À l’ère numérique, création, diffusion et réception de la culture connaissent des transformations profondes. Cet ouvrage en explore plusieurs aspects à travers l’étude d’objets variés : de l’écoute de musique en ligne aux livres audionumériques, de la lecture de romances Wattpad et Webtoon à la consultation de patrimoines numérisés, de la copie créative d’oeuvres d’art aux politiques numériques des musées et bibliothèques. Combinant enquêtes de terrain et analyses critiques, il montre comment le numérique structure nos comportements et nos modes de participation culturelle, et configure nos expériences tout en redéfinissant les frontières symboliques, économiques et professionnelles du secteur de la culture.

Croisant sociologie, économie, sciences de l’information et de la communication, sciences des médias et informatique, ce livre cherche à éclairer les mutations en cours en vue de penser l’avenir des politiques culturelles. Comment préserver la diversité et la vitalité des cultures face au processus continu de plateformisation des contenus ? Comment garantir la participation des publics sans reproduire les hiérarchies sociales ? Comment penser le développement des politiques culturelles dans un environnement dominé par les données, les algorithmes et l’économie de l’attention ?

Plus de cinquante ans après la première édition de l’enquête Pratiques culturelles des Français, cet ouvrage réunit des sociologues, démographes, économistes, statisticiens, chercheurs en sciences de l’éducation ou en sciences de l’information et de la communication pour éclairer les évolutions structurelles de nos rapports à la culture, en utilisant les données de cette grande enquête, et notamment de sa dernière édition (2018). Par la diversité de leurs ancrages théoriques et de leurs méthodologies, leurs contributions mettent au jour les clés d’interprétation des transformations technologiques, sociologiques et culturelles qui caractérisent le début du millénaire et qui redéfinissent tant les formes de participation culturelle que les représentations sociales de ce qui fait culture. Quels sont les effets du numérique sur la participation culturelle et comment celle-ci s’articule-t-elle avec de « vieux » objets comme la télévision ? La  participation culturelle constitue-t-elle un facteur d’intégration ? Quelles spécificités nationales

persistent dans un contexte de globalisation culturelle ? Telles sont quelques-unes des questions auxquelles cet ouvrage se consacre, vingt ans après l’ouvrage dirigé par Olivier Donnat, afin de tracer des pistes de réflexion utiles tant pour le débat social que pour la réinvention de la politique culturelle.

Le développement de politiques publiques d’EAC depuis plusieurs décennies, en France comme à l’étranger, s’accompagne d’une demande d’évaluation croissante (en fonction d’objectifs ou de résultats attendus), sans que celle-ci soit systématiquement assortie de l’insertion de protocoles de recherche dans les dispositifs eux-mêmes. Fruit d’une injonction politique de plus en plus prégnante, soutenue par des financements ciblés, cette demande d’évaluation peut même contrevenir à la définition d’objets de recherche, qui ne sauraient se réduire à la seule traduction des objectifs des acteurs institutionnels.

Mobilisant un corpus international de travaux sur l’évaluation des effets de l’EAC, cet ouvrage interroge les attendus les plus fréquents de la demande d’évaluation et souligne les apports d’une recherche indépendante. Il revisite les méthodologies employées et leurs résultats, de même que les postures épistémologiques. Les fondements implicites des objets de recherche sont ainsi discutés, entre poids des définitions institutionnelles de l’EAC et des modèles d’action ou dispositifs afférents d’une part et représentations politiques des apports de l’art et de la culture pour le développement des individus d’autre part.

Cet ouvrage est issu d’une recherche collective financée par le ministère de la Culture (Département des études, de la prospective, des statistiques et de la documentation) et réalisée par une équipe de chercheuses et de chercheurs sous la direction de Marie-Christine Bordeaux et Alain Kerlan.

Après avoir observé, en 2021, l'écosystème des festivals – leurs économies, leurs bénévoles, leurs publics, leurs partenaires, leur empreinte territoriale et sociale – dans l'ouvrage Festivals, territoire et société, ce nouvel opus s’intéresse à quatre dimensions jusqu’ici peu documentées. S’appuyant sur les résultats de plusieurs enquêtes inédites, il alterne portraits, témoignages d’experts et de responsables de festivals et études de cas exemplaires.

L’ouvrage se penche d’abord sur la sociologie des créatrices et créateurs de festivals ainsi que de leurs dirigeants. Les responsables de festivals sont-ils des professionnels de la culture comme les autres ? Les festivals sont-ils désormais perçus comme un espace de professionnalisation ? Ou bien restent-ils principalement le fait de bénévoles engagés ? Comment se différencient-ils en matière de domaine artistique, d’envergure et de territoire ?

Les motivations qui conduisent à créer un festival sont ensuite examinées. Celles-ci combinent une pluralité d’intentions dans un cadre toujours collectif, mais dont les contours varient, là aussi, selon les événements.

En troisième lieu, comment les festivals s’engagent-ils dans ce qu’il est désormais convenu d’appeler la transition écologique ? Souvent pointés du doigt pour leur empreinte carbone élevée, peuvent-ils se révéler d’efficaces vecteurs du changement face aux défis climatiques ?

