touche de réalisme à la scène. La peinture est réalisée en huile sur toile et capture l'essence de la chasse et de la nature sauvage.
Exposition Les Animaux du Roi, Château de Versailles (oct. 2021-fév. 2022). Jean-Baptiste Oudry (1686-1755), Trois chiens devant une antilope, huile sur toile, Irlande, Russborough House.
L'image montre une exposition dans un musée, probablement le Château de Versailles, comme l'indique le titre. La pièce a des murs bleus et un sol en bois. Au premier plan, il y a une grande vitrine en verre contenant une grande statue d'oiseau, probablement un oiseau exotique avec un grand bec. L'oiseau est perché sur un support en métal.
Derrière la vitrine, il y a plusieurs tableaux encadrés accrochés au mur. Ces tableaux représentent divers oiseaux dans des poses naturelles. Les tableaux sont disposés en ligne horizontale, chacun étant de taille similaire et encadré de manière similaire.
À gauche de la vitrine, il y a une grande peinture murale représentant une scène de forêt avec des arbres et des animaux. Cette peinture est encadrée et ajoute une touche artistique à la pièce.
La pièce semble bien éclairée, probablement par des lumières artificielles, et il y a une barrière en corde devant la vitrine pour empêcher les visiteurs de s'approcher trop près. L'ambiance générale est celle d'une exposition muséale soigneusement organisée, mettant en valeur des œuvres d'art et des objets liés à la faune.
Exposition Les Animaux du Roi, Château de Versailles (oct. 2021-fév. 2022). Vue de l’exposition.
Sculpture en plomb polychrome représentant un singe chevauchant un bouc. Le singe, avec une expression de surprise ou de joie, est positionné sur le dos du bouc. Le bouc, avec des cornes recourbées et une fourrure détaillée, semble courir ou bondir. Les deux figures sont réalisées avec un grand souci du détail, capturant les textures de la fourrure et les expressions faciales. La sculpture est exposée dans un cadre blanc, mettant en valeur les couleurs et les textures de la pièce.
Exposition Les Animaux du Roi, Château de Versailles (oct. 2021-fév. 2022). Pierre Legros, Benoît Massou, Singe chevauchant un bouc et regardant à senestre, 1673-1674, plomb polychrome, fonte, Versailles, Château de Versailles.
Cette image représente une exposition intitulée "Les Animaux du Roi" au Château de Versailles, qui s'est tenue d'octobre 2021 à février 2022. L'exposition évoque le Salon octogonal de la Ménagerie du Château, décoré avec certains des tableaux de Nicaise Bernaerts. La pièce est spacieuse et bien éclairée, avec des murs beiges et un sol en bois marqueté. Les tableaux sont disposés de manière symétrique sur les murs, mettant en scène des animaux et des scènes de la ménagerie royale. Au centre de la pièce, une porte ouverte mène à une autre salle, également décorée de manière similaire. Les tableaux sont encadrés et bien éclairés, permettant une observation détaillée. La pièce est vide de visiteurs, offrant une vue claire et dégagée de l'exposition.
Exposition Les Animaux du Roi, Château de Versailles (oct. 2021-fév. 2022). Évocation du Salon octogonal de la Ménagerie du Château avec certains des tableaux de Nicasisus Bernaerts qui en constituaient le décor.
Une baleine à bosse est représentée dans une illustration artistique. La baleine est positionnée sur le côté gauche de l'image, avec son corps partiellement visible. L'accent est mis sur l'œil de la baleine, qui est représenté de manière stylisée et détaillée. L'œil est de couleur bleu foncé avec des motifs complexes en rayures et en cercles, créant un effet visuel hypnotisant. L'arrière-plan est une teinte de bleu plus claire, avec des motifs de fibres ou de filaments qui ajoutent de la texture à l'image. La composition globale est centrée autour de l'œil de la baleine, soulignant son importance et sa beauté.
Exposition Musicanimale. Le grand bestiaire sonore, musée de la Musique – Philharmonie de Paris (sept. 2022-janv. 2023). Julien Salaud, Cymatique de baleine à bosse, 2022, gouache et crayon de couleur sur papier, 60 × 84 cm. Collection de l’artiste.
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<h2>LITANY FOR THE WHALE</h2>
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Exposition Musicanimale. Le grand bestiaire sonore, musée de la Musique – Philharmonie de Paris (sept. 2022-janv. 2023). John Cage, partition de Litanie pour la baleine, 1980, 30 × 21 cm. Paris, Médiathèque Musicale.
