Renfrew Colin et Brodie Neil, Morris Christine, Scarre Chris co-éd., Excavations at Phylakopi in Melos 1974–1977 (BSA, Suppl. 42), Londres, The British School at Athens, 2007, 1 vol. 21,5 x 30,5, xvi + 521 p., fig. ds t., 3 dépl., 1 pl. coul. et 61 pl. h. t.

1Phylakopi is widely recognised as a hallmark site in Bronze Age Aegean archaeology. The British School at Athens conducted a first round of excavations at the site on the Cycladic island of Melos from 1897 to 1899, under the co-supervision of D. Mackenzie who later joined A. Evans at Knossos. The results were presented in a final excavation report, published in 1904 (T. D. Atkinson, R. C. Bosanquet, C. C. Edgar, A. J. Evans et al., Excavations at Phylakopi in Melos, London, 1904). Except for a brief campaign by R. Dawkins in 1911 (The Excavations at Phylakopi in Melos, 1911, ABSA, 17, 1910-1911), it was not until 1974 that field work at Phylakopi resumed. The results of these excavations, completed in 1977, are presented in this monograph with the exception of Phylakopi’s topography and the report on the Mycenaean sanctuary, which have already been exhaustively presented in prior publications (respectively by C. Renfrew, M. Wagstaff eds., An Island Polity: the Archaeology of Exploitation in Melos, Cambridge, 1982, and by C. Renfrew, The Archaeology of Cult: the Sanctuary at Phylakopi, BSA, Suppl. 18, London, 1985). The monograph consists of twelve chapters, with roughly half covering different artefact categories and the other half being dedicated to various studies of pottery.

2After a short introduction (p. 1–4) in which the aims are set out, a second chapter (p. 5–13) provides an in-depth outline of the stratigraphy at Phylakopi. It includes a revision and improvement of the sequence originally observed by Mackenzie (one of the main reasons for the resumption of fieldwork), its implications for building phases and an appendix on a collection experiment (p. 13–18). The third chapter (p. 19–86) treats the excavated areas with remarkable detail and is amply furnished with figures and tables. Two appendices discuss the possible Theran provenance of tephra particles (p. 87–89) and three neonate burials (p. 89–90).

3Subsequently, an elaborate multi-chapter discussion centres on the ceramics found at Phylakopi, with chapters on the different fabrics (p. 91–125), Early (p. 129–180), Middle (p. 181–263), Late Cycladic (p. 265–306) and Mycenaean and Late Minoan pottery (p. 307–370). Further appendices cover a study with a scanning electron microscope (p. 126–128) and offer further insight into the Middle Helladic (p. 238–248) and Middle Minoan (p. 248–264) pottery. The conclusions reached are too numerous to repeat here. Worth mentioning is the serious effort that was made to correlate Phylakopi’s typological sequence to that of other Cycladic and mainland sites (p. 177, 195, 304), the study of imported and exported pottery types (p. 206, 234, 242–244, 248–250, 323) and their ramifications for our understanding of shifting exchange patterns over time. The prominence of ceramics and the ceramological perspective are recurring features in many field reports. Apart from its ubiquity within the archaeological record, it occupies a unique position as a relative dating instrument and proxy for economical and socio-cultural interpretations. Recently, however, major Aegean site reports have moved towards a more even treatment of the full artefactual and bioarchaeological record, i.e. Malia (J.-Cl. Poursat, Artisans Minoens : Les Maisons-Ateliers du Quartier Mu (Ét. Crétoises, 32), Athènes-Paris, 1996), Mochlos (K. A. Barnard, T. M. Brogan, Mochlos IB, Period III, Neopalatial Settlement on the Coast: The Artisans’ Quarter and the Farmhouse at Chalinomouri, Philadelphia, 2003; J. S. Soles, Mochlos IA, Period III, Neopalatial Settlement on the Coast: The Artisans’ Quarter and the Farmhouse at Chalinomouri, Philadelphia, 2003; J. S. Soles, C. Davaras et al., Mochlos IC, Period III, Neopalatial Settlement on the Coast: The Artisans’ Quarter and the Farmhouse at Chalinomouri, Philadelphia, 2004), Markiani (L. Marangou, C. Renfrew et al., Markiani, Amorgos, An Early Bronze Age Fortified Settlement, Overview of the 1985-1991 Investigations, BSA, Suppl. 40, 2006). This volume is more conservative in that aspect, perhaps in part due to the time period during which most of the research at Phylakopi was actually completed.

4A ninth chapter (p. 371–397) focuses on the small quantities of painted plaster fragments and attempts to reconstruct and date parts of portable objects and murals, as well as the latter’s position within the architecture, particularly that of the Pillar Crypt. This has resulted in a revision of some of the earlier conclusions reached by Cameron (p. 371, 376–377) and Bosanquet (p. 382–383). On the basis of the iconography and respecting also the stratigraphy, links are noted with other Cycladic and Aegean sites. The chapter comes with an appendix (p. 397–399), which reports on the results of optical emission spectrometry, X-ray diffraction and X-ray fluorescence spectrometry analyses carried out on a small number of plaster samples. The results prove the imperfect nature of local lime used for the plaster and the connections of the colorants used at Phylakopi with sites elsewhere in the Aegean.

5The other finds are grouped in the tenth chapter. Those that have been discussed in earlier publications (archaeology of cult, p. 299–359) are not mentioned in an effort to avoid repetition. However, the authors did ensure a high degree of compatibility so that a complete listing is readily available. The chapter is divided into subsections based on material type. First, the terracotta objects are discussed, including loomweights (p. 403–405), spindle whorls and beads or buttons (p. 401–403), spools (p. 403), mat-impressed pot bases (p. 405), discs cut from potsherds (p. 406), figurine fragments (p. 406), drain tiles (p. 406), ship models (p. 406–407) and miscellaneous finds (p. 407). A case is made against Iakovidis’ idea that the buttons served as clothing accessories (p. 402–403), attributing them instead to textile manufacture while mat impressions on (coarse) pot bases are thought to be the unintentional by-product of the production process (p. 405). Metal finds collected at Phylakopi mainly involve bronze object fragments, although some are identified as slag. The occurrence of slag and the retrieval of a crucible piece imply metallurgical activities (p. 413–415). Of the complete bronze artefacts, pins and nails are the most common but beads and a loop of heavy wire are also attested (p. 415–416). Lead finds include two unfinished products, a clamp (unusual at Phylakopi) and a piece of litharge which is considered to indicate silver extraction by cupellation (p. 416). The relatively small number of worked bone finds, is tentatively ascribed to the abundance of obsidian, rhyolite and chalcedony (p. 416), although there was no significant counter increase in stone objects (p. 423, 427) that might adequately corroborate this thesis. A decorated ivory plaque (p. 417) is related to Mycenaean examples while a tortoiseshell fragment is interpreted as a possible soundbox (p. 417). A large part of the stone artefacts are fragmentary vessels, but figurine and denticulate fragments and buttons were also present (p. 418–428) as was a fragment of a schist double-axe mould (p. 424–425), which complements the other indications of metallurgy. Treated as a separate category, the coarse ground stone objects comprise saddle querns, mortars, grind- and hammerstones, discs, slabs and perforated stones (p. 428–434). Of the inscribed items (p. 435–436), a terracotta tablet with Linear A script is particularly worthy of note.

6The tenth chapter comes with several appendices, some elaborating in detail on certain finds, namely the figurines (p. 437–444), the potters’ marks (p. 444–455) two sealstones (p. 455), the Linear A tablet (p. 456–459) and the litharge, which is subject to neutron activation and isotope analysis, resulting in its provenance being traced to Laurion (p. 460–462).

7The animal bone is the subject of chapter eleven (p. 465–484), and is partly based on earlier work by Gamble. In what is a methodologically and scientifically exemplary contribution, issues of preservation bias and representativity are tackled (p. 465–478) before the author proceeds to interpret the data. This approach leads to the conclusion that the relatively high incidence of cattle bones is probably more related to variable taphonomic attrition rates than it is to an enhanced demand for traction animals (p. 478–480).

8The main results of the different studies are brought together in a concluding chapter (p. 485–492). The particular conditions of the book’s protracted realisation are explained and regretted, but the value offered by this and other comprehensive excavation publications to the research of Cycladic prehistory is highlighted. The conclusion is constructed around three key themes. A first, dubbed “Stratigraphical and Contextual Issues” comments on the fine-tuning of the site’s stratigraphy and recognises the contribution of earlier efforts (p. 486–488). A second, “Beyond Phylakopi: Regional Variation in the Cyclades”, explores the implications of the presented results for Cycladic archaeology and calls for additional research to elucidate pottery production and distribution and the possible repercussions for social structure and inter-island and mainland connections (p. 488–489). The third, “Long-term Perspectives on Organisation and Identity”, focuses on the impact of the data on the interpretation of Phylakopi’s social organisation and economic life through the Bronze Age. The editor also explores less tangible concepts, such as religion and ritual activities and the development of island identities.

9Excavations at Phylakopi in Melos 1974–1977 impresses the reader with an extraordinary, well-covered presentation of the massive amounts of data gathered at Phylakopi. And yet, one is left with the feeling that more could have been achieved. If this monograph would have appeared in the years following the project’s conclusion, it would unquestionably has been lauded as a cutting edge publication. However, over the course of the three decades it has taken to finish the volume, a range of new techniques has become available and/or affordable and, the analyses limited to pottery, lead and plaster aside, no further efforts seem to have been undertaken. One could regret their omission and point to the fact that some contributions were clearly submitted soon after the excavations. But mostly, one wonders whether a chance has not been missed to gain further insight into the issues of chronology that continue to exist for the Cyclades (S. W. Manning, The Absolute Chronology of the Aegean Early Bronze Age, Archaeology, Radiocarbon and History, Sheffield, 1995, p. 66–72) or to have human bone material subjected to present-day types of analysis to expose pathologies (e.g. T. A. Brown, Ancient DNA, in D. R. Brothwell, A. M. Pollard eds., Handbook of Archaeological Sciences, Chichester, 2001, p. 308–309), family ties (p. 308) or migration (e.g. A. Nafplioti, “Mycenaean” political domination of Knossos following the Late Minoan IB destructions on Crete: negative evidence from strontium isotope ratio analysis (⁸⁷Sr/⁸⁶Sr), JAS, 35, 2008). Lastly, it should be noted that apart from a succinct appendix dedicated to three neonate burials, the volume largely ignores other attested burials and rock-cut tombs (R. L. N. Barber, Cyclades in the Middle Bronze Age, in C. G. Doumas ed., Thera and the Aegean World I, Papers presented at the Second International Scientific Congress, Santorini, Greece, August 1978, London, 1978, p. 378).

10Nevertheless this volume is an essential addition to the rich bibliography on Cycladic archaeology. The editor suggests, rightly so, that when combined with An Island Polity and The Archaeology of Cult, it offers a complete and definitive account of Phylakopi, Melos and its place within the Cyclades. Moreover, it constitutes a major work of reference for the Aegean Bronze Age.

11Frank Carpentier,

12AEGIS - Aegean Interdisciplinary Studies,

13Research Unit Archaeology,

14Katholieke Universiteit Leuven,

15Blijde Inkomststraat 21,

16B-3000 Leuven.

17Frank.Carpentier@gmail.com

Fourrier Sabine, La coroplastie chypriote archaïque, Identités culturelles et politiques à l’époque des royaumes (Travaux de la Maison de l’Orient et de la Méditerranée, 46), Lyon, Maison de l’Orient et de la Méditerranée / ministère de l’Éducation et de la Culture chypriote, 2007, 1 vol. 21 x 29,5, 196 p., fig. ds t., 24 pl. h. t.

18Après la publication de la série The Coroplastic Art of Ancient Cyprus par V. et J. Karageorghis, dans les années 1990, la question de la pertinence d’une nouvelle étude sur les terres cuites chypriotes pouvait être posée. S. Fourrier invalide cette question en apportant de nouveaux éléments importants sur ce sujet. Dans l’introduction, elle explique qu’elle veut « rassembler les productions en groupes stylistiques afin de cerner, non plus une identité insulaire, mais des identités culturelles régionales » (p. 15). Le fondement de son étude repose sur le principe que « plusieurs ateliers peuvent produire des œuvres de même style, mais que ces ateliers appartiennent nécessairement au même milieu culturel et, partant, politique » (p. 16 ; voir aussi infra). Il est important de le noter : l’a. souligne que ceci n’implique pas d’appréhender l’île dans ses composantes ethniques (p. 20).

19La première partie de l’étude présente les différents centres de production : Salamine, Idalion, Kition, Amathonte, Kourion, Paphos, Marion, Soloi et deux centres du Nord de l’île, Lapithos et Kazaphani. Illustrée avec des cartes de répartitions claires, chaque production est d’abord caractérisée, ensuite leurs sites de diffusion sont déterminés. En outre, pour les deux grands centres, Salamine et Idalion, ces sites de diffusion sont ventilés régionalement selon « le cercle proche », « les sanctuaires de territoire » et « les sanctuaires de frontière ». Malgré l’approche approfondie et particulièrement convaincante de l’a., une bibliothèque bien fournie s’avère nécessaire pour suivre ses arguments stylistiques, car elle se réfère maintes fois à des objets qui ne sont malheureusement pas illustrés dans son livre. Pour faciliter de futures recherches sur des terres cuites chypriotes inconnues, une table de synthèse rassemblant schématiquement tous les groupes des différents centres de production serait la bienvenue.

20La deuxième partie consiste en trois chapitres : « La naissance des styles », « Identités culturelles et territoires politiques » et « Les sanctuaires ». La première partie du chap. i, « Agia Eirini, Samos et la chronologie de la plastique archaïque », représente sans aucun doute une contribution majeure à l’étude de la culture matérielle chypro-archaïque. En analysant minutieusement la stratigraphie du sanctuaire d’Agia Eirini, telle que décrite par les fouilleurs suédois, l’a. démontre qu’il n’y a en réalité qu’une seule phase de destruction. De fait, les sculptures « proto-chypriotes » et « néo-chypriotes » sont des œuvres contemporaines. Cette affirmation devient logique si l’on accepte que le style « proto-chypriote » représente en fait le style de Soloi, tandis que le style « néo-chypriote » représente celui d’Idalion et de Salamine. Une classification régionale remplace donc la classification chronologique de Gjerstad. Il convient aussi de noter qu’en conséquence de l’étude des contextes du chypro-archaïque I, cette période doit être remontée en termes de chronologie absolue aux années 650-625. En revanche, la deuxième partie, « Styles et royaumes », semble moins convaincante. Dans sa discussion relative à la date de la fondation des royaumes chypriotes, l’a. tente de ménager la chèvre et le chou, ce qui aboutit à une maxime sibylline disant que le viii^e s. est caractérisé par « le passage d’un régime royal à un régime monarchique » (p. 109). En outre il est regrettable que, dans cette partie, l’a. n’ait pas élaboré plus en détail le fondement même de son étude, c’est-à-dire que chaque aire culturelle correspond à une aire politique spécifique, soit un royaume. Ceci reste pour le moment une hypothèse, qui devrait être corroborée par l’étude d’autres formes de culture matérielle.

21Dans le deuxième chapitre, la diffusion des terres cuites est présentée en relation avec les territoires des royaumes archaïques. La fig. 9 aide à démontrer que chaque production est essentiellement trouvée dans son centre producteur et dans les centres avoisinants. Or, partant de l’hypothèse « une aire culturelle = un royaume », l’a. se voit obligée d’expliquer la non-existence d’une aire culturelle dans le royaume de Tamassos. Mais sa proposition selon laquelle Tamassos ne formait plus un royaume indépendant entre 673/672 et le milieu du iv^e s. (p. 115) semble relativement peu étayée.

22Enfin, dans le dernier chapitre, l’a. discute la place des différents types de sanctuaires dans la délimitation et l’organisation des territoires.

23Malgré nos réserves sur l’équivalence, excessive selon nous, entre « aire culturelle » et « royaume », l’étude de S. Fourrier constitue assurément un apport important aux recherches sur le régionalisme à l’âge du Fer, et l’on ne peut que souhaiter que de nombreux chercheurs suivent son exemple dans d’autres domaines de la culture matérielle chypriote.

24Karin Nys,

25Vrije Universiteit Brussel,

26Department of Art Sciences & Archaeology,

27Mediterranean Archaeological Research Institute (MARI),

28Earth System Sciences (ESSc),

29Pleinlaan 2,

30B-1050 Brussels.

31Karin.Nys@vub.ac.be

Hermary Antoine dir., Hommage à Annie Caubet, Actes du colloque international « Chypre et la côte du Levant aux II^e et I^er millénaires », Paris, 14-16 juin 2007, Cahiers du Centre d’Études Chypriotes, 37, Paris, 2007, 437 p., fig. ds. t.

32The volume, which has been published with recommendable speed, presents 24 papers delivered at the colloquium held in honour of A. Caubet in Paris in 2007. It addresses topics pertaining to Cyprus and the Levant, topics familiar to A. Caubet, whose extensive bibliography is published in the beginning of the volume. The ensuing papers written in English, French and German are arranged in four sections with two inaugural contributions. M. Yon (p. 15-39) examines the LBA relations between Ugarit and Cyprus based on the written documents and archaeological evidence. The written sources attest to commercial and political relations, and according to the archaeological evidence the elite of Cyprus and the Levant shared a number of cultural traits as documented by architectural features, luxury items and religious iconography. Presenting new evidence, largely pottery, from Sidon, V. Karageorghis (p. 41-52) emphasises the close connections between this city state from the MBA to the 6^th century bc, when Cypriot sculpture and local imitations were dedicated in the Eshmun sanctuary at Sidon.

33Section I presents a survey of the origin of the Cypriot collection in the Louvre and the changes made over the years (E. Fontan, p. 53-70), and A.-E. Dunn-Vaturi (p. 71-85) describes the registration process of Cypriot objects in France.

34Section II addresses topics concerning relations and exchanges between Cyprus and the Levant. Based on the Tell El-Yahudiya ware found in Cyprus, R. Merrillees (p. 87-96) brings up the old debate concerning a Hurrian settlement in Cyprus, and P. Åström (p. 97-114), presenting an additional catalogue of 63 so-called Eye-pitchers discusses their place of production. Two articles deal with BA glyptics. S. Cluzan (p. 115-144) analyses seals with bovine representations and traces the religious significance of the bull in Ugarit and Cyprus with particular reference to the importance of the animal, or parts of its anatomy, as symbols of fertility. D. Collon (p. 145-156) discusses a small cylinder seal from the Uluburun wreck and proposes that the scene represents a treaty between royalties and that the seal indicates the presence of an important person on board the ship. E. Gubel (p. 157-165) identifies a so-called gaming stone from Tell Kazel as originally a cultic implement, and terracotta heads as stoppers for drinking horns. He suggests that two silver bowls allegedly found at Idalion actually come from Kourion, as they share the same engraving style with bowls and seals from this location. The Kourion bowl (fig. 4a) is considered the work of an apprentice unfamiliar with Phoenician iconology and iconography. A. Hermary (p. 167-184) offers initially a list of possible finds from Amrit dispersed in various museums and discusses the close connections between the statuary from Amrit and in particular Kition-Bamboula in Cyprus. The similarity between the finds prompts the suggestion that during the Persian suzerainty a small Cypriot community was established in the Awad area.

35Section III focuses on Phoenicians in Cyprus. Based upon new tomb finds S. Hadjisavvas (p. 185-195) analyses the ethnic situation in Kition during the 1^st millennium bc and points out that by the late 5^th and early 4^th century bc the scarcity of land led to an organised lay out of burial grounds of the city. M. G. Amadasi Guzzu (p. 197-209) presents some characteristics of Phoenician names from the same city centre. H. Matthäus (p. 211-230) discusses the tomb finds from the royal tombs at Tamassos, and with reference to a study by K. Walcher it is proposed that the architectural details of the tombs imitate religious architecture lending the deceased a heroic aspect. H.-G. Buchholz (p. 231-250) presents 11 unpublished letters concerning the excavations at Tamassos in 1889. Another two papers deal with rural sanctuaries in the Limassol district. Based upon surface finds S. Fourrier and C. Petit-Aupert (p. 251-264) identify an Archaic sanctuary at Agios Tychonas-Asveston and suggest that the terracottas of Phoenician style found at this locality were produced in a local workshop and dedicated by Phoenician residents from Amathus. L. Alpe (p. 265-282) discusses the terracottas found at Kommisariato together with Phoenician finds from the Limassol area and reaches the same conclusion. It is admitted, though, that there are difficulties concerned with linking the earlier finds from Amathus with the finds from Kommisariato. Th. Petit (p. 283-298) discusses the possibility of assimilating Zeus Meilichios mentioned in a Hellenistic inscription from Amathus with Malika considered the “Grand Dieu” of Amathus and concludes that the latter can be recognised in various divine personalities and form a link between Phoenicia, Cyprus and the Greek world. P. Flourentzos (p. 299-306) presents the evidence of the existence of a temple dedicated to Arsinoe Philadelphos in the lower city of Amathus, which was converted into a sanctuary of Isis and Horus Harpokrates during the Roman period. E. Raptou (p. 307-328) discusses new finds from the Palaepaphos area, and among these an early CG tomb, which like one of the tombs at Kition (cf. Hadjisavvas) contained a cremation and an inhumation burial. E. Raptou furthermore offers an analysis of the exceptional local 5^th century bc sarcophagus with painted relief decoration, concluding that although there are many similarities with earlier relief decorated metal bowls, the iconography and ideology behind the reliefs are purely Greek.

36Section IV contains five contributions related to handicraft and luxury items. In her survey of Oriental influences on Cypriot terracottas from the 2^nd and 1^st millennium bc J. Karageorghis (p. 329-346) focuses on how the influences were assimilated by the Cypriots, and the Near Eastern impact after the Phoenician establishment on the island is seen primarily as cultic symbolism, from which the Cypriotes liberated themselves during the 5^th century bc. J. S. Smith (p. 347-374) discusses themes and style in Cypriot wooden roller impressions, which are related inter alia to seals, and a Levantine rather than an Aegean connection is emphasised as is the relation to textiles and in particular tapestries. E. Peltenburg (p. 375-394) presents an extensive examination of the LBA faience common bowls, their connection to Hathor and cobber production as well as their place of production and their role as possible signifiers of social change, and N. Denninger (p. 395-410) discusses the place of production of some faience items from Cyprus now in the Louvre. E. Markou (p. 411-427) considering different types of earrings and necklaces depicted on 4^th century bc coins suggests that as to jewellery the coin issuing kings followed current trends in the society.

37To summarize the multitude of subjects within the present space available does not do justice to all contributions. Some papers approach well-known topics while others present new material and thus the volume provides a very useful contribution to many issues within Cypriot archaeology.

38The volume contains three reviews. S. Fourrier, A. Hermary et al., Amathonte, VI. Le sanctuaire d’Aphrodite, des origines au début de l’époque impériale, Études chypriotes, XVII, ÉFA, Athènes, 2006 by L. Wriedt Sørensen (p. 429-434), M. Yon, Kition de Chypre, Guides archéologiques de l’Institut français du Proche-Orient, 4, ÉRC, Paris, 2006 by S. Fourrier (p. 234-235) and J. Gachet-Bizollon, Ras Shamra-Ougarit, XVI, Les ivoires d’Ougarit et l’art des ivoiriers du Levant au Bronze récent, ÉRC, Paris, 2007 by N. Denninger (p. 436-437).

39Lone Wriedt Sørensen,

40Lektor, Københavns Universitet,

41Saxo-Instituttet afdeling for Ærkæologi & Etnologi,

42Njalsgade 80, dk-2300 København

43Slws@hum.ku.dk

Privitera Santo, Case e rituali a Creta nel periodo neopalaziale (Tripodes, 9), Athènes, Scuola Archeologica Italiana di Atene, 2008, 1 vol. 17,5 x 24, 237 p., 50 fig. ds t.

44Depuis deux décennies, l’archéologie de la Crète minoenne est en plein renouveau. D’une part, plusieurs voix se sont élevées pour remettre en cause certaines des idées les mieux établies, inspirées en grande partie de l’œuvre de sir A. Evans : des termes comme « palais » ou « roi » ont été critiqués, ainsi que tout le cadre culturel qui avait été construit autour de ces définitions (entre autres, par Y. Hamilakis, J. Driessen, I. Schoep). Les propositions pour remplacer ces termes sont d’ailleurs loin de faire l’unanimité et le débat est vif. D’autre part, on porte un intérêt croissant aux thèmes de la vie quotidienne, qui avaient été jusque-là délaissés : à titre d’exemple, on peut mentionner l’exposition organisée en 1999 par Y. Tzédakis et H. Martlew (Minoans and Mycenaeans: Flavours of their Time) sur l’alimentation et les produits du terroir, le 8^e Colloque d’études crétoises (en 1996, mais publié en 2001) qui concerne précisément la vie quotidienne en Crète et, enfin, les recherches sur les habitations à l’époque minoenne, qui se sont multipliées ces derniers temps (voir, entre autres, J. McEnroe).

45Le livre de S. Privitera s’insère dans ce renouvellement. Certes, le thème n’est pas nouveau, comme le souligne l’a. : il s’agit d’identifier et d’interpréter les données archéologiques découvertes dans les habitations crétoises qui attestent le déroulement d’actes de culte à l’époque néopalatiale. Cependant, l’analyse de type post-processuel utilisée permet d’avancer considérablement dans l’interprétation des données. En effet, puisque aucune caractéristique architecturale ne permet d’identifier avec certitude une pièce comme étant un lieu de culte, il s’agit d’intégrer ces espaces multifonctionnels dans l’édifice dont ils font partie, pour une tentative d’explication globale de leur nature et de leur fonction, basée essentiellement sur les contextes découverts à l’intérieur. Le choix de la chronologie pour cette « tesi di specializzazione » (équivalent grosso modo à une thèse de troisième cycle), soutenue à l’École italienne d’archéologie d’Athènes en 2004, s’est porté sur la période néopalatiale (Minoen moyen III – Minoen récent I B : 1700-1450 av. J.-C., d’après la chronologie traditionnelle). Il s’agit d’une phase culturellement assez homogène dans une île caractérisée, en d’autres périodes, par d’importants faciès régionaux ; en outre, les attestations d’activités cultuelles dans les contextes domestiques sont nombreuses, surtout en raison des destructions qui ont ravagé l’île vers la fin de la période (Minoen récent I B).