Enfin, s’intéresser à la création de festivals amène aussi à envisager leur disparition et à identifier certains facteurs de fragilité.

Centrée principalement sur l’école, l’éducation artistique et culturelle ou EAC porte en elle autant d’enjeux démocratiques qu’elle pose de question méthodologiques. Ses bénéfices sont-ils mesurables ? La fabrique de l’« homo aestheticus » relève-t-elle d’une utopie ?

Les douze chapitres qui le composent font entendre une polyphonie d’approches de l’EAC. Polyphonie disciplinaire d’abord, car de nombreux champs des sciences sociales sont mobilisés, comme la sociologie de la culture, la sociologie de l’éducation, les sciences de l’éducation, les sciences politiques, l’anthropologie ou la didactique. Polyphonie de domaines culturels ensuite, puisque sont représentés des dispositifs d’éducation à la danse, à la musique, au cinéma, à l’art contemporain, au musée des beaux-arts ou encore à la littérature jeunesse. Polyphonie des protocoles de recherche enfin, qui rassemble des analyses de corpus d’études et de recherches, de textes législatifs et de discours politiques, mais aussi des enquêtes de terrain, conjuguant entretiens individuels et collectifs, questionnaires, observations ethnographiques, tracés d’annotations ou encore écrits d’élèves.

L’ouvrage met en exergue aussi bien les acteurs de l’EAC – enseignants, artistes, familles, médiateurs culturels et professeurs relais – que ses récepteurs, les enfants. Tout l’éventail des arts et de la culture est ainsi analysé afin de dresser un état de l’art de l’EAC.

Passées en quatre décennies du statut de pratiques artistiques confidentielles à celui de courant esthétique majeur, les musiques hip-hop portent des innovations fondées sur de nouvelles techniques instrumentales (Djing, sampling, etc.) et vocales (interprétations rappées, ragga, human beatboxing, etc.). En tant que musiques de producteurs, elles sont à l’avant-garde des mutations que connaissent les industries musicales sous l’effet de l’informatisation puis de la numérisation de la création. En France comme dans de nombreux autres pays, leur essor a contribué à diversifier les musiques populaires et à en renouveler les pratiques. Pourtant, la valorisation culturelle de ces œuvres, situées au carrefour de tensions sociales vives, demeure contestée.

Première synthèse des connaissances sur les musiques hip-hop, cet ouvrage mêle résultats d’enquêtes inédites et état de la recherche en sciences sociales. Il révèle l’ampleur des transformations politiques, économiques, sociologiques, géographiques et esthétiques auxquelles elles participent.

Ont contribué à cet ouvrage : Alice Aterianus-Owanga, Stefano Barone, Vincent Becquet, Emmanuelle Carinos Vasquez, Maxence Déon, Florence Eloy, Séverin Guillard, Karim Hammou, Marine Kneubühler, Tomas Legon, Stéphanie Molinero, Marie Sonnette-Manouguian et Nicanor Tatchim.

Comment expliquer que les politiques d’égalité au travail peinent, même là, à contrer ce phénomène ?

Fondé sur l’analyse de récits de vie de 65 membres de l’encadrement supérieur du ministère, cet ouvrage confirme le caractère très genré de leur parcours professionnel. Si les trois quarts des hommes interrogés ont une trajectoire ascendante, plus de la moitié des femmes rencontrées font l’expérience du plafonnement. Cette inégalité est à comprendre dans les logiques mêmes de la haute fonction publique et dans les règles, formelles et informelles, qui y prévalent pour faire carrière. Mais elle est aussi le fruit de mécanismes propres au secteur culturel.

Pour ouvrir le débat, cet ouvrage s’intéresse aux nombreux processus de médiation qui s’exercent tout au long de la chaîne allant des producteurs culturels jusqu’aux enfants. Pour mieux les identifier, il prend le parti de faire dialoguer des offres culturelles très différentes, de la série télévisée à succès à l’édition jeunesse en passant par les musées, les théâtres pour jeune public, les orchestres d’enfants et les actions des cinémas art et essai.

L’enquête souligne que ces processus de médiation dépassent largement le champ de la médiation culturelle institutionnelle et existent également au sein des industries culturelles ainsi que dans les familles et les groupes de pairs. Elle révèle en outre les réappropriations et ajustements permanents que les enfants effectuent par rapport aux cadrages qui leur sont proposés par les différents médiateurs. Ce faisant, elle questionne la pertinence de frontières considérées parfois comme infranchissables, notamment entre champs marchand et non marchand, pour mettre en perspective le processus de médiation qui se produit dans tous les cas.

L’événementialisation de la culture a été l’un des leviers de la politique culturelle depuis quatre décennies, particulièrement pendant les années Lang qui ont mis à l'honneur la dimension festive de la culture. La place que les festivals occupent désormais dans la vie culturelle impose de repenser leur empreinte territoriale et sociale, au-delà de leur caractère éphémère.