Une peinture représentant une variété d'oiseaux perchés sur des branches et des rochers. À gauche, un grand perroquet blanc est perché sur une branche. À côté, plusieurs petits oiseaux, y compris un merle noir et blanc et un rouge-gorge, sont perchés sur des branches. Au centre, un oiseau aux couleurs vives, peut-être un tangara, est perché sur un rocher. À droite, un grand perroquet rouge et un vautour brun sont perchés sur des branches. En arrière-plan, d'autres oiseaux volent ou sont perchés sur des branches, créant une scène animée et colorée. Le ciel est nuageux, ajoutant une atmosphère sereine à la scène.
Exposition Musicanimale. Le grand bestiaire sonore, musée de la Musique – Philharmonie de Paris (sept. 2022-janv. 2023). Frans Snyders, Concert d’oiseaux, 1629-1630, huile sur toile, 79 × 151 cm. Madrid, Museo Nacional del Prado.
L'image représente un instrument de musique traditionnel indien appelé "vièle taus" ou "mayuri". Cet instrument est fabriqué à partir de bois, de peau, de métal, d'os, de pigments et de plumes de paon. La vièle taus est ornée de manière complexe, avec un corps en forme de paon coloré et des plumes de paon attachées à la partie inférieure. Le manche de l'instrument est long et fin, avec plusieurs chevilles pour ajuster les cordes. La tête de l'instrument est décorée avec des motifs élaborés et des couleurs vives, reflétant l'artisanat détaillé de l'époque. L'instrument mesure environ 97 cm de longueur, 16 cm de largeur et 30 cm de hauteur. Cet exemplaire date du début du XXe siècle et est conservé au musée de la Musique à Paris.
Exposition Musicanimale. Le grand bestiaire sonore, musée de la Musique – Philharmonie de Paris (sept. 2022-janv. 2023). Vièle taus ou mayuri, fin du xixe siècle - début du xxe siècle, Inde du Nord, bois, peau, métal, os, pigments et plumes de paon, 97 × 16 × 30 cm. Paris, musée de la Musique.
Cette image en noir et blanc montre une scène de plusieurs fourmis sur une surface texturée. Les fourmis sont dispersées sur une structure qui semble être un morceau de bois ou un matériau similaire. Certaines fourmis sont en mouvement, marchant sur la surface, tandis que d'autres semblent explorer ou chercher de la nourriture. La texture de la surface est rugueuse, avec des fissures et des crevasses visibles, offrant un environnement naturel pour les fourmis. L'arrière-plan est flou, mettant l'accent sur les fourmis et la surface sur laquelle elles se trouvent. L'image capture un moment de la vie quotidienne de ces insectes dans leur habitat naturel.
Exposition Musicanimale. Le grand bestiaire sonore, musée de la Musique – Philharmonie de Paris (sept. 2022-janv. 2023).
© Adagp, Paris, [2023]. Fonds de photographies Knud Viktor appartenant à l’association Allô La Terre et archivé au musée Gassendi de Digne-les-Bains.
L'image représente une serinette, un instrument musical mécanique utilisé au début du XIXe siècle. La serinette est fabriquée en bois, fer et tissus, et mesure 15,5 × 19,5 × 22 cm. Elle est exposée dans le cadre de l'exposition "Exposition Musicanimale. Le grand bestiaire sonore" au musée de la Musique – Philharmonie de Paris, de septembre 2022 à janvier 2023.
La serinette est ornée d'une scène complexe. Au centre, une femme en robe blanche est assise sur un banc, jouant d'un instrument de musique. À sa droite, il y a une petite cage à oiseaux en métal avec un oiseau à l'intérieur. La cage est posée sur une table recouverte d'un tissu brodé. À gauche de la femme, il y a une boîte en bois avec un couvercle décoré. Le tout est placé sur une base en bois richement sculptée avec des motifs floraux et des motifs géométriques. La base repose sur quatre petits pieds en bois.
L'ensemble de la scène est soigneusement disposé, créant une atmosphère pittoresque et nostalgique. Les détails minutieux des objets et des tissus ajoutent à l'esthétique de l'exposition.
Exposition Musicanimale. Le grand bestiaire sonore, musée de la Musique – Philharmonie de Paris (sept. 2022-janv. 2023). Fils Davrainville, Serinette, début du xixe siècle, bois, fer et tissus, 15,5 × 19,5 × 22 cm. Paris, musée de la Musique.