46Après deux chapitres d’introduction, relatant l’histoire de la recherche et l’état de la question, le catalogue des sites est organisé par ordre géographique (Crète occidentale, centrale et orientale) et tient compte aussi des fouilles et des publications les plus récentes (par ex., Galatas Pédiadas, Mochlos, Pseira). L’A. a choisi de limiter son analyse aux habitations dont la superficie est inférieure à 800 m² ; il s’attache donc à des édifices aux tailles très différentes, appartenant à des contextes fort diversifiés (par ex., la maison rurale Volakakis de Séli de Kamilari — 80 m² — et la villa A de Tylissos — 500 m² — ou certaines des résidences entourant le palais de Cnossos). Les chap. vii, viii et ix concernant l’interprétation des rituels sont très intéressants et mériteraient parfois un développement plus poussé. Dans l’ordre, ils traitent des paraphernalia (tritons, rhyta, vases aux formes spécifiques, doubles haches, cornes de consécration et figurines), des lieux où se déroulaient les cérémonies et des endroits où les objets à fonction cultuelle étaient conservés (par ex., l’étage supérieur des maisons), des relations entre les rituels et la vie quotidienne (l’alimentation, l’organisation des banquets, la production artisanale, la signification de la dédicace des vases renversés). Des conclusions générales, des tableaux fort utiles et une riche bibliographie complètent le volume.

47L’un des problèmes fondamentaux qui sont à l’origine de cette étude est celui de l’absence de véritables temples (édifice isolé et monumental où est abritée la statue de culte) dans la Crète minoenne, les découvertes d’Anémospilia et de Palaikastro n’ayant pas fondamentalement changé la donne. Dans le chap. i, l’a. retrace les pistes de recherches que les spécialistes ont suivies tout au long du xx^e s. pour parvenir, sans grand succès hormis dans le cas des bassins lustraux, à une définition architecturale des édifices de culte minoens, notamment dans les habitats. D’autres spécialistes ont plutôt mis l’accent sur les activités rituelles (P. Warren, R. Hägg) et sur les symboles (N. Marinatos). S. P. aborde la question dans la conviction qu’il est possible de remonter aux actes de culte à partir des traces matérielles qu’ils ont laissées, point de départ méthodologiquement important si l’on veut tâcher de cerner la grande variété des formes cultuelles attestées sur l’île (pour une position analogue, voir aussi le récent volume d’E. Kyriakidis à propos des sanctuaires de sommet).

48Le catalogue fournit un résumé rapide mais efficace des habitations qui ont gardé la trace d’objets à fonction cultuelle ; une attention spécifique est donnée aux contextes, parfois difficiles à reconstituer, comme dans le cas des vieilles fouilles de F. Halbherr à Haghia Triada (début du xx^e s.), par ex. celle de la « Casa del Lebete ». L’A. est membre de l’équipe du professeur V. La Rosa et il a participé à de nombreuses campagnes de fouille à Haghia Triada, site qu’il connaît donc dans le détail.

49Les deux chap. viii et ix sont parmi les plus intéressants et les plus riches en idées nouvelles. Dans le chap. viii, après une description des différents types de sanctuaires connus dans les habitats minoens (bassins lustraux, cryptes à piliers, sanctuaires avec banquette, sanctuaires tripartites), l’a. se penche sur la fonction des objets de type cultuel qui étaient à l’origine conservés à l’étage des habitations. Cet emplacement est assuré, même si l’état de conservation des restes, tombés au rez-de-chaussée, rend l’étude difficile. Ce problème a reçu un apport essentiel des fouilles d’Akrotiri-Théra où des maisons, comme par ex. Xeste 3, étaient caractérisées à l’étage par de grandes salles avec fresques polychromes de sujet cultuel. Dans le cas des découvertes de Pseira, Ph. Betancourt et R. Koehl ont toutefois supposé que les objets, notamment des rytha, des tritons et des calices en pierre, étaient simplement stockés à l’étage pour être utilisés lors de festivités qui avaient lieu à l’extérieur des édifices, par ex. à l’occasion de processions.

50Un autre problème fondamental touché par S. P. est celui de la nature privée ou publique des cérémonies qui se déroulaient dans les contextes domestiques. On peut en effet se demander qui avait accès aux pièces, parfois situées à l’étage, où les objets étaient conservés. S’agissait-il des seuls habitants de la maison, ou bien y avait-il aussi un accès possible depuis l’extérieur ? Le problème se pose également à propos des festivités qui se déroulaient peut-être à l’extérieur des habitations, comme dans le cas des îlots P et X de Palaikastro : près de la pièce P 41, par ex., furent découverts de nombreux vases mélangés à des cendres, des os et des cornes de bovins. L’hypothèse que les participants à ce banquet soient à identifier avec les maisonnées voisines est intéressante mais ne permet pas de préciser les liens sociaux, économiques et peut-être aussi politiques qui devaient exister parmi ces groupes.

51Pour conclure, le livre bien informé de S. Privitera est le fruit d’une recherche conduite avec finesse et prudence ; il a le mérite d’ouvrir des perspectives nouvelles sur l’étude de la relation habitats-cérémonies cultuelles dans le monde minoen. Cependant, la prise en compte non seulement des contextes, mais aussi des caractéristiques architecturales et du système de circulation et d’accès aux pièces aurait permis d’avancer encore plus dans la compréhension et la reconstitution des cérémonies. Mais un tel choix aurait comporté un développement beaucoup plus important et tout à fait inadapté à une « tesi di specializzazione ».

52Daniela Lefèvre-Novaro,

53Université de Strasbourg, UMR 7044,

54MISHA, 5, allée du général Rouvillois,

55CS 50008,67083 Strasbourg cedex.

56dlefevre@unistra.fr

Coldstream J. Nicholas, Greek Geometric Pottery, A survey of ten local styles and their chronology, Exeter, University of Exeter Press / Bristol Phoenix Press, 2008 (2^e éd. mise à jour, 1^re éd. 1968), 1 vol. 22 x 28,5, xlii + 502 p., 64 pl. h. t., cartes

57Ce magnum opus paru il y a quarante ans et réédité en 2008 avec un supplément de 22 pages (p. 459-481), des compléments bibliographiques (p. 482-483) et un index des sites mis à jour (p. 484-495) est un ouvrage fondamental pour l’étude de la période géométrique. La première édition comprenait l’identification, la description, la chronologie et la diffusion de dix productions céramiques grecques (attique, corinthienne, argienne, thessalienne, cycladique et eubéenne, béotienne, laconienne, grecque occidentale, crétoise et grecque de l’est), et J. N. Coldstream relevait modestement en introduction que son travail (titanesque !) ne pouvait prétendre à l’exhaustivité (p. 3).

58La seconde édition, qui conserve le titre et donc également la structure de l’ouvrage précédent, constitue une mise à jour des dix styles céramiques précités. Après une introduction qui précise les buts mais aussi les limites de l’enquête, l’ouvrage décrit, chapitre par chapitre, les dix styles céramiques. L’étude de chaque production est présentée chronologiquement. Après avoir mentionné les ensembles céramiques représentatifs pour une période donnée, l’a. s’attache à décrire la morphologie des vases puis leur décor. L’évolution morphologique des vases a été établie à partir de formes complètes. Pour l’archéologue qui doit souvent exploiter du matériel très fragmentaire et abondant, cela pose parfois problème ; c’est la raison pour laquelle de nouveaux travaux, héritiers de l’étude de l’a., établissent par régions une typologie qui tient compte de détails (comme la forme exacte de la lèvre ou du pied) nécessaires au traitement de tessons.

59L’Attique occupe la première place dans l’ouvrage de l’a. puisque cette céramique est à l’origine du style géométrique et qu’elle influence, tout au long de son histoire, les autres productions de Grèce ; l’Attique fournit en outre, grâce à des découvertes nombreuses et stratifiées, les indications chronologiques les plus solides. Corinthe vient ensuite puisque son style a été largement diffusé dans les autres régions.

60Dans la plupart des cas, les nouvelles découvertes s’insèrent parfaitement dans le cadre général qui avait été dressé en 1968. Elles complètent avantageusement l’évolution de styles déjà connus. Mais l’a. ne manque pas de relever dans la préface (p. xli) que les trouvailles de ces dernières décennies permettent aussi d’identifier de nouvelles productions, notamment en Eubée, Grèce centrale, dans l’Ouest du Péloponnèse ainsi qu’en Crète. Le supplément consacré à l’Eubée est sans doute le plus novateur. Cela tient au fait que les fouilles sur les sites de Lefkandi et d’Érétrie, dans une moindre mesure sur ceux de Chalcis et Kymè-Viglatouri, ont révélé une abondante céramique locale. Alors que dans la première édition la céramique eubéenne était rattachée aux productions des Cyclades (chap. vii), le supplément (p. 462-465) la présente maintenant, et à juste titre, comme un style indépendant. On relèvera que le fameux cratère de Cesnola, que l’a. attribuait à Naxos en 1968 (p. 172-174, pl. 35), est considéré désormais comme une production eubéenne (p. 463-464), un changement d’adresse que l’a. avait d’ailleurs déjà proposé en 1971 (The Cesnola Painter: A Change of Address, BICS , 18, 1971, 1-15, pl. I-III). Ajoutons qu’une synthèse parue quelques mois à peine après la réédition de l’ouvrage de l’a., et dont ce dernier annonçait d’ailleurs la parution, porte précisément sur la céramique érétrienne et eubéenne d’époque géométrique (S. Verdan, A. Kenzelmann Pfyffer, C. Léderrey, Céramique géométrique d’Érétrie, Eretria XX, Fouilles et Recherches, 2008). Cette recherche s’ajoute donc aux données du supplément et les nuance parfois. Les auteurs perçoivent une évolution différente entre les productions céramiques des sites de Lefkandi et d’Érétrie ; ils notent aussi qu’au Géométrique Moyen les productions subprotogéométriques de l’île ne se limitent pas à des skyphoi à demi-cercles pendants (contra Coldstream p. 165-171 et 462-463). Enfin, ils proposent de modifier la chronologie du Géométrique Récent eubéen. Dans la première édition de son ouvrage, l’a. s’était référé à la chronologie attique pour analyser les productions des Cyclades et de l’Eubée ; il rattachait ainsi ces productions au Géométrique Récent I ou au Géométrique Récent II attique (p. 192-194 et 329-330), des distinctions qui ne correspondaient pas précisément à l’évolution de la céramique locale. Par la suite, il a adopté un autre système, en deux phases également (Geometric Greece, 1977, 2^e éd. 2003, p. 192, 194 ; Euboean Geometric Imports from the Acropolis of Pithekoussai, ABSA, 90, 1995, p. 251-267, pl. 27-32, voir également le supplément à la seconde édition, p. 463-464, où l’a. relève que ces distinctions chronologiques reposent plus sur des critères stylistiques que sur la stratigraphie). Les recherches récentes précisent encore la chronologie du Géométrique Récent eubéen (Eretria XX, p. 35-36).

61Le treizième chapitre de l’ouvrage, consacré à la chronologie absolue, est également accompagné d’un supplément (p. 480-481) qui met en avant les problèmes posés par les contextes de découverte de céramique grecque au Proche-Orient. Depuis la première édition, comme le souligne l’a., il n’y a pas eu d’avancée notable.

62La première édition se terminait sur des conclusions de portée historique qui n’ont pas été revues, puisque l’ouvrage Geometric Greece, édité en 1977 et remis à jour en 2003, présente une analyse plus complète de la société, de la vie quotidienne et de la religion.

63J. N. Coldstream est décédé à l’âge de 80 ans le 21 mars 2008, peu avant la réédition de cette somme admirable sur la céramique géométrique. C’était un homme éminent aux qualités humaines et scientifiques exceptionnelles, d’une grande modestie et d’une gentillesse peu commune dans le milieu académique. Il a constamment encouragé les jeunes archéologues à développer leurs recherches personnelles sur la période géométrique. Nombre d’entre eux étaient présents au « Symposium on Greek Geometric Pottery in Memory of the Late Professor Nicolas Coldstream » qui s’est tenu le 29 mars 2008 à l’École Anglaise d’Athènes.

64Béatrice Blandin,

65Université de Neuchâtel,

66Avenue du 1^er Mars 26,

67CH-2000 Neuchâtel.

68Beatriceblandin@gmail.com

La Genière Juliette de éd., préf. de J. Leclant, Les clients de la céramique grecque, Actes du colloque de l’Académie des Inscriptions et Belles-Lettres, Paris, 30-31 janvier 2004 (Cahiers du Corpus Vasorum Antiquorum, France, 1), Paris, Académie des Inscriptions et Belles-Lettres, 2006, 1 vol. 21,5 x 31, 256 p. dont 156 p. de texte, 89 pl. h. t.

69Avec la parution des Cahiers du Corpus Vasorum Antiquorum, il faut saluer la création d’une nouvelle ligne éditoriale, qui complète et renouvelle le prestigieux corpus des vases antiques, une entreprise internationale conçue en 1919, dont le premier volume, rédigé par Ed. Pottier, conservateur au musée du Louvre et un des initiateurs du projet, sortit en 1922. Cette série innove par son champ d’étude, qui se déplace de l’analyse d’une collection muséale précise à une réflexion plus générale sur un thème d’actualité. Cette évolution est en partie induite par celle du CVA lui-même qui, en accueillant des collections archéologiques issues de fouilles récentes, comme celles d’Ensérune, pose indirectement la question du contexte. Désormais centrale dans la recherche céramologique, cette question sous-tend ce premier cahier, dédié aux clients de la céramique grecque.

70L’attention portée aux contextes donne son unité à une enquête foisonnante qui inclut Bérézan, le nord de la Grèce (Argilos), les Cyclades (Despotiko et Amorgos), la Grèce de l’Est (Samos), la France (Marseille et Ensérune), l’Étrurie (Chiusi), et qui permet à Fr. Villard de revenir, dans une note finale, sur la place de Cerveteri comme lieu de provenance privilégié des collections du marquis Campana, conservées au musée du Louvre. Si bon nombre de contributions s’attachent plus aux destinations qu’aux destinataires, la question de la clientèle est abordée de front dans un certain nombre de cas, notamment dans le chapitre introductif. Le riche panorama de la céramique attique qu’y dresse J. de La Genière éclaire la diversité des relations qui se tissent entre l’atelier producteur et la clientèle, selon que la fonction des vases est cultuelle, funéraire ou domestique et selon que la clientèle est locale, grecque ou barbare. En dépit de la diversité des cas envisagés, l’a. met en évidence une réalité récurrente : l’adaptation de l’atelier au marché. La spécificité d’une demande locale est visible à travers le choix des images et des formes, liées à certains rituels funéraires (les lécythes à fond blanc, décorés d’une imagerie spécifique) ou religieux (les crateriskoi de Brauron représentant la danse de jeunes ourses ; les loutrophores offerts au sanctuaire de la nymphe et ornés de scènes nuptiales, ou encore des thymiateria illustrant la mythologie éleusinienne). L’inflexion de la production en faveur de la clientèle est, en outre, magistralement illustrée par l’analyse de la céramique laconienne au vi^e s. M. Pipili explique, de façon très convaincante, sa diffusion contrastée selon les sites par l’existence ou non de relations directes entre l’atelier producteur et la clientèle. En Étrurie, et notamment à Cerveteri et à Vulci, l’ensemble des peintres et l’ensemble des périodes sont représentés. Au contraire, la présence de peintres anciens, le Peintre de Naukratis et le Peintre des Boréades, actifs au deuxième quart du siècle, à l’Héraion de Samos et à Naukratis, permet de dissocier le comptoir en Égypte des autres sites d’Afrique du Nord, Cyrène et Tokra, et de le rapprocher de l’Héraion de Samos, d’où les vases laconiens devaient arriver à Naukratis. Des liens étroits sont perceptibles entre une catégorie de vases laconiens et une clientèle ionienne : des inscriptions incisées en alphabet ionien sur du matériel laconien trouvé à Naukratis ; des emprunts de motifs décoratifs et iconographiques à la Grèce de l’Est sur la céramique laconienne trouvée à Samos. Alors qu’on pensait que l’exportation des vases laconiens cessait à Samos au milieu du vi^e s., les découvertes récentes de l’Artémision de Samos prouvent que les échanges se poursuivent dans le cours du troisième quart du siècle. Elles démontrent aussi que les potiers laconiens ont su se spécialiser dans le petit vase rituel : des calices laconiens (des vases cylindriques munis d’un pied haut et dépourvus d’anses) ont été trouvés à côté de calices grecs de l’Est. Leur usage rituel, avancé par l’a., est d’ailleurs conforté par la présence d’adaptations locales de cette même forme, retrouvées à l’Artémision de Thasos. Ces productions au caractère si spécifique révèlent l’existence de contacts directs entre les deux maillons de la chaîne : les producteurs et les utilisateurs. Les spécialistes de cette céramique vont jusqu’à suggérer le déplacement des artisans sur le lieu même du sanctuaire, avec transport de l’argile. Si Samos et, dans son sillage, Naukratis constituent des cas à part, on constate que la diffusion de la céramique laconienne dans le monde grec suit, de façon générale, un schéma original : il s’agit avant tout d’une vaisselle de sanctuaire, exportée dans des sites qui, comme Olympie, Cyrène ou Tarente, nourrissent des liens privilégiés avec Sparte. Si la démonstration est décisive [1] et peut être élargie, comme nous le verrons, à d’autres cas dans le monde grec, que penser de l’adaptation de la production à la demande d’une clientèle étrangère ? Ce thème est particulièrement exploité par les archéologues de Campanie et d’Étrurie, qui ont tendance à voir dans la céramique attique exportée dans ces régions une fabrication faite sur mesure. Deux points nous semblent fondamentaux dans la discussion : la distinction entre le monde grec et le monde barbare d’une part, l’examen attentif du phénomène de la commande d’autre part, deux aspects qui, nous le verrons, gagnent probablement à être mis en relation.

71Sans nier l’importance d’une clientèle sans aspiration particulière, l’a. rappelle que la pratique de la commande a bien existé. Les vases du Dipylon fournissent un exemple incontestable, tant parce qu’il s’agit d’une production de luxe, réservée à une clientèle aristocratique, que par les légères variantes introduites dans les scènes funéraires, interprétées comme autant de particularismes familiaux. Vu le coût et la taille de tels vases, qui complique leur stockage, on envisage mal une production spontanée, indépendante de toute commande. Ajoutons que la commande en milieu grec est un phénomène marginal, mais bien avéré, grâce à des inscriptions qui mentionnent le nom du commanditaire. Ainsi, un aryballe corinthien, trouvé à Corinthe près du temple d’Apollon, commémore une victoire dans un concours de danse : l’inscription dont la sinuosité évoque justement la danse mentionne le prix de la victoire (le vase, désigné sous le terme olpa) et le nom du vainqueur, Pyrvias menant le chœur (Corinthe n° C-54-I) [2]. Un second aryballe, athénien cette fois, trouvé dans une tombe attique et conservé au Musée national d’Athènes (n° 15375) [3], présente, outre une signature (Doris epoiesen), le nom du propriétaire du vase : Asopodoros lekythos. Il est en revanche difficile, selon nous, de prouver l’existence de la commande dans un grand nombre de cas et de trancher à coup sûr l’alternative suivante : l’inflexion de la production, d’ailleurs plus évidente pour les formes que pour les images, reflète-t-elle une initiative du client ou du centre producteur ? Car l’adaptation au marché est une constante de l’histoire de la céramique grecque, que l’on mesure à travers la rivalité stimulante d’Athènes et de Corinthe au vii^e s. et surtout dans la première moitié du vi^e s. : l’adoption par Athènes de nouvelles formes (le skyphos à paroi fine et continue), de nouveaux décors (son style corinthianisant) et la réponse de Corinthe au Corinthien récent qui entraîne l’expérimentation d’un fond orangé, imitant la couleur naturelle de l’argile attique. À la lecture très stimulante des nombreux cas répertoriés de céramiques grecques trouvées en contexte barbare, quels exemples relèvent à coup sûr d’une commande ? Dans le cas si souvent cité de l’atelier de Nikosthénès, qui reproduit des formes étrusques pour un marché étrusque, l’initiative nous semble clairement partir du Céramique d’Athènes. Et quel que soit l’intermédiaire, on peut aisément imaginer que des vases étrusques aient pu être apportés à Athènes pour servir de modèles à des artisans qui ont joué le jeu de la séduction, en créant pour leur clientèle lointaine des productions spécifiques. Quant aux images, elles sont souvent si universelles qu’elles s’adaptent à des contextes variés. La plasticité du mythe (les thèmes héroïques, les gigantomachies, les amazonomachies) et le partage de certains codes sociaux (le thème du départ du guerrier, l’idéologie du banquet) expliquent la diffusion de ces images d’une extrémité à l’autre du monde grec et bien au-delà, de l’Étrurie aux tombes des notables hellénisés de la Géorgie. Il ne s’agit pas de dire que toutes les lectures sont interchangeables : ainsi il semble clair que le client de la tombe de Brygos à Capoue n’est pas un Grec, ne serait-ce que par l’absence de vases à parfums nécessaires au rituel funéraire grec, bien analysée ailleurs par l’a. Cela ne veut pas dire qu’un peintre du Céramique a produit des images sur commande, mais plutôt que, parmi l’offre diversifiée des ateliers attiques, la famille du défunt a su choisir des thèmes métaphoriques, comme la poursuite d’un mortel par Éos. L’enlèvement par l’Aurore est une métaphore de la mort, qui rappelle que les funérailles se célébraient au petit matin et qu’Éos soustrayait alors aux vivants la vue des défunts. Si la clientèle étrangère sait manifestement apprécier les images élaborées au Céramique d’Athènes, rien n’indique qu’elle contrôle en amont une production, que tout au plus elle favorise. Dans ce dialogue entre l’atelier et la clientèle, se pose la question du rôle des intermédiaires et, parmi eux, du rôle du marchand susceptible d’orienter la production vers une demande. C’est un des apports de l’ouvrage que de mettre l’accent sur l’importance des exportations ciblées : l’exportation massive des pélikés attiques en direction des nécropoles de Panticapée au iv^e s. en témoigne, tout comme le phénomène inverse, qu’illustre la diffusion contrastée des productions nikosthéniennes : les amphores à Cerveteri et les coupes à Vulci.

72La question de la commande culmine dans la contribution brillante de D. Viviers, qui l’aborde par le biais de la signature. Dans une synthèse très articulée, qui confronte les domaines de la céramique et de la statuaire, en couvrant un large champ spatio-temporel (le monde grec de la fin de l’époque géométrique à l’époque hellénistique), les signatures sont analysées de façon méthodique selon dix propositions, censées éclairer leur dimension plus « commerciale » qu’artistique. Pour stimulante qu’elle soit, l’argumentation, qui se condamne au final à expliquer la signature en fonction de la commande d’un client, n’emporte pas la conviction. Et à tout prendre, si l’alternative se joue à nouveau entre le client et l’atelier, je préfère pour ma part une autre hypothèse, d’ailleurs citée par D. Viviers. Dans une contribution remarquable, publiée en 2003 dans Le vase grec et ses destins, A.-Fr. Laurens, C. Jubier-Galinier et A. Tsingarida ont proposé d’interpréter les signatures en les rapprochant des supports de cuisson inscrits découverts dans les fouilles d’Athènes : en révélant la mutualisation des fours, ils illustreraient, l’un et l’autre, la nécessité d’identifier les vases après cuisson. La discussion est loin d’être close et démontre, de façon décisive, la nécessité impérieuse d’articuler les deux volets de la recherche : l’étude du centre de production, qui demeure le contexte primordial du vase grec, au sens où ce contexte est premier dans l’histoire de la genèse du vase, et celle de sa diffusion et de sa réception.

73Anne Coulié,

74Musée du Louvre,

75Département des antiquités grecques, romaines et étrusques,

7634-36, quai du Louvre,

7775058 Paris Cedex 01.

78anne.coulie@louvre.fr

Borgers Olaf E., The Theseus Painter, Style, Shapes and Iconography (Allard Pierson Series, 16), Amsterdam, Allard Pierson Stichting, 2007, 1 vol. 22 x 31, xvi + 244 p., 82 dessins, 47 pl. photogr. h. t. et 1 pl. coul.

79Les années 2006-2007 ont été fastes pour ce prolifique décorateur anonyme de relativement petits vases attiques à figures noires de la fin du vi^e/début du v^e s., qu’E. Haspels a nommé Peintre de Thésée, à cause de sa prédilection pour ce héros, qui apparaît maintes fois dans sa production : deux monographies viennent en effet de lui être consacrées, toutes deux solides et bien illustrées, et procédant d’une thèse de doctorat soutenue dans un cas devant l’Université de Thessalonique, dans l’autre devant celle d’Amsterdam (2003). Le premier de ces livres, rédigé en grec avec un résumé en anglais, a les références suivantes : St. Fritzilas, ? ???????? ??? ?????. ? ?????? ???????????? ???? ????? ??? ??????????? ????????? ??????????? [Le Peintre de Thésée. La peinture de vases attique à l’époque de la démocratie athénienne nouvellement fondée], Bibliothèque de la Société archéologique, 245, Athènes, 2006. Nous serons amenés à évoquer souvent cet ouvrage, pour comparaison avec celui de l’a. Celui-ci sera sans doute plus diffusé, étant donné la langue dans laquelle il a été publié, et cela dans la prestigieuse collection des Allard Pierson Series, qui comprend déjà plusieurs volumes de référence sur la céramique attique, notamment ceux d’H. Brijder consacrés aux coupes des cômastes et aux coupes de Siana, mais il faudra le compléter par celui de St. Fritzilas.