Cet ouvrage propose une analyse inédite du fait festivalier, alors que leur quasi-disparition de l'agenda culturel au cours de la crise sanitaire a montré, par contraste, l'importance des festivals dans l'imaginaire collectif. Cinq angles d’observation ont été retenus, déclinés en autant de chapitres : indicateurs socio-économiques, publics, partenaires, réseaux sociaux et bénévolat. Une typologie en sept familles de festivals conclut l’analyse : les Emblèmes, les Grands Formats, les Marques, les Pôles publics, les Volontaires, les Petits Formats et, enfin, les Hors-Saison.

Ce livre est l’aboutissement de trois ans d’une recherche – SoFEST! – entamée avant le début de la pandémie, puis poursuivie et achevée pendant. Initiée et coordonnée par France Festivals, SoFEST! est le fruit d’une coopération étroite entre une équipe de recherche, des réseaux régionaux et nationaux de festivals (le Collectif des festivals bretons, De Concert!, la Fédération des Festivals de Chanson Francophone) ainsi que l’Agence culturelle Grand-Est et Occitanie en Scène, le Département des études, de la prospective, des statistiques et de la documentation du ministère de la Culture, la Sacem et le Crédit coopératif.

Telles sont quelques-unes des questions auxquelles cet ouvrage se consacre, en interrogeant à chaque fois le rôle des comportements culturels dans la formation des attitudes, préférences, dispositions qui façonnent toute la socialisation des individus.

Rassemblant des contributions originales de chercheurs spécialistes de champs variés et abordant la vie quotidienne des enfants – éducation, loisir, politique, amour et amitié –, cet ouvrage ambitionne de rendre compte du caractère multidimensionnel et imbriqué de la fabrique des inégalités dans l’enfance.

Cette vaste enquête sociologique menée auprès de 6 000 artistes plasticiens affiliés et assujettis à la Maison des artistes permet de dresser un portrait d’ensemble et de rendre compte des principaux déterminants des trajectoires professionnelles.

Au-delà de nombreux traits communs, l’enquête met en lumière l’hétérogénéité du groupe et la grande diversité qui caractérise les parcours de vie des artistes plasticiens. Elle pointe notamment l’importance croissante de la formation dans une école supérieure d’art et la faiblesse des revenus artistiques qui conduit près de la moitié d’entre eux à exercer une ou plusieurs activités complémentaires. Elle montre aussi la persistance des inégalités de genre, malgré un mouvement de féminisation continu et de grande ampleur, et le renforcement des inégalités de classe dans l’accès à la consécration, qu’elle soit marchande ou symbolique.

Si le financement participatif n’est pas nouveau puisque la légende veut que Mozart y eut recours au xviii^e siècle pour financer un concert, son principe a été largement amplifié par la révolution numérique qui facilite la mise en relation de projets avec une communauté d’internautes. Depuis un peu plus d’une décennie, de nombreux projets artistiques et culturels ont ainsi bénéficié d’un financement de multiples contributeurs et les fonds collectés par ce mode participatif représentent 45 millions d’euros pour la culture fin 2017. Dans le champ culturel, le financement participatif est, de plus, lié aux pratiques d’autoproduction qui ont considérablement progressé en dix ans.

À partir de données collectées auprès des sites Ulule, KissKissBankBank et Touscoprod, les auteurs interrogent les modalités et les effets de ce modèle de financement pour des projets culturels. Ils analysent le profil des contributeurs, pointant le rôle des multi-contributeurs et celui des proches et révèlent la corrélation, a priori contre-intuitive à l'ère numérique, entre proximité géographique et contribution. Ils questionnent, enfin, l'impact de cette forme de financement sur la diversité de l’offre culturelle : se trouve-t-elle augmentée ou modifiée par l'autoproduction, notamment dans le domaine musical et cinématographique ? La foule des anonymes soutient- elle les mêmes projets que les producteurs et diffuseurs professionnels ou le financement participatif contribue-t-il à apporter une plus grande diversité de projets artistiques ?

Mangas, comics, films asiatiques, blockbusters hollywoodiens, cinéma bollywoodien, séries sud-coréennes ou scandinaves et musiques de tous les continents fonctionnent comme autant de fenêtres sur le monde et contribuent à rendre l’étranger familier.

Que ce soit dans le domaine de la pop musique, des jeux vidéo, des séries télévisées, de la littérature ou du cinéma, la globalisation des industries culturelles et la circulation croissante des œuvres et des contenus, facilitée par la technologie numérique, sont ainsi des facteurs majeurs de l’internationalisation des répertoires de consommations et des imaginaires culturels des jeunes.

Le cosmopolitisme esthético-culturel désigne, dans cet ouvrage, la façon dont les jeunes construisent leur rapport au monde par l’intermédiaire de biens culturels globalisés. Les auteurs s’attachent à en définir les contours et les configurations. L’enjeu est de nature éducative : il faut déterminer ce qui, dans ces cultures médiatiques transnationales qui ont investi l’univers culturel des jeunes, peut libérer les individus de leurs particularismes et les faire advenir citoyens, ce qui permet à chacun d’éduquer son discours, d’affiner son jugement et de gouverner ses émotions, afin de trouver sa place dans un monde commun.