Une illustration d'un oiseau bleu avec une grande queue, perché sur une branche. L'oiseau a une tête et des ailes noires, et un corps principalement bleu avec une grande tache noire sur le ventre. La branche sur laquelle il est perché est fine et courbée. L'arrière-plan est flou avec des teintes de rose et de vert, suggérant une forêt ou une zone boisée. L'oiseau semble être le sujet principal de l'image, avec des détails précis sur ses plumes et sa posture.
Exposition Musicanimale. Le grand bestiaire sonore, musée de la Musique – Philharmonie de Paris (sept. 2022-janv. 2023). Miruka, Paradisier bleu, 2017, crayon de couleur et marqueur soluble à l’eau sur papier, 40 × 58 cm. Osaka, Studio Yellow.
L'image représente une broche en forme d'oiseau, élégamment conçue et richement ornée. L'oiseau, réalisé en or, est paré de pierres précieuses qui ajoutent une touche de luxe et de couleur. La tête de l'oiseau est ornée de diamants, lui donnant un éclat scintillant. Le corps de l'oiseau est recouvert de rubis, dont la teinte rouge vif contraste magnifiquement avec l'or. Les ailes et la queue de l'oiseau sont décorées de saphirs bleus, créant un effet visuel saisissant. La queue de l'oiseau est particulièrement détaillée, avec des plumes s'étendant en éventail, chacune incrustée de saphirs. La broche est un exemple exceptionnel de l'art joaillier, mettant en valeur la maîtrise et l'attention aux détails.
Paradis d’Oiseaux, Paris, L’École des Arts Joailliers (2019). Van Cleef & Arpels, Clip Oiseau de Paradis, 1942, or jaune, platine, rubis, saphirs, diamants, H. 7,5 × L. 4,3 × P. 4,3 cm. Collection Van Cleef & Arpels.
Photo Bertrand Moulin © Van Cleef & Arpels.
Trois broches ornées de pierres précieuses et de métaux précieux sont exposées dans une vitrine. À gauche, une broche en forme d'oiseau de paradis (quetzal) de Mauboussin, avec des plumes bleues et vertes scintillantes. Au centre, une broche en forme d'oiseau de Cartier, avec un corps recouvert de pierres vertes et des détails en diamants. À droite, une broche en forme d'oiseau de Pierre Sterlé, avec des plumes vertes et bleues, et des accents dorés. Les broches sont présentées sur des supports noirs, avec un fond flou mettant en valeur les bijoux.
Paradis d’Oiseaux, Paris, L’École des Arts Joailliers (2019). Détail d’une vitrine (à gauche : Mauboussin, Broche Oiseau de paradis [quetzal] ; au centre : Cartier, Broche Oiseau ; à droite : Pierre Sterlé, Broche Oiseau).
Photo Benjamin Chelly © Van Cleef & Arpels.
Une grande foule de personnes attend devant l'entrée de la Galerie des Beaux-Arts à Bordeaux. L'entrée est ornée de deux grandes affiches représentant un lion, annonçant l'exposition "Rosa Bonheur". Les gens, vêtus de tenues décontractées, semblent faire la queue pour entrer. La scène se déroule en plein jour, avec une lumière naturelle illuminant l'entrée et les environs. La Galerie des Beaux-Arts est un bâtiment imposant avec une façade claire et des éléments architecturaux classiques. Les gens de tous âges sont présents, certains discutent entre eux, d'autres regardent leurs téléphones ou leurs sacs. L'atmosphère semble animée et impatiente, indiquant l'anticipation pour l'exposition.
Le public devant l’entrée de l’exposition Rosa Bonheur à Bordeaux, Galerie des Beaux-Arts (mai-sept. 2022).
L'image représente un dispositif de médiation pour le jeune public dans le cadre de l'exposition Rosa Bonheur au Musée d’Orsay, datée d'octobre 2022 à janvier 2023. La scène est mise en place sur un fond violet avec des dessins blancs de divers animaux. Sur le côté gauche, il y a des silhouettes de deux vaches et un chien. Sur le côté droit, deux cerfs sont représentés. Au centre, une table ronde avec des éléments interactifs est placée sur un support en bois. Le sol est parsemé de petites empreintes d'animaux, ajoutant une touche ludique à l'installation. Des textes en blanc sont visibles en haut à gauche de l'image, bien que leur contenu ne soit pas clairement discernable. L'ensemble de la scène est conçue pour être accessible et engageante pour les enfants.
Dispositif de médiation pour le jeune public, exposition Rosa Bonheur, Musée d’Orsay (oct. 2022-jan 2023).