80Les deux livres ont bien sûr beaucoup de points communs : ils recensent les vases et fragments (skyphoi, lécythes, pélikai, calpides, olpai, œnochoai, coupes, coupes-skyphoi, loutrophores, kyathoi, alabastres, plats, phiales, supports) attribuables au Peintre de Thésée ou proches de lui, avec un catalogue continu (p. 143-182) de 314 pièces (209 pour le Peintre de Thésée lui-même, 105 pour son entourage) classées par formes et chronologiquement à l’intérieur de chaque forme dans le cas du chercheur hollandais. Le chercheur grec, lui, aboutit à une liste de 399 pièces (dont 39 sur fond blanc et 18 en technique de Six) pour le seul Peintre de Thésée, auxquelles s’ajoutent les œuvres considérées comme assignables à des peintres faisant partie de son cercle : Peintre de Philadelphie 5481 (19 pièces, contre 14 seulement chez O. B.), Peintre de Rodin 1000 (9 skyphoi contre 6 ou 7 chez O. B.), Peintre de Bâle (25 vases). Une telle différence s’explique par le fait que St. F. a visité les réserves de nombreux musées grecs (par ex. celles du musée de Thasos, dans lesquelles il a repéré 33 fragments qu’il a pris en compte, tandis qu’O. B. n’en connaît que 5) ou des dépôts (notamment celui de la Fetiye Djami, à Athènes, qui abrite, entre autres, les trouvailles du Sanctuaire de la Nymphe, au pied de l’Acropole, et qui lui a fourni près d’une centaine d’œuvres !) auxquels O. B. n’a manifestement pas eu accès.

81Ces différences de chiffres ne changent toutefois pas fondamentalement les données : les deux auteurs ont le plus souvent des points de vue assez proches, et leurs analyses se recoupent. O. B. étire davantage la carrière du Peintre de Thésée, entre ca 515 et 475 ; il exclut qu’il ait pu être potier et en fait un artiste itinérant. C’est dans la première partie de son ouvrage (p. 13-82) qu’il analyse les formes de vases décorées par le Peintre de Thésée (surtout des skyphoi et des lécythes), son style, ses habitudes, son insertion dans un atelier et ses rapports avec d’autres peintres, la chronologie de sa production, sa diffusion (importante en Grèce même et quasiment nulle en Étrurie). Les analyses sont serrées, érudites, documentées (le livre compte au total 926 notes, et celui de St. F. 867 !). Les deux a. se penchent sur l’importance du Peintre de Thésée, sa formation dans l’atelier du Groupe du Crocotos, son évolution stylistique, les influences subies et sa propre influence, la thématique de ses décors, avec leur part de tradition et d’innovation. O. B. est particulièrement sensible à cette thématique : il consacre la deuxième partie de son ouvrage à l’iconographie (p. 83-136), et il montre le rôle probable du Peintre de Thésée dans le mouvement de renouvellement de l’imagerie athénienne de la fin du vi^e et du début du v^e s. Il classe d’une façon très classique les thèmes traités : divinités (Athéna, Dionysos, Hermès, Nérée/Poséidon), autres figures ou scènes mythologiques (Amazone ou Arimaspe, héros indéterminés, satyres, ménades), Héraclès et Thésée, scènes de la vie quotidienne : rituel et sacrifice, processions, spectacles théâtraux — dithyrambes, drames satyriques —, pyrrhique, sport, éphédrismos, cômos, travail — dont la scène, intéressante par son caractère exceptionnel, traitée sur un fameux skyphos de Cambridge, ex-Robinson, et sur un exemplaire fragmentaire de Thasos qui lui ressemble beaucoup (les deux a. estiment, plus ou moins nettement, que les deux skyphoi évoquent non pas une scène de travail de l’argile par des potiers, comme je l’avais naguère suggéré, mais une scène agricole en rapport avec la moisson, comme l’avait déjà proposé I. Scheibler ; il faudra encore regarder de près ces deux documents). Cette présentation des thèmes traités par le Peintre de Thésée et ses compagnons d’atelier, loin d’être simplement énumérative, est émaillée de nombreuses remarques toujours approfondies.

82Les deux monographies fournissent une bonne documentation photographique. Celle d’O. B. est plus agréable à regarder, car les photos ne sont pas détourées, celle de S. F. est sensiblement plus riche (ainsi pour les loutrophores et fragments de loutrophores, qu’on chercherait en vain dans les planches du livre d’O. B). O. B. donne beaucoup plus de tableaux, de graphiques et de dessins (décors et profils, selon le système hollandais des profils scannés), une solide bibliographie, plusieurs indices très détaillés. Nous avons donc là deux ouvrages complémentaires, qui apportent un éclairage souvent nouveau et en tout cas très précis et très érudit sur un peintre important de la figure noire tardive et sur son entourage.

83Signalons que, depuis la sortie des deux volumes, quelques pièces récemment découvertes ont été attribuées au Peintre de Thésée : c’est notamment le cas d’un skyphos fragmentaire de l’Agora avec ronde dionysiaque (voir J. McKesson, Camp II, Excavations in the Athenian Agora: 2002-2007, Hesperia, 76, 2007, p. 627-663, fig. 26) et d’un autre skyphos fragmentaire trouvé à Cyrène, dans le quartier de l’Agora (voir R. Leone, La ceramica attica figurata, dans M. Luni et al., Cirene «Atene d’Africa» [Monografie di Archeologia Libica, XXVIII], Rome, 2006, p. 88). Enfin, N. Malagardis, dans CVA France 41, Louvre 27, Céramique attique archaïque : gobelets «mastoïdes» à figures noires et rouges, Paris, 2008, p. 66-67, propose d’attribuer au Peintre de Thésée la décoration de trois ou quatre gobelets de ce type (ce qui introduirait une forme nouvelle dans son répertoire), et suggère d’intéressants rapprochements entre ce peintre et Psiax.

84Jean-Jacques Maffre,

85Université de Paris-Sorbonne,

86Institut de grec,

8716, rue de la Sorbonne,

8875005 Paris.

89Jean-Jacques.Maffre@paris-sorbonne.fr

Kunze-Götte Erika, Myrte als Attribut und Ornament auf attischen Vasen, Kilchberg, Akanthus Verlag für Archäologie, 2006, 1 vol. 20,7 x 24,5, 104 p., fig. ds t.

90Comme le titre l’indique, ce livre est une étude sur la représentation du myrte dans la céramique attique. Jolie plante occupant une place privilégiée dans les différentes manifestations, publiques et privées, de la vie quotidienne des anciens Grecs (pratiques cultuelles, banquets, mariages, funérailles etc.), le myrte jouit également d’une présence très importante sur les vases attiques : on le rencontre aussi bien dans le registre ornemental, en tant que motif d’encadrement, que dans le registre figuratif, en tant qu’attribut des figures.

91Néanmoins, l’identification du myrte n’est pas toujours assurée, son feuillage étant très proche de celui du laurier et de l’olivier, plantes fréquemment représentées dans l’imagerie attique. C’est pourquoi E. Kunze-Götte a recours à la botanique (p. 10-13) qui, dans certains cas, aide à distinguer avec moins d’incertitude les représentations du myrte. Les principaux éléments distinctifs de la plante, que sont ses petites feuilles lancéolées et ses baies couronnées, ne sont pas toujours représentés ensemble. Car, comme l’a. l’indique, les représentations végétales, dans la céramique attique, sont souvent stylisées et abstraites, le but des peintres n’étant pas d’atteindre une fidélité photographique mais de permettre leur reconnaissance par les spectateurs des vases. Bien évidemment, c’est aussi une question de prouesse figurative, de date et de technique. Le cas d’Exékias, par exemple, pourrait être considéré comme une exception : ses représentations du myrte sous forme de couronnes ou de branches, souvent insérées dans un contexte funéraire, sont plutôt précises (p. 15-19).

92Chez Exékias et les peintres qui le suivent, nombreux sont les héros et les dieux qui portent des couronnes de myrte, souvent accompagnées de branches longues et stylisées. Parmi les dieux figure Apollon qui, vers la fin de l’époque archaïque, n’est plus représenté couronné de laurier, plante liée à son culte delphique, mais de myrte (p. 20-41). Ce changement dans l’iconographie est dû, d’après l’a., à des raisons politiques, à savoir le renforcement des rapports entre Athènes sous les Pisistratides et Délos, lieu principal de culte apollinien, et, dans le même temps, l’affaiblissement des rapports entre Athènes et Delphes, autre lieu important de culte apollinien. Ainsi, dès la fin du vi^e s., on voit Apollon couronné de myrte dans plusieurs types de scènes, comme celle de la « triade délienne », de la « lutte pour le trépied », mais aussi celle de la « poursuite amoureuse », où la couronne de myrte évoque également la sphère d’Aphrodite. Dans la céramique de l’époque classique, le laurier est de nouveau représenté en liaison avec la présence d’Apollon, sous forme de couronne ou de sceptre, sans pour autant éclipser le myrte. Les deux plantes peuvent, dorénavant, coexister au sein de la même scène, surtout quand il s’agit d’une scène de sacrifice en l’honneur du dieu. Sans vouloir écarter cette thèse, nous pourrions nous poser la question de savoir si cette différenciation du rendu des couronnes apolliniennes n’est pas plus due aux choix personnels des peintres qu’à des raisons politico-religieuses. Nous pouvons aussi nous demander si les peintres attiques cherchaient vraiment à rendre explicite les diverses identités locales et cultuelles de chacun des dieux.

93Plante chérie d’Aphrodite et signe de mariage, le myrte a aussi une présence importante dans des images nuptiales mettant en scène Éros, Pâris et divers couples divins comme ceux de Thétis-Pelée, d’Ariane-Thésée et de Perséphone-Hadès. Dans ce dernier cas, le myrte a également des connotations funéraires (p. 43-45).

94Dans le chapitre concernant le myrte en tant que motif d’encadrement (p. 47-52), l’a. souligne avec justesse que sa présence sur des vases de culte, due à sa fonction d’offrande dans les pratiques religieuses et funéraires des Grecs, va au-delà d’une simple esthétisation de la surface céramique. Le myrte est, bien évidemment, un ornement, mais un ornement fort significatif dont le sens est intimement lié à celui de la scène qu’il encadre. Registre ornemental et registre narratif interagissent et révèlent la fonction de leur support céramique. Cette interaction, qui n’est pas réservée aux vases d’usage cultuel, est d’autant plus manifeste lorsque le myrte sert de cadre à des scènes inspirées de la sphère d’Aphrodite (p. 53-54), d’Artémis (p. 55-62), de Dionysos (p. 63-65) et d’Adonis (p. 67-69), scènes dont le dénominateur commun est l’érotisme, souvent entrelacé avec la mort.

95Le chapitre suivant (p. 71-84) est consacré à l’analyse d’un phénomène iconographique de la technique à figures rouges, celui des « couronnes de myrte pliées ou brisées ». Fréquent dans la céramique de la fin du v^e et du début du iv^e s., ce motif serait le signe du lien érotique fragilisé ou brisé à cause de l’infidélité et de l’instabilité, ce qui expliquerait sa représentation sur des vases mettant en scène des couples comme celui d’Aphrodite et d’Adonis ou celui d’Hélène et de Ménélas. Malheureusement, les exemples dont l’a. fait usage n’arrivent pas à nous convaincre. D’abord, sur la pyxide de Wurzbourg (fig. 31a-d), le traitement fortement différencié du feuillage de chacun des deux rameaux, représentés au-dessus de l’Éros agenouillé, ne nous permet pas de les interpréter comme deux parties brisées de la même couronne végétale. Puis, sur le lécythe aryballisque attribué au Peintre de Pronomos (fig. 32a-b), les deux rameaux au-dessus de la figure féminine à l’allure d’Aphrodite sont identiques à ceux qui, très souvent, scandent les images des peintres de la fin du v^e-début du iv^e s., et qui signalent plutôt un espace en plein air qu’autre chose [4]. Enfin, d’après nous, les figures féminines sur l’hydrie du Peintre de Iéna (fig. 33a-b), sur l’hydrie du Peintre de Meidias (fig. 34a-b) et sur l’assiette non attribuée de Giessen (fig. 35a-b) ne sont pas en train de briser mais, au contraire, de tresser des couronnes ou, au moins, de tenir tout simplement des branches. Il s’agit d’un motif, ou plutôt d’un geste maniéré que l’on rencontre fréquemment chez les peintres de cette période et dans divers contextes [5].

96L’A. termine cette étude avec un chapitre sur la représentation des branches de myrte dans des scènes d’offrande, de mariage, de concours et de culte. À travers plusieurs exemples, elle arrive à deux conclusions : premièrement, la précision botanique d’une couronne, d’un arbre ou d’un rameau est analogue à l’importance que le peintre a voulu leur accorder au sein de l’image, et, en second lieu, lorsque la précision fait défaut à la représentation des éléments végétaux, ce qui est souvent le cas, c’est le contexte narratif qui révèle leur nature botanique.

97Le livre est, dans son ensemble, d’un grand intérêt, étant donné l’abondance de témoignages figuratifs et de questionnements que l’analyse de ceux-ci soulève. Les réponses sont loin d’être évidentes. C’est pourquoi l’a. étudie chaque cas avec minutie et circonspection, tout en évitant les généralisations et les grilles interprétatives toutes prêtes. Elle démontre combien le contexte narratif est déterminant pour l’identification du myrte et des éléments végétaux en général, de sorte que le recours à la botanique peut paraître parfois inutile. Enfin, d’après nous, le plus grand mérite de cette étude est d’avoir mis en évidence que, dans la céramique attique, les frontières entre le registre ornemental et le registre figuratif ne sont pas si étanches que l’on croit, et qu’il existe quelquefois entre les deux une sorte d’interaction, l’un éclairant l’autre et vice versa.

98Nikolina Kéi,

99Centre Louis-Gernet,

100EHESS, INHA,

1012, rue Vivienne,

10275002 Paris.

103nikolinakei@hotmail.fr

Cuomo di Caprio Ninina, Ceramica in archeologia 2, Antiche tecniche di lavorazione e moderni metodi di indagine (Studia archeologica, 144), Rome, « L’Erma » di Bretschneider, 2007, 1 vol. 17 x 24, 752 p., fig. ds t.

104Comme son titre l’indique, cette seconde édition largement remaniée (le nombre de pages a quasiment doublé) d’un manuel portant le même titre, paru en 1985, répond à la double ambition de reconstituer les techniques d’un céramiste de l’Antiquité, du modelage à la cuisson, et de présenter les principales analyses de laboratoire.

105Le plan suivi reflète ce double parti pris et le volume est donc divisé en deux sections clairement distinctes (Parte prima : Antiche tecniche di lavorazione, les deux tiers du volume ; Parte seconda : Moderni metodi d’indagine, env. 200 pages). L’attention est essentiellement portée sur la production des vases et les autres productions (terres cuites architecturales, matériaux de construction, etc.) ne sont abordées que de manière occasionnelle. Le sujet est d’ailleurs déjà assez vaste, du point de vue thématique, chronologique et géographique. Car, si l’essentiel porte sur l’Antiquité classique et sur la Méditerranée (Sicile et Italie méridionale principalement, mais aussi l’Espagne et la Gaule), l’analyse s’ouvre également à des exemples empruntés à la préhistoire et au Moyen Âge (voire, accessoirement, à la Renaissance : références à Cipriano Piccolpasso, auteur d’un traité de technique céramique datant du milieu du xvi^e s. et révélant les secrets des maîtres de l’art de la majolique), et renvoie, quoique exceptionnellement, aux traditions du Proche et Moyen-Orient.

106La documentation graphique a, elle aussi, fortement augmenté. La bibliographie, enrichie bien entendu d’un addendum, est vaste malgré son caractère délibérément sélectif, et incidemment commentée de manière ponctuelle lorsqu’elle fournit des exemples concrets (généralement à la fin des chapitres, respectivement dans la section « Riscontri archeologici e riferimenti bibliografici » et « Finestre ») ou aborde des sujets débattus par N. Cuomo di Caprio (par ex., p. 525-526, pour les observations contra Fr. Le Ny et B. Dufay). Si le lecteur souhaite élargir sa focale, des bibliographies thématiques, mises à jour, placées à la fin de chaque chapitre, permettront d’approfondir les différents sujets évoqués. En somme, tout paraît avoir été conçu afin de permettre plusieurs niveaux de lecture et, surtout, d’aiguiser la curiosité des étudiants. Le volume comporte également quelques notes explicatives et des rubriques hors chapitre, véritables parenthèses qui insistent, de façon synthétique mais très appropriée, sur des aspects historiographiques, archéologiques ou encore d’histoire des techniques.

107Cet ouvrage est donc un vrai manuel explicatif, qui illustre son propos avec une grande profusion de détails, et n’oublie pas, par ailleurs, de citer des exemples contemporains abordés par le prisme de l’ethno-archéologie, dont l’historique et les enjeux sont expliqués dans l’Inserto D (p. 113-114, avec bibliographie). Les exemples d’archéologie expérimentale, dans un atelier spécialisé dans la production de céramique traditionnelle (usage du tour) à Grottaglie (Tarente), interviennent ainsi à deux reprises (Inserto G, p. 254 sq., centré sur l’analyse des temps et des modalités de la production, témoignages oraux à l’appui « in quanto molte botteghe sono scomparse o sono state completamente trasformate », p. 258 ; Inserto H, p. 272 sq., articulé autour de l’utilisation du tour et des fours) et sont illustrés par de nombreuses photographies documentaires. Les sources anciennes ne sont pas omises. L’ouvrage s’ouvre ainsi sur « Keramos, l’eroe della ceramica » et s’achève sur une annexe « Fonti letterarie tra mondo classico e mondo moderno », p. 688 sq. La Vita Homeri Herodotea, 32, marque la transition entre la première et la seconde partie de l’ouvrage (p. 567).

108Si la première édition, axée sur la connaissance de la technologie de la céramique dans l’Antiquité, avait représenté une nouveauté capitale, notamment dans le paysage archéologique italien du milieu des années 1980, alors peu encline aux recherches archéométriques, la parution de cette seconde édition nous offre une vision beaucoup plus complète et complexe, fondée sur une documentation très abondante et bien maîtrisée, et sur la riche expérience de l’a., directement impliquée sur le terrain en Sicile et dans les Pouilles notamment.

109On aura compris que l’ouvrage n’est pas simple dans son agencement. Il répond, à dire vrai, à une volonté pédagogique précise : fournir des informations techniques d’ordre général, qui se cumulent de manière progressive et s’ouvrent ultérieurement sur des exemples spécialisés (p. 24). Or cet ouvrage atteint certainement son but en démontrant tout le dynamisme de la recherche archéométrique et de l’archéologie des techniques. Il se recommande sans doute pour sa rigueur et la richesse des informations qu’il contient. Le plan, en revanche, ne sera pas forcément aisé à suivre au premier abord, la volonté de diversifier et de multiplier les sources d’informations et leur accès étant parfois déroutante. Il faut donc apprendre à l’employer à bon escient. Cependant, il fournit assurément aux étudiants, mais aussi à tous ceux que les problèmes soulevés par les études céramologiques intéressent, l’occasion de remettre en question ou de compléter des vues traditionnelles (A. O. Shepard, P. M. Rice), de revoir des problèmes de définitions (à propos de la céramique commune, par ex., p. 237, ou des termes « céramique à vernis noir » et « à vernis rouge », p. 316 sq.), voire d’admettre humblement des lacunes (par ex., chap. xiii, à propos de la cuisson).

110Arianna Esposito,

111Université de Bourgogne,

112Département d’histoire de l’art et d’archéologie,

1132, bd Gabriel, 21000 Dijon.

114arianna.esposito@u-bourgogne.fr

Bodiou Lydie, Frère Dominique, Mehl Véronique dir., Parfums et odeurs dans l’Antiquité (Archéologie et culture), Rennes, PUR, 2008, 1 vol. 22 x 28, 280 p., fig. ds t.

115Dans l’Antiquité les parfums accompagnaient régulièrement des moments de la vie : aux gymnases, pendant les banquets, lors des sacrifices, dans les marchés, pendant les fêtes ou les funérailles ; dans les sanctuaires ils figurent parmi les offrandes par excellence, établissant ainsi un lien entre le monde des hommes et le monde divin. Pourtant, malgré leur importance dans les textes anciens et dans l’iconographie, et en dépit de la profusion de récipients retrouvés par milliers, attestant leur rôle dans la vie quotidienne, ils n’ont pas pour autant été étudiés, si ce n’est dans le cadre de travaux ponctuels et pour la plupart très spécialisés. Le catalogue de l’exposition du Musée royal de Mariemont Parfums de l’Antiquité, la rose et l’encens en Méditerranée (Musée royal de Mariemont, 2008), et l’ouvrage Parfums et odeurs dans l’Antiquité, sous la direction de L. Bodiou, D. Frère et V. Mehl — qui avaient déjà collaboré au catalogue belge — viennent ainsi de manière quasi concomitante combler une lacune en abordant cette « archéologie et histoire de l’évanescent » sous plusieurs angles complémentaires.

116Le volume Parfums et odeurs dans l’Antiquité rassemble vingt-deux contributions articulées autour de cinq chapitres thématiques : « La matière du parfum » ; « Les odeurs du culte » ; « Statut et pouvoir de l’odeur et du parfum » ; « Les objets du parfum » : « Flacons et boîtes » ; « Le parfum : un objet culturel, un produit économique ».

117La première section, très spécifique, regroupe en réalité cinq articles aux approches disparates, chacun étant axé sur un contexte géographique et chronologique différent, ou sur une problématique particulière. E. Dodinet présente un exposé consacré aux matières premières et à l’univers olfactif levantin de l’âge du Bronze. Trois méthodes d’analyse ont été appliquées : les études épigraphiques, picturales et archéobotaniques. Pour chacune d’entre elles, l’a. marque les acquis et les limites. B. Nicolas souligne la difficulté inhérente à l’étude du vocabulaire du parfum. Les sources se limitent généralement à mentionner le « parfum » (myron) dans le cadre de ses emplois (rites religieux ou funéraires, soin du corps) ou en fonction de son aspect symbolique (richesse, divin), leur classement se faisant principalement en fonction des effets physiques. R. Touzé illustre les matières premières employées dans la confection des huiles, onguents et poudres parfumés en Grèce ancienne. L’huile est l’élément de base : c’est sur elle que l’on va fixer les odeurs, notamment celles de la myrrhe et de la rose, composantes odorantes majeures. L’A. s’attache ensuite à une description précise du processus de fixation des odeurs à l’huile et des moyens de conservation des parfums. En annexe (p. 54 sq.), un tableau synthétise les sources littéraires mentionnant les végétaux employés dans la confection des huiles odorantes et parfums secs en Grèce. N. Garnier présente les acquis de l’analyse organique et le comportement à adopter lors de prélèvements sur des objets. L’étude des contenus de balsamaires gallo-romains en verre, jetés dans des fosses-bûchers découvertes à Lyon, offre un cas d’étude exemplaire (article co-signé de N. Garnier, T. Silvino, C. Tokarski et C. Rolando, p. 71-79).

118La seconde section, articulée autour du thème religieux, regroupe quatre communications relevant des mondes étrusque, grec et romain. Pour les Étrusques, D. Briquel souligne le lien entre utilisation de l’encens, pratiques religieuses et libanomancie. Ces attestations de l’emploi de l’encens sont néanmoins tardives, ce qui implique que la prudence soit de mise quant à son usage ancien (p. 87). L. Hugot étudie l’évolution des brûle-parfums ainsi que la présence et le rôle des thymiateria lors des sacrifices : le parfum agissait comme médiateur dans la communication avec les dieux (p. 94). Dans le monde grec (F. Prost), l’effigie de la divinité, matérialisant sa présence, fait l’objet de traitements spécifiques et d’une véritable mise en scène. Dès l’époque homérique, les dieux dégagent une odeur merveilleuse, ce qui suggère des traitements parfumés pour les effigies. Il faut en effet les entretenir, assurer la conservation et le maintien de leur parfum « divin », ce qui laisse supposer des pratiques d’onction des statues. Dans le monde romain, l’analyse iconographique des reliefs sacrificiels (V. Huet) indique que la représentation ou l’évocation de l’encens sur ces objets est fondamentale : l’acerra, la boîte contenant l’encens, apportée par un assistant, fait l’objet d’une étude ponctuelle. On y traite de la manière de jeter l’encens dans les flammes de l’autel.

119La troisième section s’ouvre sur la seconde contribution d’E. Dodinet, qui s’attache à l’analyse de l’emploi du parfum en Méditerranée orientale à l’âge du Bronze. Ce n’est qu’à partir du Bronze récent que les sources écrites nous livrent des indications. Cette période correspond à un moment où les huiles parfumées et les onguents, préalablement présents dans la vie religieuse, assument progressivement de plus en plus d’importance dans la vie des élites. M. Briand nous livre une analyse précise du vocabulaire de la poésie mélique indissociable des quatre autres sens (goût, ouïe, vue et toucher). Une attention particulière est portée aux contextes du banquet : les parfums véhiculent la séduction, circonscrivent l’espace festif et participent, avec la parole et le vin, à l’élaboration d’une idéologie spécifique. L. Bodiou et V. Mehl proposent une étude sociologique des odeurs dans la culture grecque, basée sur les témoignages littéraires. Les occurrences les plus anciennes de parfums concernent les divinités dont l’odeur agréable est une affirmation de leur immortalité. Du côté des mortels, les odeurs illustrent toute une série de critères servant de marqueurs identitaires et sociaux pour une reconnaissance immédiate du parfumé : héros, citoyen, étranger, femme, enfant, jeune ou vieux… On est loin d’une vision simpliste suggérant une utilisation essentiellement féminine des parfums.

120La section suivante s’organise autour de cinq articles très différents. Dans les deux premiers, M. Casanova et C. Lorre traitent respectivement du Proche-Orient et de l’Égypte prédynastique : la fabrication des parfums et des fards, les matières premières employées (cyprès, cèdre, myrte), les lieux de stockage de l’huile, les ateliers de parfumerie, ainsi que les divers types de contenants (bouteilles et flacons à parfums, boîtes et cuillères à fards, brûle-parfums et lampes), et les ateliers de production céramique. Ensuite, C. Lambrugo aborde la question des vases à parfum corinthiens en Sicile et, accessoirement, en Grande-Grèce (Tarente étant de facto seulement évoquée). On en déduit la profusion de vases à parfums dans les nécropoles siciliennes d’enfants et d’adolescents, le but étant, entre autres, de préserver la beauté divine de la jeunesse. Dans sa contribution sur la céramique attique, N. Kéi indique que les peintres athéniens recourent au signe floral pour suggérer l’idée olfactive d’une personne, d’un objet, d’un lieu ou d’une situation. Enfin, D. Frère présente le programme d’études qu’il dirige sur les recherches archéologiques et archéométriques sur les huiles et crèmes parfumées de l’Antiquité. L’iconographie, l’épigraphie et les études de laboratoire sont sollicitées pour compléter l’analyse typologique des objets. Il mène ensuite une étude très poussée sur l’alabastre, l’aryballe, le lécythe et leurs contenus.