La salle d'exposition est spacieuse et bien éclairée, avec un plafond haut orné de lumières encastrées. Les murs sont peints dans une teinte beige clair, offrant un fond neutre pour les œuvres exposées. Sur le mur de droite, plusieurs cadres sont disposés en ligne, contenant des œuvres d'art variées. Ces œuvres semblent être des cyanotypes, certains retouchés par l'artiste, appartenant aux collections du Château de Rosa Bonheur à By-Thomery.
Au centre de la salle, une grande vitrine en bois présente une série de cyanotypes. Ces cyanotypes sont protégés par une vitre, permettant aux visiteurs de les observer de près. La vitrine est entourée de supports en bois, offrant un espace pour que les visiteurs puissent s'asseoir ou se reposer.
Le sol est en bois clair, ajoutant une touche chaleureuse à l'espace. Sur le mur de gauche, une fenêtre permet à la lumière naturelle de filtrer, illuminant subtilement les œuvres exposées. L'ensemble de la salle est conçu pour offrir une expérience immersive et agréable pour les visiteurs, mettant en valeur les œuvres d'art de manière accessible et esthétique.
Vitrine présentant des cyanotypes, certains retouchés par l’artiste, appartenant aux collections du Château de Rosa Bonheur à By-Thomery, exposition Rosa Bonheur, Musée d’Orsay (oct. 2022-jan 2023).
La salle consacrée au Marché aux chevaux, exposition Rosa Bonheur, Musée d’Orsay (oct. 2022-jan 2023). La pièce est peinte dans une teinte verte apaisante. Sur le mur de gauche, une grande peinture encadrée dorée représente une scène animée de chevaux et de personnes. À côté, sur le mur de droite, une grande toile blanche montre une esquisse en noir et blanc de la même scène. Une table lumineuse à droite permet une exploration de la version originale restée au Metropolitan Museum de New York. Un banc noir est placé au centre de la pièce, entre les deux œuvres. Les murs sont ornés de quelques autres œuvres et informations. Le sol est en bois clair, ajoutant une touche chaleureuse à l'espace.
La salle consacrée au Marché aux chevaux, exposition Rosa Bonheur, Musée d’Orsay (oct. 2022-jan 2023). Réduction destinée à Gambart (Londres, National Gallery). Esquisse dessinée sur toile (Château de Rosa Bonheur à By). La table lumineuse sur la droite permettait une exploration de la version originale restée au Metropolitan Museum de New York.
Une grande salle de musée avec des murs verts. Trois tableaux encadrés sont exposés sur les murs. Le tableau de gauche représente un paysage avec des chevaux et des cavaliers. Le tableau central est plus grand et montre également un paysage avec des chevaux et des cavaliers. Le tableau de droite est similaire au premier, représentant un paysage avec des chevaux et des cavaliers. Une longue banquette en bois est placée au centre de la salle. Le sol est en bois clair. Deux issues de secours sont visibles sur les côtés de la salle.
Exposition Rosa Bonheur, Musée d’Orsay (oct. 2022-jan 2023), salle consacrée aux voyages écossais et pyrénéens de l’artiste.
Une grande exposition dans une galerie des Beaux-Arts, dédiée à Rosa Bonheur, l'Ouest Américain et Buffalo Bill. Au centre de la salle, une grande statue d'un bison est mise en avant sur un socle en verre. Autour de la statue, plusieurs personnes observent les différentes œuvres exposées. À gauche, une grande peinture représente un troupeau de bisons dans un paysage américain. Sur le mur de droite, plusieurs œuvres sont accrochées, accompagnées de descriptions et d'informations. La salle est bien éclairée avec des lumières du plafond, créant une atmosphère accueillante pour les visiteurs.
Exposition Rosa Bonheur, Galerie des Beaux-Arts de Bordeaux (mai-sept. 2022), la salle consacrée à Rosa Bonheur, l’Ouest Américain et Buffalo Bill.
L'image montre les premières salles d'une exposition sur Rosa Bonheur au Musée d'Orsay, de octobre 2022 à janvier 2023. La pièce est éclairée par des lumières douces, créant une atmosphère sereine. Les murs sont peints dans une teinte violette foncée, offrant un contraste saisissant avec les œuvres d'art exposées. Au centre de la salle, un grand portrait de Rosa Bonheur par Édouard Dubufe est mis en évidence. Rosa Bonheur est représentée en train de poser avec un bovin qu'elle a elle-même peint. À gauche du portrait, une grande peinture intitulée "Le Labourage nivernais" est visible, montrant une scène rurale avec des chevaux et des agriculteurs. Sur le côté droit, une réduction du "Marché aux chevaux" est exposée, représentant des chevaux et des cavaliers dans un marché animé. Les œuvres sont soigneusement disposées, permettant aux visiteurs de les admirer confortablement. L'ambiance générale est celle de l'appréciation artistique et de la contemplation.