121Les cinq dernières contributions relèvent des mondes égyptien, étrusque, grec et romain. V. Bellelli démontre que les premiers vases à parfums apparaissent en Étrurie à la fin du viii^e s. av. n. è. : il n’y a aucune production céramique non tournée de la culture villanovienne qui s’apparente à ce type d’objets. Les premiers vases en question sont des aryballes, décorés ou non, provenant de Grèce de l’Est, de Corinthe, de Crète, de Chypre ou des côtes syro-palestiniennes. L’absence de décor sur certaines productions témoigne d’ailleurs de l’importance exclusive attribuée au contenu. Ce sont bien entendu les élites qui les possèdent dans leurs tombes. À la fin du viii^e s. et au début du vii^e s., la production locale de parfums entraîne la production de récipients reproduisant le répertoire céramique oriental. D’ailleurs, le répertoire des noms des vases à parfums étrusques est entièrement emprunté au grec. A. Chatzidimitriou étudie les scènes de vente et d’achat d’huile sur les vases attiques aux époques archaïque et classique : si, pour l’huile parfumée, on emploie le lécythe et l’alabastre, l’huile semble quant à elle avoir été stockée majoritairement dans des pélikai. On en déduit que l’usage de l’amphore était plutôt destiné aux transports sur de longues distances. J.-P. Thuillier illustre l’emploi de l’huile parfumée dans les sphères sportives, étrusques et romaines. Dans la culture étrusque, les représentations de scènes de palestre sont presque totalement absentes du répertoire, au profit des scènes de combat ou de compétition. Cependant, les représentations de strigiles dans des scènes assurément sportives attestent l’emploi de l’huile dans cette activité. L’huile constitue par ailleurs un prix pour le vainqueur : certaines images le montrent en train de recevoir un aryballe ou un alabastre, récompense de qualité. Dans le monde romain, l’huile est aussi présente dans les activités sportives, même si les auteurs satiriques (Martial et Juvénal) y voient une forme de gaspillage. L’épigraphie confirme que dans les thermes se trouvait parfois une cella unctuaria. Offrir de l’huile voire des strigiles à ceux qui fréquentaient les thermes ou le campus était un acte d’évergétisme de la part des élites, ayant un nom bien précis : gymnasium. Enfin, M.-L. Bonsangue et N. Tran s’intéressent au métier de parfumeur dans l’Occident romain. Ils notent la richesse du sol campanien en huile et en fleurs, essentiellement des roses (Capoue, Paestum, Pompéi), avant de présenter les différentes étapes de la production des parfums : le pressage, l’enfleurage à froid ou à chaud, le mélange des essences et le conditionnement du produit. Ils concluent en s’intéressant au statut des parfumeurs : des artisans et commerçants de condition modeste. On ne connaît que très peu d’entreprises familiales importantes, vraisemblablement financées par des personnages de haut rang.

122Un glossaire, associant la définition et l’illustration des vases mentionnés dans les articles, et un index complètent ce volume dont l’approche transdisciplinaire et l’ouverture à la fois chronologique et géographique permettront sans doute d’en faire un ouvrage de référence dans son domaine.

123Arianna Esposito,

124Université de Bourgogne,

125Département d’histoire de l’art et d’archéologie,

1262, bd Gabriel,

12721000 Dijon.

128arianna.esposito@u-bourgogne.fr

Hoffmann Herbert, Divergent Archaeology, Mayence-Ruhpolding, Verlag Franz Philipp Rutzen, 2007, 1 vol. 17 x 24, xvii + 303 p., fig. ds t.

129Par « archéologie divergente », H. Hoffmann entend son parcours très personnel, qui l’a mené d’une position positiviste de type anglo-saxon traditionnel à une perspective structuraliste et anthropologique, pour aboutir finalement à un niveau pour ainsi dire au-dessus de l’histoire, où les kouroi et les korai de la Grèce archaïque rencontrent Bahubali et le Bouddha. Il ne s’agit pas, évidemment, d’une trajectoire que l’on pourrait répéter ou conseiller à de jeunes archéologues. Pour autant, elle est en mesure d’éclaircir l’état intellectuel de l’archéologie classique à partir des années soixante du siècle passé.

130H. H. s’est fait un nom en archéologie comme connaisseur de la bijouterie archaïque, puis en tant que conservateur, au « Museum für Kunst und Gewerbe » de Hambourg, des armures crétoises en bronze de la période orientalisante. Mais le domaine qui a le plus stimulé son élan critique et novateur est celui de la céramique attique à figures rouges. Ce n’est donc pas un hasard si les neuf premiers articles choisis pour ce volume, qui ont été publiés pour la première fois entre 1963 et 2000, sont tous dédiés aux vases d’Athènes. Toutefois, il ne s’agit pas d’une simple revue bibliographique : H. H. voudrait au contraire démontrer, par son parcours intellectuel, l’utilité de la perspective socio-anthropologique pour comprendre la réalité matérielle du monde antique. En ouverture du volume, on est confronté à un objet aussi rare que joli : une petite balle en terre cuite ayant appartenu, selon l’inscription peinte, à une certaine Myrrhiné (mais nos efforts pour retrouver ce même nom dans le texte incisé autour de la palmette, sur le fond de l’objet, n’ont pas abouti). La grenouille de Sotadès, à la base d’une coupe attique du commencement du v^e s., est prétexte à un leitmotiv du livre et de la curiosité de H. H. : les animaux dans l’art antique. Au duel entre coqs fait suite l’étude sur les askoi, dont un des thèmes les plus fréquents est la rencontre cynégétique ou érotique entre animaux, satyres, héros, monstres mythologiques. L’idée de base, qui est aussi celle des travaux suivants, est la notion anthropologique de système : chaque élément de la décoration d’une série déterminée — ici, les askoi à figures rouges — constitue une variante de tous les autres éléments et renvoie à un ensemble, par lequel il est possible d’en décrypter le sens et la fonction. La question de l’usage des askoi reste néanmoins ouverte : ont-ils vraiment tous été trouvés dans des tombes ? Parmi la minorité dont on connaît la provenance, un bon nombre vient tout de même de l’Agora, ce qui laisse au moins envisager la possibilité qu’ils aient été utilisés pendant des repas cérémoniels non funéraires. À propos des satyres, H. H. exprime une idée — due à l’anthropologue E. Leach dont il suit l’enseignement — qu’il va ensuite reprendre : pour les Grecs, « the essence of man is the clean passive monk » (p. 51). Est-ce que cette idée n’est pas plutôt typiquement chrétienne que païenne ? De toute façon, le message iconique commun aux askoi est pour H. H. le sacrifice.

131L’essai intitulé « In the wake of Beazley » a un caractère plus général. Le panorama des études de la céramique figurée attique depuis Sir W. Hamilton est suivi de la proposition de trois thèmes prometteurs pour des analyses futures : les animaux, les rites de passage et la sémiologie. Personne n’en contestera la conclusion : une anthropologie du vase grec n’est possible que par la connaissance profonde de la religion, de la littérature, des usages, du langage et même de l’histoire de la Grèce. « Knotenpunkte », de 1980, continue cette réflexion à un niveau plus théorique, pour définir le caractère ambigu, et par là dense de signification, des vases et des images. Dans « Rhyta and Kantharoi in Greek Ritual », de 1989, H. H. renverse définitivement les préconceptions positivistes qui avaient été à la base de sa première étude sur le même sujet en 1962 : les animaux n’ont pas d’importance pour comprendre la religion grecque, Dionysos n’est que le dieu du vin, les Perses n’étaient que les ennemis des Athéniens, réfléchir sur Dieu doit se faire par des livres. Il formule au contraire une hypothèse qui donne au travail de l’archéologue l’histoire de la religion en perspective : l’inscription à Éléphantis sur un rhyton en forme de bélier, conservé à Berlin, pourrait faire allusion à la métamorphose, par la mort, d’une femme en héroïne, peut-être même en ménade.

132Avec les articles suivants, H. H. s’éloigne progressivement des problèmes de l’interprétation de l’art classique — et, par conséquent, du domaine de compétence de ce compte rendu —, pour se pencher sur la philosophie et, par là, sur des parallèles entre la sagesse des Grecs et celle de l’Asie.

133Cornelia Isler-Kerényi,

134Rankstrasse 31,

135CH-8703 Erlenbach.

136c.isler-kerenyi@bluewin.ch

Fittschen Klaus éd., Historische Landeskunde und Epigraphik in Griechenland, Akten des Symposiums veranstaltet aus Anlaß des 100. Todestages von H. G. Lolling (1848-1894) in Athen vom 28. bis 30. 9. 1994, Münster, Scriptorium, 2007, 1 vol. 20,5 x 30, vii + 468 p., fig. ds t.

137La mode est à la commémoration, et, chez les historiens, à la célébration des prédécesseurs, qui contribue à la redécouverte des archives qu’ils ont laissées, voire à l’histoire de la discipline qu’ils ont illustrée. C’est un utile tribut à ce rite historiographique que constitue le volume consacré à l’Allemand Hans Gerhard Lolling (1848-1894), voyageur, topographe et épigraphiste, qui fut une figure importante de la recherche archéologique en Grèce. Le volume publié en 2007 réunit d’une part (1^re partie, p. 9-309) les actes issus d’un colloque tenu à l’occasion du centenaire de sa mort, et d’autre part (2^e partie, p. 311-468 : « Übersicht über Leben und Werk; Briefe ») un ensemble de documents éclairant la vie, la carrière et l’œuvre de H. G. Lolling (ci-après L.).

138Sans doute cette dernière partie peut-elle être lue en premier lieu pour faire la connaissance de L. ou la parfaire, notamment grâce au tableau qui résume les principales étapes de sa vie et les dates de ses voyages (H. R. Goette, Kl. Fittschen, p. 313-318). Après l’obtention du doctorat à Göttingen, L. arriva en Grèce en 1872, âgé d’à peine 24 ans, pour être précepteur chez le consul d’Allemagne. C’est alors qu’il commença à mener des voyages qu’il poursuivit et étendit pour la préparation du guide de la Grèce pour la maison d’édition Baedeker. De 1878 à 1888 il fut au service de l’Institut archéologique allemand, pour l’essentiel dans le poste de bibliothécaire. L. demeura ensuite en Grèce, devenue sa seconde patrie, pour entrer au service de l’État hellénique comme directeur du Musée épigraphique d’Athènes, qu’il fonda et organisa de 1888 jusqu’à sa mort, en 1894. Son œuvre imprimée compte 154 titres, dont la liste est donnée par K. Eibl (p. 325-330). On trouve ailleurs dans le volume d’une part une concordance, due à Kl. Hallof, entre les publications épigraphiques de L. dans des revues non grecques (choix qui n’est pas expliqué) et la réédition postérieure des inscriptions dans les Inscriptiones graecae (p. 47-58) ; d’autre part une concordance, établie par P. A. Butz, du corpus des IG I³ (1981-1998) vers les publications de L., qu’il s’agisse des revues ou du catalogue du Musée national imprimé en 1899 (p. 77-91). Sans doute le lecteur eût-il gagné à trouver réunies et complétées ces concordances, que l’on pouvait joindre à la bibliographie de L. D’autre part, K. Eibl récapitule la liste des conférences données par L. à l’Institut archéologique allemand d’Athènes (p. 321-324) : les manuscrits de certaines, restées inédites, sont conservés à Athènes et à Berlin.

139C’est dans la publication et l’utilisation, qui doivent encore être poursuivies, des archives de L. ou ayant trait à son œuvre que réside l’intérêt majeur du volume publié en 2007. Ainsi, le dernier quart du volume (p. 337-468) est dévolu à la publication de toutes les lettres envoyées par L., au nombre de 114 ; aucune lettre reçue par L. ne paraît aujourd’hui conservée. La transcription et l’annotation de ces lettres sont dues à U. Zehm et Kl. Fittschen pour les 52 premières, ordonnées par destinataires et adressées respectivement au maître de L. à Göttingen, F. Wieseler, à U. Köhler, A. Furtwängler, H. Brunn, R. Kekulé von Stradonitz, R. Koldewey, F. Studniczka et U. von Wilamowitz-Moellendorf. C’est Kl. Hallof qui a fait le travail analogue pour les 62 lettres, ordonnées là suivant leur date, adressées à A. Kirchhoff (54) et Th. Mommsen (8), qui concernent principalement l’épigraphie grecque et latine de Grèce. Sans doute eût-il été plus commode d’ordonner l’édition de toute cette correspondance soit par destinataire, soit dans une succession chronologique unique. On a d’autant plus de mal à se repérer dans cette édition que les noms des destinataires de L., récapitulés p. 338, n’apparaissent ni dans la table des matières générale, ni dans les titres courants du volume, lequel n’est doté en outre d’aucun index. Pourtant, cette correspondance, que ses éditeurs ont pourvue d’une annotation sobre et précise, contient des renseignements intéressants, sur les conditions de rémunération et de voyage de L., sur l’envoi de copies d’inscriptions grecques et latines à Berlin, sur la préparation des IG VII et IX, sur l’intérêt de L. pour les fouilles de Delphes (lettres n° 90 et 99), sur l’histoire de l’épigraphie et de la topographie athéniennes, sur les fouilles de Pergame et le transport de sculptures du grand autel sous la direction de C. Humann (lettres n° 18 et 26-31).

140La présentation et l’utilisation des archives de L. ou des documents touchant à son œuvre se retrouvent dans les actes du colloque, à commencer par la courte, mais importante étude liminaire de l’organisateur du colloque et éditeur du volume, Kl. Fittschen (p. 11-23). Celui-ci étudie d’une part les relations entre L. et l’Institut archéologique allemand d’Athènes, que L. quitta en 1888, sans doute déçu de ne pas y trouver une place plus éminente et durable. D’autre part, Kl. F. établit clairement la différence entre la contribution de L. au Guide Baedeker de 1883, l’« Ur-Baedeker » publié seulement en 1989, et la masse considérable des notes et carnets de L., encore inédits. Le guide Griechenland, Handbuch für Reisende, dont la première édition fut publiée en 1883 par K. Baedeker, utilisait en les réduisant considérablement plusieurs centaines de pages que L. avait écrites sur la Grèce centrale. Mais ces 735 pages avaient été composées et elles restèrent à l’état de placards, connues sous le nom d’« Ur-Baedeker » : elles ont été publiées en 1989 sous la forme d’une édition photographique par B. Heinrich et U. Kalcyk, intitulée de façon trompeuse Reisenotizen aus Griechenland 1876 und 1877. À ce livre Kl. F. rend à juste titre le nom d’« Ur-Baedeker », pour le distinguer des véritables « notes de voyage » de L., dont il révèle l’existence à l’Institut allemand d’Athènes (p. 21-22) : ces manuscrits, comptant au total plusieurs milliers de pages, retracent les voyages en Grèce centrale, dans le Péloponnèse, en Thessalie, Épire, Macédoine, Thrace, dans les Îles ioniennes et à Lesbos. Kl. F. révèle aussi l’existence de carnets épigraphiques et de carnets de dessins, qui restent également à exploiter. De son côté Kl. Hallof, « Lolling und das Inschriftwerk der Berliner Akademie », p. 25-55, donne un tableau de l’œuvre de L. comme épigraphiste : il démontre, documents à l’appui, l’importance de sa contribution au Corpus Inscriptionum Atticarum et surtout aux Inscriptiones Graecae de Béotie, de Phocide, de la Locride occidentale et de la Locride orientale, comme copiste d’inscriptions notamment pour W. Dittenberger et Th. Mommsen.

141Les autres contributions publiées dans les actes du colloque ont trait à quatre régions : l’Attique, la Béotie, l’Eubée et la Thessalie. L’œuvre épigraphique de L. à Athènes, à l’Acropole et au Musée épigraphique, est retracée par A. P. Matthaiou (p. 97-108), en lien avec les catalogues dont celui-ci a proposé et commencé la préparation. P. A. Butz (p. 59-76) analyse l’édition princeps par Lolling de l’inscription de l’Hekatompedon (IG I³, 4), et M. K. Langdon (p. 109-122) évalue les identifications topographiques de L. sur l’île de Salamine à la lumière des recherches postérieures.

142De nombreuses contributions portent sur la Béotie, qui fut l’un des terrains où L. apporta des résultats majeurs. On peut ainsi lire d’abord « Boiotian Military Elites » d’A. Schachter (p. 123-139), « Participation of Foreigners at Boiotian Festivals in Hellenistic-Roman Times » de J. M. Fossey (p. 141-150), et « The Inscriptions of Tanagra: A Preliminary Analysis » de D. W. Roller (p. 151-156). Mais ces trois études sont en fait sans rapport avec L., dont l’activité en Béotie n’est ni étudiée ni même toujours citée par leur auteur (pour l’analyse des résultats épigraphiques de ces études, on se reportera aux notices argumentées et quelquefois sévères de D. Knoepfler dans le « Bulletin épigraphique » de la REG, 121 [2008], n° 222, 223 et 252). Ce sont en revanche les archives de L. qu’utilise et publie de façon soigneuse J. Stroszek, « H. G. Lollings Bericht über die Ausgrabungen des Jahres 1876 in der Kokkali-Nekropole von Tanagra » (p. 157-206) : il s’agit du rapport, d’un carnet et de deux croquis où L. consigna les résultats de la fouille dirigée à Tanagra par P. Stamatakis ; les apports de cette fouille, qui mit au jour 44 tombes datées de l’époque archaïque à l’époque impériale, étaient restés largement inédits. J. Stroszek publie in extenso le rapport de 17 pages « Über die Gräber bei Tanagra », en l’accompagnant des relevés de L. ; J. Stroszek révèle ainsi des objets restés inédits et pour une part depuis perdus (sur les inscriptions ainsi publiées, cf. D. Knoepfler, loc. cit., n° 251). J. Knauss, « Anmerkungen zu H. G. Lollings Lokalisierung von Alalkomenai am Kopais-See » (p. 207-216), ajoute aux observations topographiques de L. dans les environs de Tilphoussaion ses propres constatations pour localiser Alalkoménai et son sanctuaire d’Athéna. J. Bintliff signale l’intérêt de l’« Ur-Baedeker » pour la géographie humaine de la Béotie à l’époque ottomane et au xix^e s. (p. 217-226).

143À l’Eubée sont dévolues trois études : K. Eibl, « H. G. Lollings Forschungen am Artemision in Nordeuböa 1877 bis 1883. Eine Auswertung der nachgelassenen Aufzeichnungen im Archiv des DAI Athen », p. 227-267, utilise les dessins et les notes que L. avait réunis lors des fouilles qu’il mena à l’Artémision, à la recherche du sanctuaire qui avait donné son nom à la bataille de 480. C’est également sur l’Artémision que portent les p. 270-277, « Un rival de Lolling au cap Artémision : le poète Georgios Drosinis » : D. Knoepfler y montre d’une part que la découverte sur place de la stèle IG XII 9, 1189 revient à G. Drosinis, dont le nom fut passé sous silence par L. D’autre part D. Knoepfler a retrouvé dans un carnet de L. une épitaphe restée inédite, copiée à Vasilika sur la côte égéenne de l’Eubée septentrionale ; le recoupement entre le nom du défunt et sa mention comme démote du dème d’Iristos dans une souscription d’Histiée permet de localiser à Vasilika ce dème d’Histiée. Enfin, H. R. Goette, dans « H.G. Lolling in Elliniko bei Platanistos (Karystia) » (p. 283-291), a entrepris à la suite de L. l’exploration d’un sanctuaire proche de Karystos et a retrouvé l’inscription IG XII, 9, 42 et une inscription inédite de dix lignes mentionnant Athéna Pallas.

144À la Thessalie sont consacrées deux contributions de Chr. Habicht (p. 293-306) qui retrace d’abord les riches résultats épigraphiques et topographiques de L. durant ses deux voyages de 1882 dans cette région, juste après que celle-ci eut été réunie à l’État grec. D’autre part, Chr. Habicht tire des carnets thessaliens de L. des copies d’inscriptions restées inutilisées pour l’édition des IG de 1908, notamment un affranchissement d’Atrax inédit, et deux actes relatifs à des conflits territoriaux à Trikka, dont l’un inédit.

145Même si le volume publié en 2007 contient, comme tout volume collectif, des contributions d’intérêt inégal, il faut remercier Kl. F. et l’Institut archéologique allemand d’avoir fait mieux connaître la figure de l’Allemand philhellène H. Lolling à travers les archives des institutions allemandes ; on se demande d’ailleurs si ce tableau pourrait être complété grâce aux archives de l’État hellénique. D’autre part, c’est la redécouverte des volumineuses archives de L. qui est le plus heureux fruit de la commémoration de sa disparition : car ces archives recèlent sans aucun doute pour la connaissance de la Grèce du xix^e s. et pour celle de ses antiquités des informations précieuses et des documents depuis disparus, qu’il reste à repérer et à révéler.

146Denis Rousset,

147École pratique des Hautes-Études, IV^e section,

14845-47, rue des Écoles,

14975005 Paris.

150dlrousset@wanadoo.fr

Schild-Xenidou Valia, Corpus der Boiotischen Grab- und Weihreliefs des 6. bis 4. Jahrhunderts v. Chr. (Athenische Mitteilungen, 20. Beiheft), Mayence, Ph. von Zabern, 2008, 1 vol. 20,5 x 27,5, xiv + 365 p., 48 pl. h. t.

151Ce livre est l’aboutissement d’un travail commencé à la fin des années 1960 sous la forme d’une « dissertation » de l’Université de Munich, qui avait donné lieu, en 1972, à une première publication privée d’illustration. La présente étude intègre les trouvailles faites entre-temps et procure une excellente illustration des 127 documents réunis, dont un quart sont votifs — productions locales et importations, ce qui montre le peu d’importance de la sculpture en relief dans la Béotie des v^e et iv^e s. (seuls dix documents sont antérieurs à la seconde guerre médique), en dépit de la proximité de l’Attique. La fouille récente des grands cimetières d’Acraïphia (2 100 tombes ; p. 1, n. 5) et de Thèbes (1 000 tombes ; p. 3) confirme ce constat : la première n’a livré qu’une stèle sculptée, œuvre d’un sculpteur attique du dernier quart du vi^e s., Philergos (ici, n° 6), et l’autre aucune.

152Le livre commence par un gros chapitre (p. 4-137) consacré à la « chronologie et à l’évolution stylistique des reliefs béotiens », qui analyse, souvent longuement, presque tous les documents réunis, du vi^e au iv^e s. En dépit de la prudence affichée par l’a. (p. 5), qui préfère à juste titre une fourchette chronologique à une date précise, certaines datations seront contestées. La stèle de Dermys et Kitylos (MNAth 56), par exemple, cet hybride aventureux de relief et de ronde-bosse, peut-elle dater de 580-570, même si l’on taxe la Béotie d’un retard provincial ? Elle est réalisée dans un style encore complètement dédalique, ce qui n’est pas le cas du torse masculin de Moschato (MNAth 3858), seul évoqué pour justifier cette datation (p. 10), alors que Tanagra, d’où elle provient, est toute proche de l’Attique ; la décennie 600-590 ne serait-elle pas dès lors plus vraisemblable ?

153Suit un chapitre où sont regroupés divers aspects matériels des reliefs (p. 138-158) : les matériaux employés (calcaires locaux et marbres importés, essentiellement le pentélique) et la polychromie, l’évolution morphologique des plaques sculptées, les inscriptions (43 conservées), la plupart réduites au nom du défunt ou du donateur et de la divinité.

154L’iconographie est étudiée en deux chapitres. Le premier (p. 159-203) recense les figures féminines et masculines suivant leur position anatomique (assises, debout) ou sociale (jeunes filles, prêtresses, athlètes nus, hommes vêtus, enfants, guerriers, cavaliers à pied ou sur leur monture) ; un sort particulier est fait aux représentations de banquet (p. 196-203). Le second (p. 204-233) est consacré à la représentation des divinités, dans l’ordre chronologique de leur apparition : Cybèle, Pan, Hèraclès, Dèmèter, Aphrodite, Dionysos, Artémis, Zeus Meilichios, Agathos Daimôn. Il est regrettable que les reliefs dédiés à des héros (stèles à cavalier et banquet), qui sont des reliefs votifs, soient traités ici à la fin du chapitre sur les reliefs funéraires (p. 192-203), ce qui escamote cette catégorie religieuse intermédiaire, essentielle dans la mentalité grecque et bien attestée en Béotie, que sont les héros.

155Enfin, le catalogue des 127 reliefs (p. 235-358) est constitué de notices claires et complètes, où une description matérielle minutieuse tient la plus grande place. Elles se terminent par le renvoi aux passages du texte où l’objet est traité sous ses différents aspects, matériel, iconographique et stylistique, ce qui pallie partiellement l’absence d’un index général. En revanche sont fournis un index des lieux de conservation et un index des noms de personnes.

156Les 48 planches procurent une illustration d’un format parfois un peu étriqué, mais d’une qualité telle qu’elles n’en constituent pas moins un outil de travail de premier ordre.

157Ce bref résumé le montre : cette étude envisage sous tous ses aspects un matériel disparate, insuffisamment connu jusqu’à présent ; elle apporte donc beaucoup et enrichit d’une étude régionale importante la connaissance de la sculpture grecque. Elle n’en présente pas moins des défauts qui en compliquent l’usage. D’une part, il y manque un chapitre final de synthèse où, après tant d’analyses de détail, auraient été évoqués, entre autres : la position de la Béotie par rapport aux centres créateurs dont elle s’inspire ; les centres locaux de production (Thespies et Tanagra surtout) ; l’originalité qu’ils manifestent parfois dans les morphologies (stèles gravées sur calcaire noir n^os 54-65 de la fin du v^e s. ; p. 64-66 : technique graphique de haute virtuosité, qui n’appelle pas la polychromie ; p. 140 : développée par un atelier de Thèbes) et leur iconographie (le thème du cavalier sous ses diverses variantes, votives et funéraires, p. 190-196). Tout cela affleure ici et là dans le courant du volume, mais n’est pas facile à repérer en l’absence d’un index des notions, en sorte qu’on en retire l’impression que les arbres cachent la forêt. D’autre part, la composition du volume est paradoxale et en affaiblit la portée : le catalogue, qui constitue la base assurée de l’étude, ce qu’on doit tenir pour acquis et ce sur quoi, en tout cas, on ne reviendra pas de sitôt, est rejeté en fin de volume, alors que les considérations stylistiques et chronologiques, sujettes à variations et contestations comme toute interprétation, occupent la première place. Un texte moins fragmenté, où chaque œuvre dûment observée eût été aussitôt l’objet d’un commentaire iconographique et stylistique, aurait donné sans doute plus de netteté à une étude destinée à servir longtemps de référence.