Les premières salles de l’exposition Rosa Bonheur au Musée d’Orsay (oct. 2022-jan 2023), avec le portrait de Rosa Bonheur par Édouard Dubufe (Versailles, Musée national du château, Rosa Bonheur ayant elle-même peint le bovin sur lequel elle s’appuie), Le Labourage nivernais (Musée d’Orsay) et la réduction du Marché aux chevaux (Londres, National Gallery).
Dans cette image, nous voyons une exposition au Musée des Beaux-Arts de Bordeaux, dédiée à Rosa Bonheur, qui s'est tenue de mai à septembre 2022. L'espace est consacré à l'œuvre "La Foulaison du blé en Camargue". Au centre de l'image, une grande peinture de Rosa Bonheur est mise en avant. Cette peinture représente une scène pastorale avec des chevaux et des personnes travaillant dans un champ. La peinture est encadrée de manière ornée et protégée par une vitrine en verre.
À droite de cette grande peinture, plusieurs autres œuvres sont exposées. On peut voir des peintures de Brascassat et Troyon, qui sont également encadrées et placées sur le mur. Ces œuvres sont plus petites comparées à la peinture centrale.
Au premier plan de l'image, il y a des sculptures de Rosa et Isidore Bonheur. Ces sculptures sont placées sur des socles et sont protégées par des vitrines en verre. Les sculptures représentent des animaux, probablement des chevaux, en accord avec le thème de l'exposition.
L'exposition est installée dans une salle avec un sol en bois et des murs gris. L'ambiance générale est celle d'un musée classique, avec une attention particulière portée à la présentation et à la protection des œuvres d'art.
Exposition Rosa Bonheur, Musée des Beaux-Arts de Bordeaux (mai-sept. 2022), l’espace consacré à La Foulaison du blé en camargue, avec au premier plan des sculptures de Rosa et Isidore Bonheur, et sur la droite du tableau des œuvres de Brascassatt et de Troyon.
Cette image représente une exposition intitulée "Exposition Rosa Bonheur" à la Galerie des Beaux-Arts de Bordeaux, dans une salle dédiée au château de By, la résidence de Rosa Bonheur. La pièce est décorée avec des éléments de style rustique et historique, incluant des trophées de cerf fixés au mur et plusieurs tableaux encadrés. Un grand miroir rond est accroché au-dessus d'une cheminée, reflétant une partie de la salle et une personne debout devant le miroir. La personne, vêtue d'une robe sombre et d'un chapeau, semble examiner les environs. Les murs sont ornés de divers tableaux et dessins encadrés, représentant des scènes de la vie rurale et des animaux. La salle est bien éclairée par la lumière naturelle entrant par les fenêtres, et il y a des panneaux d'information sur le sol, probablement fournissant des détails sur les œuvres exposées. L'ambiance générale de la pièce est celle d'un hommage à l'art et à la vie de Rosa Bonheur, mettant en valeur son style artistique et son environnement de résidence.
Exposition Rosa Bonheur, Galerie des Beaux-Arts de Bordeaux (mai-sept. 2022), salle consacrée au château de By, résidence de Rosa Bonheur.
La pièce est une salle de style historique avec des murs violets foncés. Au centre, il y a une grande cheminée en marbre avec des sculptures et des ornements dorés. Au-dessus de la cheminée, un grand tableau encadré d'or est accroché au mur. À gauche de la cheminée, plusieurs tableaux plus petits sont disposés en rangée, représentant des scènes de la vie rurale et des animaux.
À droite de la cheminée, une grande fenêtre avec des rideaux bleus laisse entrer la lumière naturelle. Sous la fenêtre, il y a un canapé en velours rayé et une table basse en bois avec un plateau de verre. Au-dessus de la table basse, un lustre en cristal est suspendu au plafond.
Sur le côté droit de la pièce, il y a une grande armoire en bois avec des ornements dorés et des miroirs de chaque côté. Le sol est en bois poli, et plusieurs chaises en bois et en tissu sont placées autour de la pièce. La décoration générale est luxueuse et historique, avec une collection d'œuvres d'art et des meubles anciens.
Le fumoir de Napoléon III au château de Fontainebleau (juin 2022-jan. 2023), avec la collection d’œuvres de Rosa Bonheur.