158Bernard Holtzmann,

159Émérite de l’Université de Paris Ouest,

160112, rue de Richelieu,

16175002 Paris.

162bernard.holtzmann@free.fr

Machaira Vassiliki, To hiero Aphroditis kai Erôtos stin hiera odo (Bibliothèque de la Société archéologique d’Athènes, 253), Athènes, Société archéologique, 2008, 1 vol. 17 x 24, xvi + 162 p., 23 fig. ds t., 50 pl. h. t., n/b et coul. [en grec, résumé français p. 139-148]

163Ce petit livre réalise le projet qu’avait eu l’architecte J. Travlos de publier conjointement les deux sanctuaires attiques d’Aphrodite à la fouille desquels il avait participé : celui de Daphni, au pied nord du petit col franchissant l’Aegaléos, entre Athènes et Éleusis, et celui du flanc nord de l’Acropole, dont la configuration est comparable : un téménos à faible emprise architecturale, adossé à une paroi rocheuse où étaient encastrées des offrandes. Le sanctuaire de Daphni, brièvement mentionné par Pausanias (I, 37, 7), connu depuis Fauvel (1806) et fouillé par deux fois, en 1891-1892 et dans les années 1930, n’avait pas fait l’objet d’une publication systématique. Il faut donc savoir gré à l’a. d’avoir patiemment rassemblé toute la documentation disponible (p. 1-97), y compris dans les archives de J. Travlos conservées à la Société archéologique d’Athènes. La présentation nouvelle du site, depuis 2002, a permis d’en prendre en 2007 d’excellentes photos aériennes (pl. 3, 4, 6, 7, 9, 12, 14b, 15).

164L’articulation architecturale du sanctuaire (p. 18-33), dont l’a. fournit ici une description minutieuse, n’en reste pas moins incertaine : l’emplacement de l’autel et du naos signalé par Pausanias n’est pas assuré, non plus que la chronologie de l’ensemble, faute de données stratigraphiques. On peut supposer que l’enclos quadrangulaire (20 x 15 m) composé d’une cour et d’un portique constitue le noyau primitif du sanctuaire (rien d’archaïque n’est conservé). Celui-ci a été agrandi à l’est pour disposer des offrandes, au moment où celles-ci deviennent plus nombreuses et plus importantes (fin du v^e s.) : au fil du temps, trente-quatre niches seront creusées dans la paroi rocheuse pour en recevoir (p. 23-24, fig. 9, pl. 5a). Une troisième extension vers l’ouest (p. 28-30 ; fig. 11) a permis l’érection d’une petite chapelle (2,92 m entre les antes), où l’a. doute à juste titre, à la suite de S. Wide, qu’il faille voir le naos ; on peut douter également qu’elle ait été distyle in antis, étant donné son étroitesse ; les minuscules fragments d’architecture conservés (n° 42-46 et 49-61, pl. 38) n’appartiennent d’ailleurs pas à des colonnes. Aux abords immédiats du sanctuaire, de l’autre côté de la Voie sacrée, subsistent les restes d’un fortin (p. 16-17, pl. 3, 4a) signalé par Pausanias et d’une maison (?) tardive (p. 30-33, fig. 12, pl. 12) établie sur des murs antérieurs.

165Les vingt inscriptions réunies (p. 34-46) étaient connues pour la plupart : ce sont des dédicaces très simples, faites essentiellement par des femmes et au iv^e s., qui semble marquer l’apogée du sanctuaire à en juger par les offrandes sculptées en marbre, seules conservées ou retrouvées. Parmi celles-ci (p. 47-90, une cinquantaine de fragments), on remarquera la fréquence de deux types : les colombes (pl. 21 : seize exemplaires, auxquels il convient d’ajouter les deux trouvés par Fauvel, aujourd’hui à Leyde) et les reliefs représentant un sexe féminin (pl. 22 : 6 ex. ; d’autres sont perdus) — petits objets votifs attestés également ailleurs en Attique, mais nulle part en tel nombre. Quelques fragments de reliefs, de statuettes d’enfants et de statues féminines, représentant probablement Aphrodite, confirment l’impression qu’il s’agit d’un sanctuaire somme toute assez modeste qui, peut-être, n’a jamais eu de statue de culte : il serait curieux que Pausanias ne se soit pas intéressé de près à une statue de culte de la fin du v^e s. Le fait qu’un fragment de ronde-bosse (MNAth 1604) et un autre de relief (MNAth 1601) reproduisent une création maniériste de la fin du v^e s., l’Aphrodite des Jardins, ne suffit pas à prouver qu’il s’agirait là de la statue de culte ; d’autres types sont également représentés.

166La présentation du catalogue en différentes sections correspondant aux conditions de conservation et de redécouverte des fragments n’aide pas à l’appréciation globale du matériel : on peut s’étonner que la première section, consacrée aux vingt-quatre fragments inventoriés au Musée national, soit présentée dans l’ordre des numéros d’inventaire et englobe de ce fait des pièces (MNAth 1606, 1607, 1608 et 1611) qui, manifestement, ne peuvent provenir du sanctuaire, mais ont été trouvées dans sa région, également cursivement explorée à la fin du xix^e s.

167La deuxième partie (p. 99-126) est consacrée à deux « sanctuaires d’Athènes en rapport avec celui de Daphni », celui d’Éros et Aphrodite au flanc nord de l’Acropole et le sanctuaire d’Aphrodite des Jardins, au bord de l’Ilissos. Pour le premier (p. 100-124), l’a. résume les données de la fouille d’O. Broneer, dans les années 1930, et l’étude des sanctuaires du flanc nord de l’Acropole par K. Glowacki (1991), puis procure un catalogue de trouvailles sculptées, les unes faites sur place (n^os 1-10, 14 ; pl. 46-47), les autres (n^os 11-13, 15-17 ; pl. 48-50) attribuées à ce sanctuaire. Pour le second (p. 127-128), l’a. évoque très cursivement une question philologique et archéologique très débattue : l’emplacement du sanctuaire (qui n’a pas été retrouvé) et la nature exacte du culte (Pausanias I, 19, 2).

168Cette question est abordée en fait dans la troisième partie (p. 131-138) qui traite des rapports entre les trois sanctuaires. Elle commence par le rappel des cultes d’Aphrodite mentionnés par Pausanias : Aphrodite Ourania à l’Agora, Aphrodite des Jardins à l’Ilissos, Aphrodite Pandèmos en contrebas du rocher d’Athèna Nikè, Aphrodite des Jardins en ville (au flanc nord de l’Acropole), Aphrodite de Daphni. L’A. présente alors sa thèse (p. 134-138) : comme les cultes de Brauron et d’Éleusis, celui de Daphni, originel, aurait acquis une double succursale en ville, d’abord aux Jardins de l’Ilissos, puis au flanc nord de l’Acropole. Que ce dernier point de culte soit une dépendance du sanctuaire des Jardins de l’Ilissos est très vraisemblable : Pausanias l’indique (I, 27, 3) et l’appelle d’ailleurs péribolos et non pas hiéron, ce qui convient à un espace sacré sans autel, petite dépendance d’un sanctuaire pleinement constitué. En revanche, il paraît difficile de mettre sur le même plan le modeste sanctuaire de Daphni et les sanctuaires de Brauron et d’Éleusis : le désintérêt de Pausanias, qui ne mentionne à Daphni ni épiclèse ni statue de culte, alors qu’il est féru d’antiquités religieuses, et l’absence de trouvailles archaïques ne vont pas dans le sens d’un culte ancien, assez important pour s’implanter sinon en ville, du moins à ses abords immédiats, dans une zone, la vallée de l’Ilissos, saturée de cultes anciens. Dans l’état actuel des choses, il paraît plus prudent de laisser à chaque sanctuaire son autonomie et de considérer que le sanctuaire de Daphni fait plutôt partie de ces cultes de dèmes dont les calendriers cultuels du iv^e s. attestent l’extraordinaire diversité. L’intérêt de ce livre n’est-il pas, précisément, de nous présenter en détail un bon exemple de ces sanctuaires locaux dont la campagne attique devait être criblée, mais qui nous échappent pour la plupart ?

169Il faut remercier l’a. de s’être attachée à cette tâche ingrate.

170Bernard Holtzmann,

171Émérite de l’Université de Paris Ouest,

172112, rue de Richelieu,

17375002 Paris.

174bernard.holtzmann@free.fr

Jaeggi Othmar, Die griechischen Porträts: Antike Repräsentation – Moderne Projektion, Berlin, Reimer Verlag, 2008, 1 vol. 17,5 x 24,5, 170 p., 64 fig. h. t.

175Ce petit livre, issu d’un texte d’habilitation soutenu à Fribourg-en-Brisgau en 2006, propose une réflexion sur le rapport entre individu et portrait dans l’art grec — en fait dans la sculpture grecque, les portraits peints ayant, sauf cas particuliers, disparu. Quelles sont les modalités de la représentation individuelle ? Quelle part y ont respectivement la physionomie, le caractère et le statut social ? Autant dire que c’est se confronter derechef avec la polarité esthétique idéalisme-réalisme, telle qu’elle a été développée depuis Winckelmann.

176Un premier chapitre (p. 21-36) évoque la manière dont une douzaine d’auteurs, depuis la seconde guerre mondiale, de E. Buschor à R. von den Hoff, ont analysé les composantes du portrait grec. Deux positions se trouvent ainsi dégagées, avec diverses nuances : l’une, traditionnelle et majoritaire, considère qu’il résulte des trois composantes évoquées ci-dessus ; l’autre, soutenue par P. Zanker, R. R. R. Smith et R. von den Hoff, minimise la référence à la physionomie et au caractère : le portrait représenterait avant tout des valeurs sociales, indépendamment de l’apparence individuelle et des affects. Dans le premier cas, le portrait illustrerait une personne ou une personnalité, dans le second un personnage dont l’individualité serait, à la limite, affirmée plus par l’inscription accompagnant la statue que par celle-ci elle-même.

177Le propos de l’a. est de renforcer la seconde thèse, qui en a bien besoin, par une série d’arguments, commodément résumés aux p. 151-156. Les tenants de la thèse traditionnelle projetteraient sur la pratique grecque du portrait une interprétation psychologisante tributaire du christianisme et du freudisme — pratique dont quelques textes de Platon et d’Aristote montreraient qu’elle y est en fait opposée… Toutefois l’a. se demande (p. 45) si l’on doit chercher dans des pensées aussi élaborées et singulières que celle de ces deux philosophes l’explication de phénomènes sociaux ou esthétiques communs à une époque donnée — à juste titre, ce serait en effet comme invoquer Wittgenstein ou Heidegger pour expliquer l’art de leur temps… D’autre part l’a. se trouve amené à citer (p. 41) par deux fois un passage des Mémorables de Xénophon (III, 10, 8) où Socrate constate que le bon sculpteur « doit adapter à son sujet la représentation des états d’âme », ce qui montre que l’intériorité était prise en compte dès la première moitié du iv^e s. comme élément important d’une statue de mortel.

178Après avoir souligné les ambiguïtés de la polarité moderne idéalisme-réalisme appliquée aux portraits grecs en prenant pour exemple les interprétations contradictoires des portraits de Thémistocle et de Périclès (p. 46-59) et montré l’aporie à laquelle conduit, selon lui, la position traditionnelle, l’a. énonce sa propre définition (p. 63) : « Un portrait grec est une figuration de la forme humaine qui exprime le plus souvent un message social ou politique et qui est caractérisée par sa précision et sa différenciation ». Mais c’est pour se heurter aussitôt à la difficulté de définir ces éléments différenciés du langage de l’image, dont la combinatoire complexe constitue les modes de la représentation humaine. Le court chapitre (p. 61-66) où ce tournant épistémologique est pris tant bien que mal laisse l’impression que l’a. ne dispose pas des instruments conceptuels qui lui permettraient de le maîtriser.

179Les chapitres suivants sont consacrés à l’analyse, plus ou moins développée et convaincante, des trois modes principaux : la figure masculine juvénile (p. 67-85) se décline en divinités, héros, potentats, athlètes, suivant les accents différents mis dans chacune de ces variantes ; la figure masculine du penseur (p. 87-95) est commune aux « penseurs professionnels », aux « penseurs bourgeois », mais aussi à certaines figures de genre comme le Pseudo-Sénèque ; quant à la figure féminine (p. 97-135), elle comprend aussi bien les divinités, les reines, que les bourgeoises. Cependant, l’absence de contexte ou le caractère fragmentaire d’un document suffit à empêcher de le placer sûrement dans l’une ou l’autre des catégories distinguées dans les trois modes.

180Dans la sémiologie figurative ainsi esquissée l’embonpoint n’est plus un trait individuel, mais le signe de l’évergésie dans un contexte honorifique, celui de la tryphè dans un contexte divin ou royal ; le menton accentué ou le bas du front bombé le signe du pouvoir, etc. On entrevoit à quels excès caricaturaux pourrait mener cette hystérie de la signifiance socio-politique du corps grec. Pour les conjurer, il suffit de rappeler que, par bonheur, tout système est impuissant à rendre compte de l’ensemble des phénomènes ; l’a, semble d’ailleurs s’en apercevoir ici ou là, « le plus souvent », dans sa définition du portrait… Par cet interstice, l’imagination artistique grecque déborde du cadre où cet essai laborieux s’efforce de la circonscrire.

181Bernard Holtzmann,

182Émérite de l’Université de Paris Ouest,

183112, rue de Richelieu,

18475002 Paris.

185bernard.holtzmann@free.fr

Queyrel François, Le Parthénon, Un monument dans l’Histoire, Paris, éditions Bartillat, 2008, 1 vol. 12,5 x 20, 135 p., 3 fig. ds t. et 8 pl. h. t., un plan et un dépl.

186Ce petit ouvrage agréablement présenté et sobrement illustré est d’abord une déclaration d’amour de l’auteur au Parthénon. F. Queyrel, marqué par une sorte de révélation mystagogique dont il a fait l’objet et qu’on serait tenté de comparer aux initiations antiques d’Éleusis, nous fait bénéficier de sa connaissance du monument athénien dont il analyse l’architecture et la sculpture qui nous « mène à la contemplation et introduit à la révélation directe du divin ». Le propos peut surprendre, mais il n’est sans doute pas éloigné des intentions des auteurs du monument.

187La description architecturale, très concise, tient compte des derniers acquis du chantier du Parthénon. L’étude des sculptures est évidemment le terrain où F. Q. déploie avec le plus d’aisance ses connaissances ainsi que le fruit de ses réflexions. Il propose une lecture topographique très fine qui met en relation spatiale les figures divines représentées sur les frontons avec leurs sanctuaires dans la ville, aboutissant à assimiler Athènes à l’Olympe, lieu de la naissance d’Athéna. L’analyse des frises doriques souligne leur cohérence thématique. L’analyse de la frise ionique s’efforce de faire parler la scène en tenant compte aussi bien des présents que des absents (nombreux, si l’on y cherche une représentation intégrale de la procession réelle des Panathénées). La frise est lue sur plusieurs niveaux : d’abord parce qu’il y a des effets d’étagement de plans, ensuite parce que l’auteur y discerne « un dedans, un dehors et un ailleurs » . Les groupes distincts sont identifiés, de façon parfois nouvelle (par exemple quatre figures du côté sud, dont le souvenir nous a été conservé par le dessin de l’anonyme de Nointel, et en qui F. Q. propose de reconnaître les rhapsodes homériques). La frise culmine dans les scènes du côté est dont F. Q. renouvelle aussi la lecture : si les douze dieux sont représentés à côté des héros éponymes, c’est qu’ils siègent avec eux sur l’Agora, tandis que la scène de remise du peplos se déroule à l’intérieur du Parthénon, dans l’adyton. Les deux jeunes filles qui sont censées porter des coussins porteraient en fait la laine vierge destinée au prochain peplos. L’hypothèse est fort intéressante et mériterait d’être examinée à la lumière des récents travaux de C. Breniquet sur le tissage dans l’Antiquité. F. Q. conclut cette partie en proposant une interprétation globale de la frise qui en restaure la signification religieuse. Ainsi, grâce au décryptage du décor figuré auquel il s’adonne tout au long de ces pages, F. Q. découvre dans la sculpture parthénonienne une cohérence globale qui culmine dans un moment religieux vers lequel convergent hommes, héros et dieux et qui ne peut qu’avoir été voulue par les auteurs de ce chef-d’œuvre.

188La seconde partie de l’ouvrage est consacrée à l’histoire ultérieure du Parthénon, description pathétique du long supplice que l’absurdité humaine lui a infligé au long des siècles. Lord Elgin ne sort pas grandi de ces pages, mais F. Q. a le courage d’aborder aussi les débats actuels autour de la restauration du monument, du nouveau musée et du retour des marbres…

189Complété par un glossaire, une bibliographie thématique fort riche et un index, ce livre dense n’est pas vraiment une description du Parthénon, ou du moins il ne peut servir de base à une étude analytique du Parthénon : la concision du texte et la sobriété de l’illustration (de qualité, mais très réduite) le réservent à des lecteurs déjà familiers du monument et de son décor, et qui trouveront ici une abondante matière à réflexion.

190Jacques des Courtils,

191Ausonius, Université de Bordeaux 3,

192Domaine universitaire,

19333608 Pessac Cedex.

194courtils@u-bordeaux3.fr

Massa-Pairault Françoise-Hélène, La gigantomachie de Pergame ou l’image du monde (BCH, Suppl. 50), Athènes-Paris, ÉFA-Éditions et diffusion De Boccard, 2007, 1 vol. 18,5 x 24, xiv + 252 p., 106 pl. h. t.

195La citation de Chrysippe, d’après Stobée, révèle au lecteur, dès l’exergue du livre, toute la dimension que Fr.-H. Massa-Pairault donne à son étude de la gigantomachie du Grand Autel de Pergame. Le monde, c’est la divinité qui en assure l’ordre. Au-delà de l’iconographie et du style de ces sculptures, si souvent commentées, c’est la signification de la frise qui fait l’objet constant de la réflexion de l’a. Et c’est à bon droit que le chap. i s’intitule « Complexité de l’autel de Pergame », puisque tout au long de l’ouvrage c’est la situation du monument dans une topographie sacrée, ce sont les multiples éclairages d’analyses croisées des faits historiques, des mythes et des légendes, des réalités de l’astronomie qui en fournissent progressivement les clefs. L’hypothèse de travail est que, pour traduire l’utopie de la cité-royaume, tout a sens dans l’organisation urbanistique et architecturale comme dans le choix des décors. Il fallait, pour emporter le plus souvent la conviction du lecteur, non seulement beaucoup de perspicacité devant les textes littéraires, les inscriptions, les constructions, les images, les formes artistiques, mais encore une science sans défaut nourrie à la fois de la documentation antique et de la bibliographie moderne. Des premiers travaux d’O. Puchstein aux exégèses les plus récentes, tout est passé au crible. Pour ne citer que quelques noms, E. Simon, V. Kästner, W. Höpfner, Fr. Queyrel sont, tout au long de l’enquête, des interlocuteurs constants. Allant in medias res, le premier chapitre pose la question essentielle de la fonction du Grand Autel : un dôdekathéon-Euménion ? un panthéon ? En liaison avec la topographie de l’agora supérieure, avec son temple et ses autels de Zeus Sôter, Zeus Boulaios et Hestia Boulaia, lieux et instruments de culte dynastique, l’a. voit dans le monument à la fois un ensemble palatial et un hérôon des Attalides et de leur archégète Télèphe. D’utiles comparaisons avec l’autel d’Artémis Leukophryène à Magnésie du Méandre confortent la démonstration. Le Grand Autel de Pergame, autel de Zeus qui renferme dans l’enclos supérieur l’autel d’Héraclès, a été dédié au souverain de l’Olympe et au héros par Eumène, alter ego de Télèphe. La salle à abside, incluse dans les fondations, avec le paysage de grotte symbolisé par deux rochers et reconnu dans des scènes d’initiation de la Téléphie, pourrait renvoyer aux vieux cultes des Cabires, l’acropole de Pergame se situant alors dans la lignée de l’hérôon de Samothrace.

196Pour la chronologie, l’a. se rallie à une datation haute de l’autel et non pas à sa dédicace après la mort et l’apothéose d’Eumène. La difficulté de tirer des conclusions sûres du faciès céramique, les bases inscrites de la terrasse, les vestiges enfouis sous Attale I^er, l’identification du monument comme un autel de Zeus et d’Héraclès, le contexte artistique général dans le monde hellénistique, les repères fournis par des œuvres occidentales influencées par Pergame ne plaident pas pour le terminus post quem de 158. L’A. résume sa position en une formule percutante : le Grand Autel n’est pas une création fin de règne, « fin de royaume ».

197La compréhension des problèmes et méthodes d’exégèse de la gigantomachie, traités dans le deuxième chapitre, exigera du lecteur une sérieuse érudition mythologique et il vaut mieux aussi qu’il soit familier de la carte du ciel. Le raisonnement sur l’emplacement des personnages et des groupes dans la frise en fonction de la position et du mouvement des astres prend archéologiquement appui sur le dernier état de la reconstitution, après notamment les travaux de Höpfner et de Kästner. L’identification des figures elles-mêmes est source d’incertitudes, puisque les noms des dieux et des géants ont été, pour l’essentiel, emportés avec les moulures de base et les cavets au-dessus des denticules. Ni les catalogues de noms, transmis par les mythographes, ni les arguments fondés sur la proximité familiale ne permettent de résoudre les problèmes au coup par coup. C’est plutôt la savante et patiente élaboration d’un système mythologique et astronomique global qui peut conduire à une interprétation. À cet égard, les groupes d’angle revêtent une importance capitale par l’évocation des solstices et des équinoxes.

198Les chapitres iii, iv et v sont consacrés à l’interprétation des frises nord, sud et est, dont les conclusions sont à chaque fois résumées par des tableaux. Aux pl. XCV, XCVII, l’a. rappelle les propositions de lecture d’O. Puchstein, d’E. Simon et de M. Pfanner. Telles sont la richesse et la complexité de l’argumentation qu’il est ici impossible de la suivre pas à pas. À la remontée sud-ouest de l’escalier, les divinités combattantes sont identifiées comme les Hyades, « bacchantes célestes », affrontant le géant ??? (?????? ?), dont le nom est conservé par trois lettres. L’« esquisse artistique » d’I. Ladojanine visualise l’hypothèse de restitution. À proximité du combat de Dionysos, sur l’ante sud-ouest, et avec le nom de NY(?? ou ??), la montagne sainte du dieu, cet ensemble est parfaitement cohérent. Les divinités marines de l’ante nord-ouest, où la remontée d’escalier appartient elle aussi au monde de la mer, présentent un Triton en ichthyocentaure, création pergaménienne qui s’écarte de la tradition iconographique. Complétée dans certaines de ses lacunes par les récentes intégrations de Kästner, la frise nord évoque, du point de vue de l’astronomie, la saison d’hiver entre solstice et équinoxe, comme les acteurs de la frise sud illustrent l’été. Le personnage central de Nyx, « Perséphone boréale », confère sens et unité à une séquence dans laquelle les ourses fournissent des repères. Son vase au serpent lové serait alors une traduction du Verseau (Verse-Eau) et de l’eau du Styx, pour la mise en scène d’un paradoxal « Enfer céleste ». Le souci du détail, dans un ensemble où rien n’est fortuit, se manifeste encore dans le commentaire du couteau-scie, instrument de chirurgie ou de boucherie dans la main de la divinité voisine de Phobos identifié épigraphiquement (pl. XXXVII, b et XXXIX, a). De la même façon, sur la frise sud, l’héritage péloponnésien de Pergame (venant principalement d’Argolide et d’Arcadie) pourrait s’exprimer par des renvois à l’hydre de Lerne à travers le géant-hydre combattu par Théia et Séléné et à travers la dépouille du lion de Némée servant de selle à la cavalière. Mais les deux figures les plus extraordinaires de ce côté de l’autel sont assurément celles du géant léontocéphale combattu par une divinité juvénile et celle du géant-taureau. Ce dernier personnage, le fleuve chalcidien Brychiôn (?), a-t-il pour adversaire Héphaistos qui, chez Homère, affrontait déjà le Scamandre ? L’hypothèse est séduisante. Quant au géant-lion, qui d’un point de vue astral usurpe la place de la constellation royale du Lion et reflète sans doute les effets malfaisants du soleil, ses modèles sont à rechercher dans l’ancien bestiaire oriental.

199Dans la frise est, sur la façade du monument pour qui vient des propylées, les combats de Zeus et d’Athéna forment les noyaux de la représentation. Avec la reconstitution partielle d’un bloc de base par Kästner, l’identité de l’adversaire de Zeus est désormais assurée matériellement : non pas Typhon, mais Porphyrion. Athéna affronte non pas Polybotès, comme sur la coupe d’Aristophanès et Erginos, mais probablement Pallas, à qui la déesse arrache les ailes. De son côté Apollon change d’ennemi : non plus Éphialtès, mais Oudaios. Il faut bien voir la logique de ces nouvelles propositions. Bouger une pièce de l’édifice iconographique de la frise conduit, par exclusions et transferts, à le reconstruire autrement. Il peut en résulter, notamment pour Héraclès et Hermès, des espaces un peu incertains.

200La gigantomachie est également considérée comme « l’image politique du monde », ses différents épisodes étant alors actualisés à la lumière de l’histoire contemporaine des Attalides. L’A. veut ici dépasser l’allusion ponctuelle pour retrouver dans la frise une logique politique globale, centrée sur des concepts comme celui de l’Arès celtique et celui de l’antinomie entre pro et anti-Romains. Là encore, l’analyse est toute en subtilité et érudition, avec des études cumulées d’onomastique, d’ethnologie, de topographie, de physiologie et d’iconographie mythologique.

201Les passages évoquant la bataille navale de 201 près de Chios, à partir de Triton arrachant sa léontè à un géant pseudo-Héraclès, m’ont paru aussi brillants que convaincants. D’autres motifs « crypto-politiques » visent la domination séleucide en Asie Mineure. Les sanctuaires, en particulier ceux qui sont implantés aux « frontières » (tel celui de Léto à Hiérapolis), font l’objet d’une lecture symbolique dont le lecteur jugera, par ex. avec le cas du géant aux appendices « pétrifiés » (pl. LXXI, a-b) ou à propos du décor de foudres et d’étoiles sur le bouclier de l’adversaire d’Ouranos, semblable au Tydée d’Eschyle, parangon des Étoliens ennemis de Pergame. À son tour, la frise de la Téléphie est éclairée par des événements historiques comme les relations entre Eumène et Prousias de Bithynie et comme la politique d’équilibre du Sénat romain. En 1982, l’a. avait déjà consacré un important mémoire aux stylopinakia de Cyzique décrits au livre III de l’Anthologie Palatine. Cet ensemble iconographique accompagné d’épigrammes à la gloire de la reine Apollônis et de ses fils est repris au chapitre viii, dans un commentaire qu’enrichit la mise en parallèle avec la gigantomachie et la Téléphie, dans la multiple perspective mythologique, politique et cosmologique offerte dans tout l’ouvrage. Au total, les stylopinakia relus à la lumière de la nekuyia homérique constituent à la fois un système d’apothéoses et un calendrier de la Grande Année.

202Dans quelle mesure la gigantomachie de Pergame est-elle aussi un bréviaire de la philosophie stoïcienne ? En l’absence du traité perdu de Cléanthe sur les géants, l’a. s’en tient aux principes généraux de la doctrine dont on peut effectivement retrouver le reflet dans la conception globale de la frise. Les dieux combattants sont les énergies qui animent et équilibrent la vie du Cosmos, immergés dans son devenir et, en cela, différents du démiurge platonicien qui modèle le monde sans être du monde. Le commentaire du Sophiste, 247 c et suiv., est ici le bienvenu.

203Les excellentes photographies, pour la plupart empruntées aux archives de Berlin, les dessins de restitution ou « esquisses artistiques » visualisant certains groupes, un abondant matériel de comparaison viennent constamment à l’appui des démonstrations. Les vues d’ensemble graphiques des quatre côtés de la frise, procurées par U. Colalelli, sont à une échelle qui en font d’utiles plans de situation. Le texte d’une écriture précise, technique quand il le faut, est quasi irréprochable. C’est à peine si l’on y relève p. 13 un accident d’ordinateur et une parenthèse parasite ou, semble-t-il, p. 145, un lapsus à propos des divinités égyptiennes.

204Monument sans égal et sans véritable postérité : le lecteur qui aura visité l’Autel de Pergame sous la conduite de l’a. souscrira volontiers à ce jugement final. Il continuera aussi à se poser des questions. À quelle élite capable d’en saisir toutes les apparences et tous les secrets ce monument était-il destiné ? Comment, très concrètement, se sont effectués les passages entre le système bâti par les théologiens astronomes de Pergame, serviteurs de ses princes, et une maquette qui le visualisait ? Puis de cette maquette à la pierre sculptée ? Avec cette étude pergaménienne, la collection des Suppléments du BCH s’est enrichie d’un livre passionnant et de haute science.

205Gérard Siebert,

206Émérite de l’Université de Strasbourg, UMR 7044,

207MISHA, 5, allée du général Rouvillois,

208CS 50008,

20967083 Strasbourg Cedex.

210siebert.g@wanadoo.fr

Abetel Emmanuel, La gigantomachie de Lousonna-Vidy, suivie de Considérations sur la transmission du motif de l’anguipède (Cahiers d’archéologie romande, 106, Lousonna, 10), Lausanne, 2007, 1 vol. 21 x 29,5, 200 p., 82 fig. ds t. et 10 pl. h. t.

211Mis au jour en 1936 dans les fouilles du vicus gallo-romain établi au bord du lac Léman, sur le site du quartier de Vidy (Lausanne), les restes de la Gigantomachie de Lousonna n’avaient pas fait jusqu’ici l’objet d’une publication exhaustive. C’est donc avec intérêt que l’on accueille ce livre, issu d’une thèse soutenue à l’Université de Lausanne. Comme l’indique le sous-titre, l’étude principale est complétée par un essai sur la survie du thème iconographique jusqu’à l’époque contemporaine.

212Après un bref historique de la découverte, un catalogue présente les fragments de reliefs figurés (p. 11-20) : on recense le buste d’un Jupiter foudroyant, le bas de deux Géants anguipèdes occupant chacun une face d’un bloc d’angle, un fragment de combattant cuirassé, les jambes d’un cavalier nu, l’épaule d’un personnage avec une draperie flottante, la queue d’un cheval avec les restes d’un caisson de char, un fragment d’anguipède, le buste d’un personnage barbu et un fragment de motif végétal. À cette simple énumération, on perçoit la difficulté de toute tentative de reconstitution. Avant d’aborder cette étape, E. Abetel consacre deux chapitres à une étude générale de la Gigantomachie et à son traitement dans l’art et la littérature antiques (p. 21-47), étude grandement facilitée, il convient de le souligner, par les travaux de Fr. Vian (mentionnés p. 7). S’intéressant à l’origine du Géant anguipède, que Vian attribuait à l’Italie méridionale, l’a. souligne à juste titre que le lécythe de Berlin n° 3375, sur lequel le motif apparaît pour la première fois, est désormais attribué à un atelier attique ; daté de 400-375, il précède donc de plus d’un quart de siècle les premiers vases italiotes avec des Géants anguipèdes. S’interrogeant aussi sur l’introduction du Géant en Gaule (p. 40-41), l’a. privilégie une origine méditerranéenne plutôt que celtique. Ce chapitre se conclut par d’intéressantes réflexions sur les colonnes à l’anguipède qui constituent, avec les reliefs de Lousonna, les seules attestations, en Helvétie, de monuments inspirés par la Gigantomachie.

213Un quatrième et important chapitre (p. 49-81) forme le cœur de l’étude. L’A. y présente d’abord les douze monuments, de la frise archaïque du Trésor des Siphniens à Delphes aux bases de colonnes du forum sévérien de Leptis Magna, qui lui ont permis d’étayer ses propositions de reconstitution. On peut regretter que dans ce long développement sur des Gigantomachies, pour la plupart bien connues, la bibliographie soit parfois incomplète. Ainsi, pour la frise de Pergame (p. 50), l’a. aurait pu commodément renvoyer au livre de Fr. Queyrel (L’Autel de Pergame, Images et pouvoir en Grèce d’Asie, Paris, 2005) qui fait le point sur les études les plus récentes ; s’y ajoute désormais l’ouvrage de Fr.-H. Massa-Pairault, La gigantomachie de Pergame ou l’image du monde (BCH, Suppl., 50, 2007. Voir compte rendu RA supra). L’A. relève (p. 51) que certains protagonistes de la Gigantomachie de Lousonna, Mars et les Dioscures, ne sont pas identifiés à Pergame. Or, si la présence des Dioscures y reste effectivement hypothétique, l’identification du dieu de la guerre (dont on rappellera qu’à Pergame il se nomme Arès !) est bien assurée par une inscription, à l’extrémité de la frise orientale. Pour la Gigantomachie de l’Athénaion de Priène, dont la datation reste controversée, l’a. opte pour une date basse (milieu du ii^e s. av. J.-C.), au prétexte qu’on y voit un « personnage serpentipède, inconnu sur les sculptures antérieures au Grand Autel de Pergame » (p. 53). Mais quelle preuve a-t-on que les artistes pergaméniens soient les premiers à avoir sculpté des Géants anguipèdes ? La Gigantomachie d’Aphrodisias (P. L. de B., Aphrodisias IV, 2009, p. 7-59) appelle aussi plusieurs remarques : contrairement à ce que suggère l’a. (p. 55), on ne sait rien de l’édifice auquel ces reliefs, découverts en situation de remploi en deux points du site, étaient initialement destinés ; la photo reproduite à la fig. 41 est inversée ; enfin, quel que soit l’intérêt de cet ensemble, que je date de la fin de l’époque antonine, il me paraît très excessif d’écrire (p. 55) que ses scènes « égalent presque la Gigantomachie originelle de Pergame ».

214Illustrées par de belles planches regroupant fragments conservés, éléments de comparaison et reconstitutions graphiques, la plupart des propositions d’identification des reliefs de Lousonna (p. 59-77) sont convaincantes. Ma seule réserve concerne « Apollon archer » (p. 69-70) : l’absence de carquois est dirimante et les restes conservés sous le bras évoquent plus une peau d’animal qu’un pan de draperie ; il pourrait donc s’agir d’un Géant. Je souscris en revanche à l’interprétation du fragment B6 comme provenant du char de Sol plutôt que de Luna (p. 70-73) : la queue flottante près de la roue est bien celle d’un cheval, ce qui exclut un attelage de taureaux.

215L’A. s’interroge aussi sur le lien entre ces reliefs et le fanum de Lousonna, dont il souligne l’inspiration purement celtique, et tente de retracer le contexte historique de cet ensemble (p. 83-108). Analysant scrupuleusement toutes les hypothèses, il propose finalement d’attribuer la Gigantomachie au décor d’un édicule annexe qui aurait été situé devant le fanum, dispositif connu pour d’autres sanctuaires gallo-romains (reconstitution graphique fig. 60). D’après les trouvailles monétaires, le temple, dédié au culte de Jupiter et de Mercure, aurait été bâti vers 200 apr. J.-C. Bien que la présence des armées de Septime Sévère dans la région soit attestée, il est difficile de savoir si la Gigantomachie était liée à un événement précis ou si, de façon générale, elle célébrait les victoires de l’empereur tout en rappelant les attentes des populations locales à son égard. Quant à son démantèlement, bien que l’hypothèse couramment admise soit celle d’une destruction provoquée par un conflit armé, l’a., en s’appuyant sur l’examen de sources chrétiennes, suggère que les Géants anguipèdes, considérés comme des créatures dénaturées, auraient pu être victimes d’un iconoclasme chrétien. On notera qu’à Aphrodisias ils connurent un tout autre sort : alors même que le temple d’Aphrodite était transformé en église et que la population comptait une forte proportion de chrétiens, la Gigantomachie fut insérée au v^e s. dans le décor de deux fontaines monumentales.

216Ce dernier chapitre introduit la seconde partie de l’ouvrage (p. 119-150), consacrée à la survie du thème jusqu’à l’époque moderne. Après une éclipse notable au Moyen Âge — on ne trouve de Géants anguipèdes que dans de rares illustrations de manuscrits antiques —, la gigantomachie refait son apparition à la Renaissance. Remise au goût du jour par des disciples de Raphaël, elle connaît alors une exploitation politique analogue à celle qu’elle avait connue sous l’Empire romain : à Mantoue, Gênes, Udine, elle apparaît dans le décor de palais, commanditée par des princes soucieux, à la fin d’une longue période de guerres, d’honorer l’empereur Charles-Quint. Mais ces Géants, tous anthropomorphes, n’ont plus rien en commun avec les monstres anguipèdes de l’Antiquité hellénistique et romaine. Leur chute est désormais le prétexte à la représentation de corps nus, répondant à l’esthétique humaniste de la Renaissance. Les Géants baroques du xvii^e s. ne seront pas davantage figurés comme des monstres ; et il faudra attendre le début du xix^e s. pour voir reparaître les Géants anguipèdes, dans un détail du tableau d’Ingres Jupiter et Thétis (fig. 79 et pl. 10) : encore cette Gigantomachie qui orne le trône du dieu n’est-elle qu’une reproduction du motif gravé sur le camée d’Athénion, auquel le peintre a ajouté un troisième anguipède, emprunté cette fois — l’a. l’a bien reconnu — au célèbre sarcophage du Vatican. Plus pertinente du point de vue de la reprise du thème et de son exploitation est, à mon avis, la Gigantomachie qui orne le revers d’une médaille de B. Pistrucci commémorant la bataille de Waterloo (fig. 81).

217À partir de quelques modestes fragments de sculpture, c’est donc une étude très approfondie qui est présentée ici, et il faut saluer l’initiative courageuse de l’a. qui a su appréhender des champs disciplinaires aussi variés que l’iconographie classique, la philologie, l’archéologie gallo-romaine et l’histoire de l’art moderne. Il convient aussi de souligner la qualité et l’abondance de l’illustration — on relèvera notamment (fig. 28) la photographie d’un relief du temple de Zeus à Termessos, rarement illustré car difficile d’accès — ainsi que la présence de plusieurs index facilitant la consultation de l’ouvrage.

218Pascale Linant de Bellefonds,

219UMR 7041 (CNRS - Université de Paris X),

220Maison René-Ginouvès de l’Archéologie et de l’Ethnologie,

22121, allée de l’Université,

22292023 Nanterre Cedex.

223pascale.linant-de-bellefonds@mae.u-paris10.fr

Kunze Christian, Zum Greifen nah, Stilphänomene in der hellenistischen Skulptur und ihre inhaltliche Interpretation, Munich, Verlag Biering & Brinkmann, 2002, 1 vol. 24 x 32, 280 p., 30 pl. h. t.

224Cet ouvrage bien présenté, où les notes occupent souvent un espace supérieur à la moitié de la page (1 598 notes pour 280 pages), est la version remaniée, jusqu’en 2000, d’une « Dissertation » présentée en 1994/1995. Chr. Kunze définit dès la première phrase son but : « le présent travail a pour objet les particularités formelles de sculptures hellénistiques ainsi que les implications et accentuations intrinsèques qui sont liées aux phénomènes formels étudiés ». Le sous-titre de l’ouvrage rappelle aussi l’objet de l’étude et permet de comprendre le sens du titre : « proche à toucher ». Le travail de Kunze est ambitieux, mais prenons-le le plus simplement possible pour voir ce qu’il apporte de nouveau.

Stanwick Paul Edmund, Portraits of the Ptolemies, Greek Kings as Egyptian Pharaohs, Austin, University of Texas Press, 2002, 1 vol. 22 x 29, xx + 236 p., 238 fig. h. t.

253Cet ouvrage sur les portraits des Ptolémées en pharaons est écrit par un égyptologue qui utilise des notions de la civilisation égyptienne pour analyser cette iconographie. Il note d’emblée une influence grecque à l’époque hellénistique sur ces œuvres tout en insistant sur les problèmes que posent les portraits de Lagides en pharaons, à la fois pour l’identification et pour la reconstitution du contexte d’exposition.

254La chronologie de l’Égypte révèle l’importance des traditions locales (p. xvii-xviii) : les trois siècles de la dynastie lagide s’insèrent dans trois millénaires d’histoire égyptienne. Le point de vue de Sirius adopté par P. E. Stanwick se retrouve dans sa perception de la géographie : les Ptolémées regarderaient vers la Grèce, vers l’Asie, vers Rome et vers l’Égypte au sud (p. 1) : ce n’est pas faux, mais il faudrait au préalable souligner que ce regard n’est en rien source de contradictions, car les Lagides se présentent comme les héritiers du dessein d’Alexandre. La présentation volontairement schématique qu’adopte l’a. ne doit pas détourner d’une approche plus précise — et peut-être plus exacte et moins anachronique — de la situation des Lagides. Il conviendrait notamment de s’interroger sur la notion de propagande, qui demande à être définie et cernée exactement en rapport avec les moyens de diffusion et les destinataires auxquels elle s’adresse, en un temps et un lieu donnés.

255La question des portraits de Lagides en pharaons est posée clairement depuis l’exposition de 1960 avec le catalogue Egyptian Sculpture of the Late Period, 700 B.C. to A.D. 100, qui a jeté les bases d’une étude stylistique. En 1988, R. S. Bianchi, dans le catalogue Cleopatra’s Egypt, rejeta toute influence grecque sur la sculpture égyptienne ; pour l’étude des portraits de style grec, l’ouvrage de H. Kyrieleis est cité par l’a., qui devrait plus précisément présenter le point de vue adopté dans ces Bildnisse der Ptolemäer : Kyrieleis insiste sur la formation en Égypte d’une esthétique hybride au cours du temps ; cette étude stylistique, qui confronte documents numismatiques et plastiques, analyse les rapports entretenus dans un monde fermé entre l’image royale introduite par les Gréco-Macédoniens et une égyptianisation où l’on décèle un signe de l’affaiblissement des influences helléniques. Enfin, des découvertes récentes ont attiré l’attention sur les portraits de Lagides en pharaons : dans sa préface, l’a. insiste sur le caractère spectaculaire des trouvailles sous-marines faites par J.-Y. Empereur et Fr. Goddio, respectivement à Alexandrie en 1994-1995 et dans la baie d’Aboukir, sur le site de l’antique Héracleion.

256Les définitions des notions utilisées pour l’iconographie lagide sont rapidement présentées à partir du commentaire des décrets des prêtres pris lors de synodes nationaux (tabl. 2.1, p. 7) : on y trouve la mention d’images « à la manière égyptienne », ce qui, me semble-t-il, aurait dû retenir davantage l’attention de l’a. ; cette expression traduit une claire conscience de la distinction entre iconographie de style égyptien et iconographie de style grec. À partir de cette distinction, il aurait été utile d’approfondir les différences de perception du portrait royal suivant le public auquel il est destiné. Il n’aurait pas non plus été inutile d’insérer le développement précoce de l’iconographie de style égyptien dans la tradition égyptienne, pour souligner le rapport exact qu’elle entretient avec la tradition : les Lagides renouent-ils ou non avec une tradition immédiatement antérieure à la conquête d’Alexandre ? L’A. donne un certain nombre de définitions en insistant sur le terme d’eikôn, qui signifie « image », pas forcément « statue » : l’eikôn peut être en bas relief. Deux autres catégories apparaissent : l’image de culte de petite taille (le xoanon), abritée dans le temple et promenée en procession lors de fêtes, et les statues colossales en pierre.

257Un développement présente de manière utile ce que l’on peut reconstituer du processus de fabrication des portraits colossaux de style égyptien sous les Lagides : le sculpteur se rend dans les carrières de granit d’Assouan pour les images du pharaon et de la reine (p. 11 ; voir p. 14, n. 63). Pour le calcaire, de multiples ateliers se consacraient à la production d’effigies de taille le plus souvent réduite.

258La présentation d’Alexandrie se résume en un survol rapide entaché de quelques erreurs. L’A. insiste à juste titre sur l’importance des trouvailles du Sérapieion, mais il estime que Ptolémée IV et Arsinoé III étaient synnaoi de Sérapis et d’Isis, ce que les inscriptions de fondation ne permettent pas d’affirmer (p. 16). On renverra maintenant à la publication de l’architecture par M. Sabottka, qui date notamment l’autel de Ptolémée II et d’Arsinoé II entre 278 et 270 (M. Sabottka, Das Serapeum in Alexandria, Untersuchungen zur Architektur und Baugeschichte des Heiligtums von der frühen ptolemäischen Zeit bis zur Zerstörung 391 n. Chr. [Ét. alexandrines, 15], Le Caire, 2008, p. 50-64, pl. 15-18). L’A. relève que la présence d’Aegyptiaca pré-ptolémaïques à Alexandrie amène à poser la question de la date de leur transport dans la ville (à l’époque lagide ? à l’époque impériale ?) et à s’interroger sur le cadre architectural de leur exposition. Il rappelle qu’Héliopolis, pillée par Cambyse à la fin du vi^e s., a pendant longtemps servi de lieu d’extraction de blocs égyptiens ; sous l’Empire, les matériaux de construction de l’Iseum Campense à Rome ont transité par Alexandrie, mais l’intérêt pour les productions traditionnelles de l’Égypte est bien attesté aussi sous les Lagides, comme en témoigne l’histoire des Pharaons commandée à Manéthon pour les Grecs. L’A. pourrait en tirer cette conclusion : à Alexandrie, le public des Aegyptiaca était grec sous les premiers Lagides. Pour les portraits colossaux de style égyptien, s’agit-il d’une catégorie particulière d’Aegyptiaca ? Comment expliquer leur exposition à Alexandrie ? La question est liée à la reconstitution du cadre architectural : était-il de style égyptien ?

259On attendrait à cet égard une discussion plus développée sur les trouvailles sous-marines faites à l’emplacement du Phare d’Alexandrie, même si le débat, alimenté d’éléments nouveaux depuis la publication de l’ouvrage, n’est pas clos : les statues (un couple de 10 m environ de haut et deux autres couples colossaux plus petits) étaient-elles disposées de part et d’autre de l’entrée ou étaient-elles à l’intérieur du Phare ? Le Phare peut en tout cas difficilement passer pour une construction de style égyptien. Il conviendrait aussi que l’a. distingue soigneusement les vestiges de style égyptien de ceux de style grec. Le temple construit sous Ptolémée III pour le culte royal à Hermopolis Magna est de style grec et l’on a même retrouvé une statue féminine de reine trônant, peut-être de Bérénice II, qui est de style grec et faisait sans doute partie du groupe cultuel.

260Un certain nombre d’identifications de portraits paraît presque arbitraire ; il en va ainsi des statues colossales en Osiris et Isis d’Hadra (pl. 151-154) qui figureraient Ptolémée XII et Isis. Dans les œuvres de style grec, le refus d’identifier les deux têtes de Boston comme Ptolémée IV et Arsinoé III se fait sans véritable démonstration. Pour identifier les portraits sculptés, l’a. recourt à des indices tirés des caractéristiques physionomiques et de l’analyse stylistique. Cependant la comparaison avec des documents de style grec comme les portraits monétaires ou glyptiques ne va pas sans poser des problèmes et, pour le style, les critères de datation me paraissent subjectifs et variables. Le pourcentage de 15 % d’œuvres datables me semble aussi arbitraire et il faut souligner que le phénomène du portrait posthume, oublié, vient compliquer encore le tableau.

261Sur la tête du musée de Milan qui vient de Medinet Madi (Kat. D 19, fig. 145-146), on consultera maintenant E. Christof, Das spätptolemäische Königsbildnis in Mailand « Inv. E 0.9.4075 », dans Thiasos, Festschrift für Erwin Pochmarski zum 65. Geburtstag, Vienne, 2008, p. 109-115, qui y reconnaît une œuvre chypriote d’époque archaïque retravaillée à l’époque hellénistique pour en faire un portrait de roi lagide, peut-être de Ptolémée IX. En fait cette tête n’a pas forcément été apportée en Égypte lorsque Chypre était possession lagide : il peut s’agir d’une importation de l’époque archaïque, quand Naucratis était l’emporion où étaient établis des commerçants, notamment grecs et phéniciens. Les traces de retravail sur cette tête me paraissent difficiles à discerner, si bien que cette tête n’a sans doute rien à voir avec un portrait lagide.

262Pour étudier les éléments du langage visuel de cette iconographie royale, l’a. recense les attributs traditionnels que portent les statues de rois et de reines. Pour le triple uraeus, il note avec raison que c’est un signe de divinité, au contraire de la théorie d’Ashton qui y a vu un attribut spécifique de Cléopâtre VII. Une remarque importante a trait à la figuration des mèches de cheveux qui se répand à la période hellénistique, même si des portraits inscrits au nom de Ptolémée II ne les présentent pas. Une discussion aurait dû porter sur Ptolémée II. L’inscription au nom de Ptolémée II peut-elle résulter du remploi d’une effigie plus ancienne ? Ne peut-il y avoir de portrait posthume de Ptolémée II qui présente le détail des mèches ?

263Ce livre traite un peu rapidement d’un sujet important qui touche aux rapports entre monde grec et civilisation égyptienne. Il offre un catalogue organisé chronologiquement qui inclut les portraits d’empereurs en pharaons. La matière rassemblée permettra sans nul doute de reprendre la question de manière plus élaborée.

264François Queyrel,

265École pratique des Hautes Études, INHA,

2662, rue Vivienne,

26775002 Paris.

268francois.queyrel@ephe.sorbonne.fr

Kassab Tezgör Dominique, Tanagréennes d’Alexandrie, Figurines de terre cuite hellénistiques des nécropoles orientales, Musée gréco-romain d’Alexandrie (Études alexandrines, 13), Le Caire, IFAO, 2007, 1 vol. 20 x 27,5, ix + 500 p., 87 pl., 2 plans h. t.

269À travers l’étude des figurines grecques en terre cuite d’époque hellénistique conservées au Musée gréco-romain d’Alexandrie, D. Kassab-Tezgör, dans ce bel ouvrage à l’édition soignée, a pour objectif de proposer une synthèse de la coroplathie grecque de cette cité, objectif justifié par la grande homogénéité des figurines, provenant d’un seul centre de production, Alexandrie. Ces œuvres sont également issues d’un même contexte, celui des nécropoles orientales datant du dernier quart du iv^e s. au premier quart du ii^e s. av. J.-C. Renouvelant les travaux déjà fort précieux d’E. Breccia (BSAA, 8, 1905, p. 55-100, et 9, 1907, p. 35-86, Monuments de l’Égypte gréco-romaine, 1934), cette publication, qui fut un des dossiers de la thèse d’État soutenue par l’a. en 1993 sous la direction de Cl. Rolley, a l’ambition de réunir trois familles de publications coroplathiques : le corpus de musée, l’examen de matériel issu de fouilles et l’étude thématique. Le plan de l’ouvrage montre bien qu’il se fonde en premier lieu sur l’examen rigoureux des œuvres : le catalogue est écrit sur 164 pages (p. 39-203) et s’appuie sur 76 planches de bonne qualité. Il est seulement précédé par une courte première partie consacrée à la description des contextes et aux datations qu’ils induisent (p. 13-35), et il est logiquement suivi de l’étude d’ensemble qui détaille, après un très bref chapitre sur « les thèmes alexandrins », les conditions et les techniques de fabrication de la riche production artisanale de cette cité (p. 207-359). Un glossaire, des index et une bibliographie complètent cette édition.

270Les multiples angles de l’étude semblent avoir influé sur la définition du corpus, justifié en introduction. Le sujet du livre est la production grecque, P. Ballet devant de son côté publier les figurines gréco-égyptiennes du musée. Le titre de l’ouvrage semble impliquer qu’il s’agit uniquement de tanagréennes, terme que l’a. utilise « exclusivement pour qualifier les types de femmes drapées » (p. 2). Mais, si le catalogue contient 70 % de tanagréennes, il traite également des garçons à la causia et des petites filles au diptyque, des sirènes et des musiciens, dont certains montrent des caractéristiques éloignées de la production grecque. En effet, à côté de l’objectif de se concentrer sur les types grecs, celui d’étudier le matériel des nécropoles orientales a conduit l’a. à prendre en compte des « types égyptisants », à savoir les types grotesques ou ethniques (n° 182 ou 192), des figures du panthéon égyptien (n° 171), et même une figurine de type séleucide (n° 111).

271Pourtant, à l’intérieur même du matériel provenant des nécropoles, l’a. opère une sélection de pièces. Le choix s’est porté sur des figurines de préférence inédites (plus d’une trentaine), celles dont le contexte était précisément connu, les spécimens d’une même série et, enfin, « les figurines isolées lorsqu’elles comportent une particularité thématique, technique ou stylistique intéressante » (p. 5). Néanmoins, des pièces appartenant à des types voisins de ceux du catalogue ne sont pas publiées par l’a. et certains ensembles funéraires sont réduits à quelques figurines choisies (ensembles 42 et 43). Au vu du fin examen des œuvres cataloguées, on peut regretter que le matériel n’ait pas été pris en compte dans sa totalité, l’idée de contexte archéologique s’accommodant difficilement d’un tri effectué à une autre époque ou selon d’autres critères.

272La reconstitution des contextes d’œuvres sorties de fouilles au xix^e s. et au début du xx^e s. a été l’un des principaux objets des derniers travaux importants sur la coroplathie, afin de mieux comprendre la signification et la fonction des figurines, et de proposer une datation dépassant les considérations purement stylistiques (cf. D. Graepler, Tonfiguren im Grab, 1997). Dans le cas d’Alexandrie, la reconstitution de 80 tombes, dont 44 conservaient des figurines, est ici réalisée grâce à un travail minutieux, croisant les rapports de fouilles, les publications d’E. Breccia et les inventaires (chap. i). Le chap. ii, fort instructif, livre pour chacune des sépultures nommées « ensemble » la liste des objets découverts. L’hétérogénéité et les lacunes des sources ne permettent malheureusement pas toujours de savoir si la recension des pièces est exhaustive ou si elle est déjà le résultat d’une sélection (les 13 premiers ensembles n’offrent ainsi que des figurines). Très peu de précisions sont données pour le matériel autre que coroplathique : les céramiques et les lampes sont uniquement dénommées, sans aucune précision sur leur typologie précise ou leur datation. Or la construction du chapitre montre bien que l’enjeu essentiel pour l’a. est d’apporter des éléments de chronologie. En effet, elle souligne à raison que l’étude stylistique est fort mal adaptée pour offrir une datation aux pièces issues de moulage (p. 16-20). Aussi, pour la production des figurines, seule une fourchette chronologique large, selon la période d’occupation des nécropoles, peut être apportée : 331-200 av. J.-C. pour Chatby, 275-225 pour Ibrahimieh, 275-200 pour Hadra et 250-100 pour Ezbet el-Makhlouf.

273En permettant de resituer 109 figurines à l’intérieur des sépultures, la reconstitution des contextes peut surtout éclairer leur signification. Le court chap. vii recense les thèmes alexandrins en dégageant la prédominance des représentations profanes sur les rares figures appartenant au monde divin (Artémis, Éros, Héraclès, Harpocrate, Hermaphrodite ou des sirènes). L’A. évoque ensuite rapidement la signification funéraire des figurines qui lui semble établie, sans que la reconstitution des sépultures ne lui apporte d’éléments nouveaux. Ainsi la question de la participation de ces œuvres aux rites de passage dans l’au-delà, fréquemment abordée ces dernières années et annoncée en quatrième de couverture, n’est pas étayée à l’intérieur de l’ouvrage. Les données fort utiles rassemblées ici pourront amener, dans d’autres publications, des discussions sur le niveau social des défunts, sur le rapport possible entre le matériel et le sexe ou l’âge du défunt (l’ensemble 44 est celui d’un enfant), comme sur le lien des figurines à l’intérieur d’un même ensemble. On remarque ainsi que certains ensembles offrent un matériel très homogène, uniquement composé de femmes drapées (n^os 3, 20, 21, 23), alors que d’autres intriguent par l’assemblage original de leurs thèmes (n^os 13, 42, 43).

274L’attention, dans cet ouvrage, porte en réalité d’abord sur les objets, et c’est au sujet de leur technique de fabrication que son apport est essentiel. Le catalogue propose pour chacune des 272 figurines les données attendues, suivies d’un commentaire portant sur la technique, le style de l’œuvre et l’analyse du groupe et de la série auxquels elle appartient, commentaire à chaque fois annoncé par des symboles (?, ?, ?). Pour mieux rendre compte des séries, chaque notice est de surcroît introduite par des signes (+, +1, //), qui placent les exemplaires les uns par rapport aux autres selon qu’il s’agit de figurines de même série, de surmoulages ou de moules parallèles. Mais ces signes, qui rendent parfois la lecture un peu ardue, ne mettent pas tout à fait en valeur ces séries dont la détermination est pourtant un des objectifs premiers de l’a. et l’une des contributions les plus intéressantes de l’étude. En effet, le classement des objets à l’intérieur du catalogue se fait non par types mais en fonction de contextes déjà exposés au chap. ii. Or de nombreuses pièces restant sans provenance précise, ce classement est régulièrement rompu pour suivre une autre logique : des figurines introduites par le signe ?, indiquant qu’elles ont été découvertes hors contexte, s’intercalent au sein des ensembles si leur proximité typologique l’autorise. Au final, il n’est donc pas toujours facile de suivre les regroupements, de comparer les exemplaires et de retrouver certains types originaux trouvés hors des ensembles.

275Le catalogue est suivi d’une synthèse sur les pratiques des ateliers d’Alexandrie à l’époque hellénistique, développée au chap. viii pour la fabrication d’une figurine, au chap. x sur les procédés de multiplication des modèles, et au chap. xii sur les artisans et leur clientèle.

276L’usage du moule, attesté pour l’essentiel des figurines d’Alexandrie, a permis une production riche et diversifiée, à la généalogie complexe. Le vocabulaire devant rendre compte de cet artisanat antique revêt dès lors une importance capitale. Depuis les premiers travaux précurseurs de R. Nicholls (ABSA, 47, 1952, p. 217-226), un effort de normalisation et d’harmonisation a été entrepris, afin qu’un langage commun puisse rendre compte d’une réalité variant fortement en fonction des époques et des sites de production. Un lexique multilingue systématique, clair et rigoureux a été édité par A. Muller (dans Le moulage en terre cuite dans l’Antiquité, Actes du colloque de Lille, 1995 [1997], p. 437-460) : l’approfondissement de certains points, en particulier sur la finition des figurines, a amené l’a. à enrichir celui-ci, mais elle en a également modifié de très nombreux termes, au risque de troubler les lecteurs et de laisser certains étudiants désarmés. Ainsi, des termes identiques recouvrent des réalités différentes d’un vocabulaire à l’autre (thème, type, version, variante, réparage) et des réalités identiques reçoivent des dénominations distinctes (le terme de composant préféré ici à abattis). De même, certains détails sont abandonnés (caractéristiques de facture et de production) et d’autres sont au contraire ajoutés (application, habillage, pli symptomatique, vacuole, concrétion, avec pour ce terme un usage à contre-courant du sens habituel).

277Une synthèse claire des procédés de fabrication d’une figurine est proposée, à partir du moulage jusqu’au « coloriage », en soulignant à chaque fois les particularités des ateliers d’Alexandrie. L’emploi d’un seul moule d’avers, auquel était ajoutée une simple plaque modelée avec un petit trou d’évent circulaire, pincée au niveau du cou, y est majoritairement attesté. Les accessoires ou attributs étaient moulés alors que seules des applications destinées à compléter la coiffure ou la parure étaient rapportées. Après la cuisson, les statuettes étaient recouvertes d’une préparation, que l’on ne peut pas appeler couverte dans la mesure où elle n’était pas cuite. La polychromie bien conservée de certaines figurines, qui constitue aussi l’originalité de la production d’Alexandrie, fait l’objet d’un exposé listant les couleurs et les différents décors.

278Grâce au moule et au surmoulage, les figurines en terre cuite donnèrent lieu à une production de série expliquée au chap. x. En effet, à partir d’un prototype inspiré d’un archétype, première représentation d’un type iconographique, découle mécaniquement une série qui peut regrouper des « variantes » ou des « variables ». Afin d’expliquer, sur les figurines dites de première génération, les différences dues au moule, l’a. suppose l’existence d’un moule-mère pris directement sur le prototype initial et destiné à être conservé dans les archives de l’atelier. Ces moules-mères produisaient des prototypes intermédiaires servant à la prise de nouvelles empreintes pour constituer des moules de travail destinés à la production de masse. C’est l’exemple des pratiques des santonniers de Provence qui a inspiré cette hypothèse, bien qu’aucune découverte archéologique ne vienne pour le moment étayer l’hypothèse d’archives d’ateliers. De même, aucun élément ne vient corroborer l’idée, avancée prudemment par l’a., que le prototype serait cru et donc trop fragile pour servir à de nombreuses empreintes. Il nous semble, suivant par là S. Huysecom-Haxhi (dans sa recension : Histara - Les comptes rendus, 250), que cela revient à ne pas comptabiliser la première génération, nommée ici « phase occultée ». Si, d’après l’a., la prise d’empreinte et la multiplication des surmoulages affaiblissent la qualité des tirages, l’existence de ce moule-mère suppose de plus que le premier exemplaire vendu, issu d’un surmoulage, soit déjà nécessairement de moindre qualité.

279La généalogie de certaines figurines se comprend mieux à la lecture du chap. xi, qui s’attache à l’étude approfondie de douze groupes iconographiques. Pour ce faire, l’a. a rapproché les figurines du catalogue d’autres pièces à la provenance assurée, conservées au Musée du Louvre et dans les musées d’Athènes, qui ont été directement examinées et très souvent illustrées ici (pl. 82-87, où l’absence de légende est problématique). Le code de présentation de ces séries est assez complexe, mais il témoigne de la difficulté « à rendre compte […] de l’extraordinaire écheveau des filiations » signalé par A. Muller (1997, p. 451). Pour chaque groupe iconographique, des tableaux permettent de lire parfaitement la généalogie des séries. On y saisit alors mieux les modifications et les altérations des œuvres lors des surmoulages, l’inventivité des artisans apportant de très nombreuses variantes et les impératifs d’une production de masse. Mais, plus intéressant encore, on peut y lire les circuits de diffusion des œuvres, la plupart des séries trouvées en Égypte débutant à Athènes ou en Béotie. Cette étude, à la méthodologie précieuse, mériterait un prolongement exploitant d’autres centres producteurs comme la Cyrénaïque et l’Italie, afin de proposer une carte des échanges entre cités à l’époque hellénistique.

280Le rapprochement avec Athènes est un des éléments essentiels de l’étude stylistique du chap. ix, qui, ajouté à des considérations techniques, permet à l’a. de classer les figurines en trois catégories : les pré-tanagréennes, fabriquées à Alexandrie à partir d’importations attiques ; les tanagréennes, qui constituent l’essentiel de la production au iii^e s. av. J.-C. ; enfin les post-tanagréennes, plus petites et aux drapés simplifiés, issues de prototypes locaux. Un lien fructueux peut être opéré entre cette catégorie et l’ensemble funéraire 41, une tombe d’enfant dont les douze figurines présentent une grande homogénéité stylistique.

281Ce catalogue des figurines du Musée gréco-romain d’Alexandrie nous offre donc une riche étude sur la production coroplathique de cette cité et une synthèse essentielle sur les points fondamentaux de la technique de ses artisans. Mais ce sont aussi, à travers la restitution des contextes funéraires et la reconstitution des groupes iconographiques, des perspectives de recherche stimulantes qui nous sont proposées.

282Néguine Mathieux,

283Musée du Louvre, DAGÉR,

284CNRS, HALMA-IPEL UMR 8164,

28534-36, quai du Louvre,

28675058 Paris Cedex 01.

287neguine.mathieux@louvre.fr

Hadji-Minaglou Gisèle, Fouilles franco-italiennes, Tebtynis IV, Les habitations à l’est du temple de Soknebtynis (FIFAO, 56), Le Caire, IFAO, 2007, 1 vol. 24,5 x 32, xvi + 250 p., dessins ds t. et 141 pl. photogr. h. t.

288La publication du vol. IV des fouilles franco-italiennes du bourg égyptien de Tebtynis complète la connaissance d’un site hellénistique et romain de première importance, développé sous Ptolémée II dans le cadre de son programme de mise en valeur de la chôra égyptienne, et en particulier de la région du Fayoum. Les travaux de l’équipe dirigée par Cl. Gallazi ont déjà donné lieu à l’édition de trois volumes, consacrés au quartier de la chapelle d’Isis-Thermouthis, à une série d’inscriptions sur ostraca et au sanctuaire du dieu principal de la ville, le crocodile Soknebtynis, « Sobek maître de Tebtynis ». Le quartier étudié ici se trouve à l’est du temenos du temple de Soknebtynis et au sud d’un dromos large de 14 m, situé immédiatement au sud de la chapelle d’Isis-Thermouthis. Ce dromos menait du temple de Soknebtynis à un autre temple, dédié à Tefresudj(ty ?). La fouille s’est poursuivie dans ce secteur de 1989 à 1992 et a mis au jour une zone d’habitation qui s’étend au sud jusqu’à la zone du poste des eremophylakes, la police du désert. Au cours de ces quatre campagnes, dix-huit habitations réparties sur environ 1 250 m² ont été fouillées. Ces habitations sont édifiées sur trois niveaux : le plus récent date du ii^e s. apr. J.-C. environ et comprend dix maisons qui couvrent l’ensemble de la surface fouillée. Un niveau intermédiaire, occupé au ii^e s. av. J.-C., comporte quatre habitations, les ruines de deux autres et des structures isolées. Enfin, le niveau inférieur, sur le sable naturel, est daté du iii^e s. av. J.-C. et comporte trois maisons.

289Un avant-propos (p. ix-xiii) replace le volume dans le projet d’archéologie urbaine de Tebtynis, qui se poursuivra par la publication par G. Hadji-Minaglou des habitations de l’enclos des eremophylakes et des maisons des exopylitai, personnels des nécropoles qui vivaient en dehors de l’agglomération. Une introduction (p. 1-7) présente ensuite de manière synthétique l’ensemble du secteur de la fouille, couche stratigraphique par couche stratigraphique, et expose les objectifs de la publication : proposer une étude archéologique et stratigraphique des habitations mises au jour, une description de leur fonctionnement architectural et une situation dans leur contexte urbain. La première partie de l’ouvrage — sept chapitres — est consacrée à la description et à l’étude des habitations parcelle par parcelle. Ces chapitres sont structurés de manière identique : une première partie (I) est consacrée à l’étude descriptive des vestiges, en allant du niveau le plus récent au plus ancien — un choix de présentation qui fait parfois difficulté, dans la mesure où, à l’intérieur de chaque niveau, c’est une présentation chronologique inverse qui est adoptée, du plus ancien au plus récent. L’étude s’accompagne à chaque fois d’une série de figures comprenant : le plan et la coupe diachroniques de l’îlot ou de la maison concernés ; les plans conservés et restitués des rez-de-chaussée des maisons, phase par phase ; le plan des différents étages et sous-sols des habitations, des escaliers et des cours ; éventuellement une coupe de l’élévation des murs. L’A. renvoie également à des planches de photographies, prises pendant la fouille par elle-même et en fin de fouille par J.-Fr. Gout. Une deuxième partie (II) propose une stratigraphie et une datation de la maison ou du groupe de maisons et de son contexte urbain. Elle est accompagnée de schémas stratigraphiques et de leurs plans de situation. La présentation adoptée permet de mettre en relief les transformations de l’organisation spatiale des habitations successives et retrace leur insertion dans le réseau de voirie, grâce à la stratigraphie des axes de circulation. Des comparaisons avec d’autres sites du Fayoum permettent de proposer des restitutions utiles et de mettre en valeur la spécificité ou l’originalité des rues et des édifices étudiés (ainsi, la comparaison avec Karanis pour le plan en L du corps principal de la maison 5300 II, unique à Tebtynis, p. 19). Un huitième chapitre propose enfin une synthèse (I) sur le tissu urbain du quartier et son évolution dans le temps, étudiant de manière globale sa topographie et son urbanisme, ainsi que (II) sur l’évolution architecturale des maisons du quartier, en se fondant sur une comparaison des plans des édifices contemporains, à Tebtynis et sur les autres sites connus du Fayoum ; l’a. propose pour finir (III) une étude des spécificités fonctionnelles et techniques des différentes parties des maisons : entrée et vestibule, pièces d’habitation et de séjour, escalier intérieur, pièces de service et espaces de stockage, cour. On regrettera l’absence d’index et une bibliographie un peu sommaire (p. xv-xvi).

290Cet ouvrage contribuera de manière indéniable à nourrir les réflexions amorcées ces dernières années dans le domaine de l’archéologie urbaine antique en Égypte gréco-romaine, et ce sur trois plans. Dans le domaine de la connaissance des villages du Fayoum, tout d’abord, il complète la synthèse de P. Davoli sur l’archéologie urbaine de la région en l’enrichissant d’un dossier nouveau, portant sur six siècles d’occupation d’un quartier d’un village égyptien et de transformation de son tissu urbain. Dans ce domaine, les fouilles sont peu nombreuses, en particulier pour l’époque hellénistique — l’a. se fonde essentiellement sur la comparaison avec les sites de Soknopaiou Nèsos et Philadelphie. Les historiens disposent ainsi désormais d’un nouvel outil d’analyse du dispositif de mise en valeur du Fayoum à l’époque hellénistique, qui permettra d’affiner la réflexion sur les projets de Ptolémée II et des premiers Lagides en Égypte. Ce quartier de Tebtynis a en effet été érigé sur une surface presque vierge, au iii^e s. av. J.-C., en même temps que le temple de Soknebtynis ; à l’instar de Philadelphie, Dionysias et Karanis, le village a été développé dans une perspective d’exploitation agricole intensive et était une pièce maîtresse du dispositif lagide. Mais, contrairement à ce que l’on a pu constater dans le cadre de certaines fondations coloniales grecques dès l’époque archaïque (Mégara Hyblaea) ou dans le Fayoum, à Philadelphie, construite à la même époque ex nihilo pour accueillir des vétérans, on ne discerne pas de véritable plan d’ensemble à Tebtynis à l’époque hellénistique. Comme dans la plupart des villages du Fayoum, son plan s’organise essentiellement autour du temple principal, véritable pôle de développement urbain. L’A. envisage en conséquence différents modèles de développement urbain dans le Fayoum, distinguant des villages comme Philadelphie, implanté au iii^e s. et développé par la suite selon un schéma hippodamien, et d’autres agglomérations, comme Soknopaiou Nèsos et Tebtynis, fondées à l’époque hellénistique sans plan urbain précis, ou qui se sont développées à l’époque des Ptolémées sur des structures urbaines pharaoniques préexistantes.

291Mais la publication du dossier de Tebtynis contribue également à une dynamique de réflexion plus vaste sur l’urbanisme antique, portant en particulier sur la rue et sur l’interface entre l’espace public et le domaine privé. Des pistes ont été présentées en 2006 lors d’un colloque à Poitiers (actes publiés : P. Ballet, N. Dieudonné-Glad, C. Saliou dir., La rue dans l’Antiquité, Définition, aménagement, devenir, Rennes, 2008), qui trouveront dans ce volume des confirmations et des éléments nouveaux. C’est en effet à une réflexion sur l’organisation et l’aménagement de l’espace urbain et sur son vécu quotidien que doit conduire une telle entreprise : permettre d’appréhender un village à travers ses rues, ses habitants et ses passants, ses maisons. Peu de voies semblent avoir été véritablement « tracées » à Tebtynis sur une emprise réservée, dans le cadre d’un projet collectif, et, bien souvent, la rue apparaît comme un espace résiduel entre les parcellaires constructibles. Elle semble n’avoir que rarement fait l’objet d’un aménagement propre. Le dossier de Tebtynis devrait donc permettre de poursuivre la réflexion entamée grâce à la documentation papyrologique dans le domaine de la réglementation du partage entre l’espace bâti et l’espace public de circulation. On constate en effet à Tebtynis une tension permanente entre espace privé et espace public : à l’époque romaine, l’annexion d’une rue et sa fermeture par une extension de l’habitat est fréquente (chap. iv).

292Enfin, l’a. rassemble une base de données architecturale inédite et étudie les transformations des plans de dix-huit maisons, sur six siècles. Elle dresse une ébauche de typologie, qui complète les travaux de M. Nowicka sur la maison privée d’époque gréco-romaine et enrichit considérablement la documentation disponible, jusqu’ici limitée aux maisons romaines de Karanis et de Soknopaiou Nèsos. La synthèse porte en particulier sur les aménagements spécifiques de l’habitat, les dimensions, la situation des pièces dans le plan, les modes de circulation entre les espaces. Elle entame une réflexion sur la fonctionnalité des pièces, sur la répartition entre pièces d’habitation et pièces de service. L’organisation de l’habitat est de ce point de vue assez éloignée des modèles hellénistiques et romains, qui ne sont guère attestés qu’à Alexandrie et dans quelques métropoles. Par ailleurs, une réflexion sur les espaces de l’intimité et ceux de la réception est amorcée, qui pourra constituer un apport essentiel dans la perspective d’une histoire de la vie privée en Égypte gréco-romaine. Dans la majorité des cas, la vie intime de la famille semble s’être surtout épanouie dans les étages : comme l’attestent également les sources iconographiques et papyrologiques, il existait en général deux à quatre niveaux supérieurs et une terrasse, qui sont autant d’extensions des lieux de vie et de stockage. Afin de préserver l’intimité, l’ouverture sur l’extérieur se faisait au fil des étages supérieurs avec des fenêtres progressivement plus grandes et plus nombreuses, telles les deux fenêtres à claustra en bois de sycomore trouvées dans la maison 2400 III (époque romaine, p. 145), attestées également sur les modèles de maisons.

293On regrettera que l’utilisation d’un tel outil de travail soit parfois rendue difficile par des inexactitudes. À titre d’exemple, pour le seul chap. i, concernant la maison 5300, on note plusieurs incohérences : p. 9 et 13, on mentionne une cour C et un corridor D, intervertis sur le plan topographique (fig. 7), et enfin identifiés correctement à partir de la p. 15. La rue EW2 est désignée comme EO2 (p. 27). Parfois, l’intitulé des photographies est inexact : ainsi, la photographie 80 ne représente manifestement pas une vue sud, mais une vue ouest.

294Ces réserves mises à part, il apparaît clairement, grâce à cet ouvrage, que les villages du Fayoum, bien qu’éloignés des modèles d’urbanisme grecs ou impériaux que sont Alexandrie ou certaines grandes métropoles de la chôra, ont pleinement participé du phénomène urbain de l’Égypte hellénistique et romaine. On ne peut donc que saluer la publication des travaux ambitieux de l’a. et de l’équipe de Tebtynis, dont les résultats contribueront grandement à améliorer notre connaissance des villes hellénistiques et romaines d’Égypte.

295Gaëlle Tallet,

296Université de Limoges,

297EA 4270-CERHILIM,

29839 E, rue Camille-Guérin,

29987036 Limoges Cedex 01.

300gaelle.tallet@unilim.fr

Rabe Britta, Tropaia, ????? und ????? – Entstehung, Funktion und Bedeutung des griechischen Tropaions (Tübinger Archäologische Forschungen, 5), Rahden, Verlag Marie Leidorf, 2008, 1 vol. 21 x 30, xvi + 221 p., 70 pl. h. t.

301Dans cette version légèrement remaniée de sa thèse soutenue en 2006 à Tübingen, Br. Rabe s’interroge sur la notion de trophée et sur les deux éléments qui la fondent — étymologiquement, le point où le vaincu fait demi-tour (?????) et, matériellement, les armes prises à l’ennemi (?????), confirmant ainsi le sous-titre qui annonce que le travail porte autant sur l’aspect matériel que symbolique du trophée. L’a. part de la monographie de G.-Ch. Picard sur les trophées romains, dont le chapitre introductif sur le trophée grec demeure encore fondamental, et d’une étude de A. J. Janssen parue en néerlandais la même année (1957), mais qui n’a pas eu le même écho. Après un rappel historiographique, l’a. s’intéresse au rituel du trophée sous son double aspect d’acte accompli sur le champ de bataille et de consécration d’armes dans les sanctuaires, puis à l’extension des emplois du mot tropaion dans le domaine de la guerre, mais aussi des concours gymniques et musicaux, avant de consacrer un chapitre aux représentations figurées de trophées éphémères, un autre aux trophées monumentaux et un dernier aux armes personnelles défensives (????) et à leur emploi dans l’iconographie funéraire ou autre.

302Si l’étude précise des documents textuels et des données archéologiques relatifs aux trophées éphémères permet de mieux les définir comme figuration de l’ennemi vaincu et d’abandonner l’idée d’une statue magique représentant Zeus Tropaios, des questions demeurent ouvertes : pourquoi l’oracle de Trophonios (Pausanias, IV, 32, 5) ordonna-t-il aux Thébains d’élever un trophée avant la bataille de Leuctres avec le bouclier d’Aristomène, jadis ennemi acharné de leurs adversaires du moment ? Pourquoi (mais là, nous ne sommes plus en Grèce) Suétone appelle-t-il tropaeum le mannequin revêtu des habits portés par César à sa mort, qui préside en quelque sorte à ses funérailles ? Le rôle d’Athènes et des guerres médiques dans l’usage du trophée est bien mis en valeur, mais le cas des consécrations d’armes sur des poteaux fichés en haut du talus du stade d’Olympie aurait sans doute mérité plus d’attention, ce qui aurait peut-être fait apparaître une distinction entre les armes disposées sur des rayonnages ou accrochées aux murs des temples, des portiques ou des trésors, les « trophées » reconstitués et les amas d’armes, si ces derniers ont vraiment eu une existence réelle autre que celle de leur figuration comme base de statue.

303La partie critique de l’étude est bien menée, la documentation aussi bien littéraire, épigraphique qu’archéologique et iconographique est utilisée avec pertinence. Cependant, il aurait fallu mieux préciser la distinction entre trophée éphémère élevé immédiatement sur le champ de bataille — les vrais trophées d’une certaine façon, ceux qui ont une forme humaine, comme l’extraordinaire exemplaire de la collection des Antiquités de Munich, datant du iv^e s. et provenant d’Italie du Sud — et trophée monumental en pierre édifié plus tard, sur place ou non, en faisant sans doute un meilleur sort à la réputation des Thébains d’avoir été les premiers à avoir pétrifié et donc pérennisé le trophée et les haines qui s’y attachaient, alors qu’elles étaient censées disparaître avec la destruction du monument par le temps. Comme le rappelle bien l’a. à propos des offrandes d’armes dans les sanctuaires, les monuments de victoire montrent par leurs dédicaces que tel n’était point le souci des Grecs d’époque classique, et qu’on ne peut attribuer le déclin, sinon l’arrêt, des consécrations d’armes prises à l’ennemi au développement des idées panhelléniques. Le dernier chapitre sort du thème du trophée, puisqu’il porte sur les armes personnelles et les valeurs qui y sont attachées dans les représentations.

304La « Dissertation » proprement dite est suivie d’un résumé en anglais de 2 pages et d’un catalogue de 37 pages qui présente tous les documents utilisés dans le travail, rangés par type. On peut regretter un certain manque de rigueur dans le classement, qu’atteste la diversité des rubriques. Les sources littéraires et épigraphiques sont présentées en appendice avec une traduction, ce qui est à souligner. Une série d’indices bien faits permet de trouver aisément ce qu’on cherche. Les 70 planches de photographies en noir et blanc sont de qualité et fournissent un réel apport.

305Deux points delphiques me paraissent dignes de mention : dans l’épigramme du monument d’Archon de Pella (p. 43 et catalogue n° 173), la traduction de ??????? ????? par « hölzerne Tropäen » ne rend pas l’opposition entre les trophées remportés à la guerre avec Alexandre et les couronnes obtenues aux Pythia et aux Isthmia avec son bige. ???? employé au génitif d’origine (voir A. Wilhelm, Wiener Jahreshefte, 1941, p. 37) a ici le sens de lance. L’A. écrit aussi p. 120, n. 178, que la base de l’Étolie est à Delphes à « la gendarmerie » et précise « lieu inconnu ». Comme bien d’autres, elle a été victime du jargon delphique. La « gendarmerie », voire « le gendarme » en français, en franco-grec le stathmos et dans l’helléno-allemand de H. Pomtow « das Stratiotenfeld », tous ces termes désignent un dépôt de pierres au nord du musée, à l’emplacement de l’ancien poste de gendarmes. G. Rougemont est, à ma connaissance, le seul à avoir eu pitié des « non-initiés » et à avoir indiqué sur un plan le « stathmos » (CID, I, 1977, p. 8, fig. 2 et index p. 140). La base de l’Étolie n’est plus au stathmos, mais se trouve actuellement (août 2009) dans la cour du musée de Delphes, en face de la sortie.

306Anne Jacquemin,

307Université de Strasbourg, MISHA,

3085, allée du général Rouvillois,

309CS 50008,

31067083 Strasbourg Cedex.

311jacquemi@unistra.fr

Barr-Sharrar Beryl, The Derveni Krater, Masterpiece of Classical Greek Metalwork (Ancient Art and Architecture in Context, 1), Princeton, ASCSA, 2008, 1 vol. 24,5 x 30, xvi + 240 p., 169 fig. ds t., 32 pl. coul. h. t.

312Ce livre important, abondamment illustré, vient compléter de façon heureuse la première publication du cratère de Dervéni par É. Ghiouri en 1978. Depuis cette date, les fouilles accomplies en Macédoine ont donné lieu à des découvertes spectaculaires qui ont totalement renouvelé l’archéologie macédonienne. Aussi cette étude très complète est-elle la bienvenue, d’autant plus que les techniques modernes d’investigation des objets ont fait ces dernières années d’immenses progrès, qui permettent désormais une connaissance beaucoup plus précise de leur réalisation.

313Après un rappel de la place importante que la vaisselle de bronze occupe dans les tombes de Macédoine, B. Barr-Sharrar replace ce vase exceptionnel, de près d’un mètre de haut, dans son contexte de fouille, connu désormais dans tous ses détails grâce à la publication de P. Thémélis et I. Touratzoglou, parue en 1997. La tombe B, d’où provient le cratère, est la plus riche de cette nécropole de six sépultures, découverte fortuitement en 1962 dans la banlieue de Thessalonique, tout près de la ville antique de Lété. Le matériel retrouvé permet de la dater de 320-300 av. J.-C. Le cratère contenait les restes calcinés d’un homme de 35 à 50 ans et d’une femme plus jeune, d’âge indéterminé.

314Avant d’aborder une étude plus poussée du vase, l’a. en présente les particularités techniques. La panse a été travaillée au repoussé, à partir du martelage d’une plaque métallique de forme ronde, alors que les anses sont un assemblage de plusieurs pièces coulées. Quelques éléments sont rapportés (la main gauche de Dionysos, la cape du silène) ou appliqués (les animaux passant sur le col, les feuilles d’argent de la vigne). Les médaillons des anses ont été repoussés, avant d’être insérés dans les espaces qui leur étaient réservés dans les volutes. Les quatre statuettes placées sur l’épaule du vase ont été réalisées individuellement en fonte pleine. Quant à l’inscription en dialecte thessalien, dont les lettres d’argent ont quelque peu endommagé les oves du kymation ionique de la lèvre, elle ne permet pas de dire si Astiôn, fils d’Anaxagoras de Larissa, qu’elle désigne, est le premier propriétaire du vase ou son héritier. Ce personnage a pu appartenir, en tout cas, à la riche famille des Aleuades. Le style des figures de la frise, les rapprochements que l’on peut établir avec le style riche athénien ou la sculpture architecturale du Péloponnèse suggèrent une datation du cratère vers 370 av. J.-C.

315Ces données précisées pour la compréhension du sujet, l’a. se livre en deux chapitres très denses (iv et v) à une étude fort savante des cratères de bronze, de terre cuite ou de marbre qui se situent avant et après cette date. On voit ainsi au v^e s. av. J.-C., en Attique, succéder aux formes archaïques un nouveau type de cratère que l’a. appelle type A et qu’elle définit à partir de sept vases de bronze de cette époque. Comme sur le cratère de Dervéni, les anses, d’un dessin vigoureux, sont réalisées à la cire perdue, le col divisé en deux zones d’inégale largeur. Par la suite, les anses sont de plus en plus travaillées. Les potiers d’Athènes se font l’écho de cette évolution, comme en témoigne le goût nouveau pour la complexité des volutes des cratères céramiques contemporains, qui inspirera la céramique italiote. Le type évolue encore au iv^e s. : l’œil de la volute devient un élément de décor et les masques, création athénienne, semble-t-il, sont souvent présents sur les grands cratères italiotes. On reconnaît encore ce type A sur les vases de marbre néo-attiques et la céramique à vernis noir imitant les vases de métal.

316L’A. présente ensuite les résultats auxquels est parvenue l’investigation de l’intérieur du vase, grâce à des caméras qui ont permis des photos spectaculaires (pl. 29-30). Le travail de martelage de la panse et le repoussé des figures ont dû occuper cinq ou six artisans pendant plus de dix-huit mois. On distingue à l’intérieur de la panse toute une série de marques destinées à faciliter le travail, et c’est un fort pourcentage d’étain qui donne au bronze sa couleur dorée. La technique du repoussé, les additions d’éléments fondus et leur agencement peuvent être rapprochés d’œuvres toreutiques contemporaines, notamment des miroirs. Bien que la question de l’identification de l’atelier qui a réalisé l’œuvre demeure délicate, l’a., après avoir regroupé les observations faites sur la parenté du cratère avec l’art attique, propose, en raison d’un certain internationalisme des ateliers à cette époque, de le localiser dans l’un des grands centres artistiques du Péloponnèse et peut-être à Sicyone, célèbre pour ses bronziers.

317L’étude des dix figures de la frise de la panse, à laquelle se livre l’a. après ces constatations, fait preuve d’une grande minutie dans la description et d’une attention remarquable portée aux détails. Chaque personnage est replacé dans les courants artistiques de l’imagerie dionysiaque et l’ensemble de la scène interprété comme une représentation particulièrement fervente de « l’enthousiasme » que provoque dans son thiase l’union sacrée de Dionysos et d’Ariane. Si le geste de possession du dieu ne se rencontre nulle part ailleurs avec cette crudité, les différents types de ménades se retrouvent sur d’autres documents, que ce soient des œuvres céramiques ou des cratères de marbre néo-attiques. La persistance de ces mêmes types sur ces derniers documents incite l’a. à voir dans l’iconographie de la frise le reflet du décor de quelque monument célèbre d’Athènes, monument chorégique ou temple lié à l’initiation dionysiaque. Le monosandalos, le chasseur dont seul le pied droit est chaussé et que le rapprochement subtil de l’a. avec un personnage figurant sur une pyxis attique permet d’identifier de façon quasi certaine comme Penthée, pourrait être un initié et peut-être même Astiôn représenté comme tel, ainsi qu’on l’a parfois proposé. Quant au silène, dont la danse est suggérée par le geste de la main droite et les pieds dressés sur les pointes, il témoigne de la reprise de formules classiques, par sa position (plaque de terre cuite du Cabirion de Thèbes) ou les traits de son visage (monnaies de Panticapée).

318Les décors annexes (animaux passant, monstres hybrides, serpents lovés dans les acanthes des anses, statuettes de personnages en transe ou épuisés par elle) confèrent à l’œuvre son aspect baroque. Le mariage mystique des divinités est ainsi replacé dans le monde sauvage dont s’accompagne le dionysisme. La torsion des corps des ménades, le bouillonnement de leur vêtement peuvent être rapprochés de certaines figures du temple d’Épidaure et le silène endormi est une curieuse préfiguration du Faune Barberini : comme lui, il rappelle l’érotisme lié au culte. Quant aux médaillons, ils insistent sur le lien de Dionysos avec le monde chthonien.

319Le caractère très mystique de l’iconographie, les rapprochements qu’elle a pu établir avec les représentations de ménades sur les documents néo-attiques incitent l’a. à reconnaître sur le cratère l’imitation d’une œuvre présente dans un monument athénien du iv^e s., qui expliquerait ces parentés et aurait rappelé l’union symbolique de l’Archonte et de la Basilissa lors de la fête des Anthestéries. Aussi suggère-t-elle que la base de la statue chryséléphantine, réalisée par Alcamène pour le temple de Dionysos que visita Pausanias sur le versant sud de l’Acropole, pourrait avoir inspiré le décor du cratère. Dans cette perspective, le vase, quel qu’en ait été le propriétaire, aurait été commandé pour servir un jour d’urne funéraire, puisque le dieu promettait la survie à ses initiés.

320L’A., dont on ne peut qu’admirer l’érudition, propose dans ce livre des identifications originales et des rapprochements très convaincants (l’atelier représenté sur l’hydrie de Capoue, fig. 67, est celui d’un bronzier et non d’un peintre de vases ; sur la pyxis perdue de Heidelberg, fig. 125, Penthée tient un lasso, comme le monosandalos sur le cratère ; sur un fragment d’un cratère de bronze de Berlin, fig. 127, les ménades écartelant un faon sont presque identiques à celles du cratère de Dervéni). De plus, la parfaite adéquation du texte et de l’image contribue beaucoup à la clarté de la démonstration. On regrettera toutefois que certaines particularités iconographiques n’aient pas fait l’objet d’une étude plus approfondie. Ainsi, la statuette de jeune homme sur l’épaule du vase est-elle vraiment celle de Dionysos ? Les figures des médaillons n’ont-elles été choisies que pour rappeler le lien du dieu avec le monde chthonien, ou témoignent-elles d’un panthéon plus vaste auquel se rattacherait le culte ?

321Malgré la qualité de l’enquête, on hésitera à suivre l’a. sur certains points. Les sept cratères qui, selon elle, prouvent l’origine attique du type A n’ont pas été retrouvés en Attique, mais en Grande-Grèce et à Dervéni et, si le cratère qui figure sur les monnaies de Thèbes au v^e s. représentait une offrande célèbre des Athéniens à Dionysos Cadmeios, on ne voit pas pourquoi il aurait changé de forme sur les monnaies du iv^e s. Même si les acanthes des anses du cratère de Dervéni rappellent les décors architecturaux des monuments d’Épidaure, la comparaison des figures de la frise avec les ménades des documents néo-attiques, qui se rattacheraient, comme le vase, au style riche, rend difficile une datation aussi haute que celle que propose l’a. En effet, la torsion des corps est nettement plus forte sur le cratère, le pathos plus immédiat. L’ensemble est beaucoup plus proche de l’art hellénistique que du classicisme. On imagine mal en effet, à cette date, les convulsions de la statuette de ménade en transe. Quant au baroque des décors, il est assez loin de la sobriété attique et, de l’aveu même de l’a., on ne trouve aucun parallèle exact au geste de Dionysos étendant sa cuisse dénudée sur les genoux d’Ariane, audace inhabituelle dans la représentation du mariage sacré qui doit, en fait, correspondre à une sensibilité particulière, bien que la figure du dieu soit à l’évidence une réminiscence de la statue du Parthénon. D’ailleurs, les visages, même s’ils restent impassibles, sont beaucoup plus anguleux et les proportions des corps plus allongées que dans l’art attique.

322Aussi, les rapprochements que l’a. établit souvent avec les objets provenant des tombes de Macédoine auraient-ils dû être poussés plus avant et des conclusions dégagées. Ainsi, le visage de la statuette dite « de Dionysos » est très proche des gorgones d’or de la tombe II de Vergina et la présence des griffons, comme le rappelle d’ailleurs l’a., est très fréquente sur les documents macédoniens. La forme même du cratère, si répandue dans la céramique italiote à la même époque, souligne une fois encore les rapports culturels qui ont existé entre la Macédoine et la Grande-Grèce. É. Ghiouri datait le vase, comme le faisait aussi Cl. Rolley, de la deuxième moitié du iv^e s., ce qui paraît plus vraisemblable. L’archéologue grecque estimait que l’atelier pouvait être chalcidien. En effet, pourquoi tout bel objet se devrait-il d’être attique ? Les vases de métal retrouvés en si grand nombre dans les tombes de Macédoine pourraient fort bien provenir d’ateliers locaux reprenant à leur compte des formules attiques. D’ailleurs, le dionysisme, dont Olympias elle-même était l’une des adeptes, était beaucoup plus répandu dans le Nord de la Grèce qu’en Attique et c’est lors de son séjour à la cour de Macédoine qu’Euripide composa ses Bacchantes.

323On aurait souhaité, par ailleurs, que l’enquête historique, certes délicate, ne se limitât pas à reconnaître Astiôn comme un cavalier, vétéran d’Alexandre. Un mobilier funéraire d’une telle richesse (23 vases de bronze et 20 d’argent) témoigne du haut rang qu’occupait le mort dans la société. Qu’il ait appartenu à la famille princière des Aleuades ne paraît pas faire de doute, mais on pourrait peut-être l’identifier plus précisément, si l’on n’oubliait pas, ce qui est presque toujours le cas, que le cratère contenait aussi les restes d’une jeune femme, dont la crémation avait eu lieu en même temps que la sienne, comme semble le prouver l’analyse des ossements (p. 21, n. 63). Il semble certain que ce vase de très grand prix a dû servir à rehausser le prestige de banquets fastueux, religieux ou non, avant d’être déposé dans une tombe.

324Ces quelques réserves n’enlèvent toutefois rien à l’apport de ce livre, qui demeurera un ouvrage de référence sur la fabrication de ces grands vases de bronze et leur histoire.

325Michèle Daumas,

326Honoraire de l’Université Paris X-Nanterre,

32773, rue Broca,

32875013 Paris.

329michele.daumas@sfr.fr

Chryssanthaki-Nagle Katerina, L’histoire monétaire d’Abdère en Thrace (VI^e s. avant J.-C.-II^e s. après J.-C.), Mélétèmata, 51, Athènes, Fondation nationale de la recherche scientifique, 2007, 1 vol. 21 x 28, 423 p., 64 pl. h. t.

330Le beau livre de K. Chryssanthaki-Nagle, publication d’une partie de sa thèse de doctorat, a pour objet premier la publication des monnaies de fouilles d’Abdère, une des principales cités de Thrace. Mais le livre dépasse de très loin les publications ordinaires de monnaies de fouilles, qui se présentent souvent comme des catalogues arides et quelque peu obscurs pour les non-spécialistes : dans le présent ouvrage, ce ne sont pas seulement les monnaies de fouille — c’est-à-dire principalement le monnayage de bronze — qui nous sont présentées, mais tout le monnayage de la cité qui est révisé et analysé pour offrir une véritable histoire monétaire d’Abdère et, au-delà, de la Grèce du Nord.

331En se fondant sur les trésors monétaires, présentés dans le premier chapitre, K. C.-N. propose une nouvelle chronologie pour le monnayage d’argent d’Abdère, auquel est consacré le chap. ii. Les monnaies d’or font l’objet du chap. iii. Viennent enfin les monnaies de bronze, principalement trouvées dans les fouilles de la ville, et qui constituent le cœur du livre. La chronologie proposée pour le monnayage de bronze s’appuie principalement sur des critères numismatiques, les fouilles n’ayant guère fourni d’ensemble clos en raison de la continuité de l’occupation pendant l’Antiquité. En fin de volume, le lecteur trouvera des listes de tableaux, figures et illustrations, ainsi qu’un index, très commodes. Les planches illustrent les trésors mis au jour dans les fouilles, donnent un aperçu du monnayage d’argent et du monnayage d’or, avant d’illustrer de manière exhaustive le monnayage de bronze, généralement à partir de moulages. Elles auraient peut-être été plus belles sur du papier glacé, mais elles sont néanmoins de grande qualité, étant donné l’état d’une grande partie du matériel.

332Selon K. C.-N., Abdère, colonie de Téos, commença à frapper monnaie vers 520-515, un peu plus tard qu’on ne le pensait jusque-là, mais avant Téos elle-même : la cité d’Ionie n’aurait instauré un monnayage qu’après avoir elle-même été refondée par des gens venus d’Abdère lors de la conquête de la Thrace par les Perses. Après une première phase du monnayage caractérisée par des fortes dénominations, qui semblent pouvoir être mises en relation avec le tribut versé aux Perses, une réorganisation du monnayage a lieu, qui coïncide avec l’entrée d’Abdère dans la ligue de Délos.

333Abdère a d’abord frappé des monnaies d’argent selon un étalon local, proche de l’étalon thraco-macédonien. Cet étalon évolue au cours du temps ; K. C.-N. propose de voir dans cette évolution le souci de la cité de garder toujours la même équivalence entre son tétradrachme d’argent et le darique d’or, en adaptant le poids du tétradrachme d’après l’évolution du rapport entre l’or et l’argent. La valeur de l’or tendant à baisser par rapport à celle de l’argent, le poids du tétradrachme est abaissé régulièrement. Le même souci explique les choix originaux faits par la cité pour l’étalon et les dénominations de ses monnaies d’or, frappées ponctuellement au iv^e s.

334Les monnaies d’or d’Abdère sont frappées à un moment où intervient un changement iconographique majeur dans le monnayage de la cité, l’adoption d’un type fixe au revers — la tête d’Apollon. Ces phénomènes monétaires peuvent être mis en relation avec la mainmise de Philippe II sur la cité et le déplacement du site urbain. La frappe de monnaies d’or peut s’expliquer soit par des dépenses militaires, soit par les besoins engendrés par la construction de la nouvelle ville. Après son entrée dans l’alliance de Philippe II et sous le règne d’Alexandre, Abdère frappe encore de fortes monnaies d’argent ; la frappe de tétradrachmes s’interrompt peu après la mort d’Alexandre et le monnayage d’argent de la cité cesse complètement dans la première moitié du iii^e s.

335Comme d’autres cités de Grèce du Nord, Abdère instaure un monnayage de bronze au tournant entre le v^e et le iv^e s. La cité aurait commencé par frapper des dichalques et non des chalques, contrairement à d’autres cités grecques, peut-être sous l’influence du monnayage royal macédonien. Dans les premières décennies du iv^e s., les monnaies de bronze sont frappées de manière irrégulière. Un dichalque aux types d’Abdère, mais portant en légende l’ethnique de Maronée, semble indiquer que cette dernière cité a frappé des imitations de monnaies de bronze d’Abdère pour des raisons commerciales, les monnaies d’Abdère étant bien connues dans la région. À la fin du iv^e s. et au début du iii^e s., Abdère recourt, de manière ponctuelle, à une manipulation monétaire : des monnaies de bronze en rupture avec l’iconographie et la métrologie habituelles des bronzes de la cité ont sans doute reçu la valeur de monnaies d’argent contemporaines, aux mêmes types et de même module.

336Après la mort de Lysimaque, Abdère semble jouir de la liberté ; elle inaugure alors un nouveau système de dénominations pour les bronzes, avec deux dénominations nouvelles, plus lourdes que celles frappées auparavant, identifiées par K. C.-N. comme des hémioboles et des oboles. Ce changement correspondrait au passage d’une obole à 12 chalques au système attique de l’obole à 8 chalques. De fait, après avoir interrompu son propre monnayage d’argent, la cité utilise à cette époque des monnaies d’argent d’étalon attique. Dans la seconde moitié du iii^e s. et la première moitié du ii^e, une tête avec un diadème ailé apparaît sur les monnaies de bronze abdéritaines : il ne faut pas chercher à y voir le portrait d’un souverain, mais le type renvoie à Hermès ou Persée ; il est possible qu’il témoigne du souci d’Abdère d’affirmer sa fidélité à la dynastie antigonide. La fin du monnayage civique d’Abdère est marquée par des surfrappes et des contremarques ; ces manipulations monétaires sont à mettre en relation avec les difficultés financières et l’affaiblissement de la cité qui suivent sa destruction par les troupes romaines en 170 et, plus tard, les guerres mithridatiques. L’histoire d’Abdère apparaît alors très différente de celle de ses puissantes voisines, Thasos et Maronée.

337Le dernier chapitre est consacré au monnayage provincial romain d’Abdère. Après une synthèse très claire des principaux débats autour de ce monnayage, K. C.-N. présente les monnaies provinciales romaines d’Abdère, frappées selon trois dénominations. Ce monnayage est inauguré sous Tibère, plutôt que dans d’autres cités de la région, et s’interrompt sous Antonin le Pieux. Le griffon, type de droit traditionnel du monnayage civique, n’est pas repris et l’iconographie est purement romaine : portrait impérial — des deux côtés sur l’as, au droit seulement sur le semis et le double as — et Victoire, au revers du semis et double as. L’interruption des monnaies provinciales romaines d’Abdère semble s’expliquer par la réorganisation de la Thrace par le pouvoir romain, au profit du Nord de la province : Abdère est désormais éloignée des grands courants d’échange.

338Dans tout l’ouvrage, le lecteur suit avec plaisir le cheminement aussi passionnant que rigoureux de K. C.-N. à travers les trésors, les émissions, les étalons monétaires. L’auteur porte une attention particulière à l’iconographie, à la métrologie, au contexte archéologique. Le livre est parsemé de descriptions précises et lumineuses ; la présentation des débats en cours, toujours claire et pondérée, est généralement suivie d’une prise de position ferme en faveur de telle ou telle hypothèse, souvent novatrice. Les archéologues trouveront avec intérêt des informations précieuses sur les fouilles d’Abdère, les différentes phases de fondation du site, la nature de l’occupation, ainsi que des détails passionnants sur le contexte de trouvaille de tel ou tel trésor. Le livre ne se limite pas à la seule cité d’Abdère : on y trouve de belles pages sur l’histoire des autres cités de Grèce du Nord, leurs relations avec Athènes dans le cadre de la ligue de Délos, les relations entre Abdère et les peuples thraces, dont les rois ont parfois frappé des monnaies reprenant les types d’Abdère. Ce livre constitue désormais un outil de travail indispensable sur l’histoire de la Grèce du Nord.

339Marie-Christine Marcellesi,

340Université Paris IV, UFR d’histoire,

3411, rue Victor Cousin,

34275005 Paris.

343marie-christine.marcellesi@paris-sorbonne.fr

Tataki Argyro B., The Roman Presence in Macedonia, Evidence from Personal Names (Mélétèmata, 46), Athènes, Centre de recherches sur l’Antiquité grecque et romaine / Fondation nationale hellénique pour la Recherche, 2006, 1 vol. 17,5 x 24, 666 p., 1 carte h. t.

344A. B. Tataki, spécialiste d’onomastique et de prosopographie, offre avec cette monographie une nouvelle preuve de la vitalité des études menées au KERA, tant sur la Macédoine que sur la présence romaine en Grèce. Après trois ouvrages consacrés à Béroia (1988), à Édesse (1994) et aux Macédoniens de l’étranger (1998), cette étude constitue le quatrième volet d’une recherche de longue haleine menée depuis les années 1980 sur la prosopographie de la Macédoine antique, dont l’initiative originelle doit être attribuée à M. B. Sakellariou. Elle se présente sous la forme d’un répertoire de 4 702 personnes dont toutes ont en commun l’utilisation d’un nom, prénom et/ou cognomen latins ou latinisés au sein de leur formule onomastique, elle-même latine ou grecque. Après une très brève introduction vient le cœur même de l’étude, divisée en deux grandes parties : d’une part, la liste des citoyens romains et de leurs affranchis, classée selon leur nomen, liste qui suit l’ordre habituel requis en la matière : gentilice, puis au sein des gentilices, cognomen, puis praenomen ; d’autre part, la liste de tous ceux qui, sans être citoyens romains ou, en tout cas, sans que leur statut soit avéré, présentent un élément latin dans une formule onomastique généralement de type grec (ex. : Gaios fils de Dionysios) et dont certains pourraient être les rejetons de mariages mixtes, selon l’hypothèse ancienne de F. Papazoglou.

345Sur le plan historique, l’histoire de la Macédoine romaine est loin d’être terra incognita, surtout depuis les travaux de F. Papazoglou [10]. Aussi l’objectif du présent ouvrage est-il surtout de mesurer les conséquences de la transformation de la Macédoine en province sur le stock onomastique, et, partant, sur la stratification sociale elle-même, transformation due à deux phénomènes : d’une part, l’installation temporaire ou permanente de Romains venus acquérir des terres (egkektèmenoi), laissées par l’aristocratie macédonienne exilée, ou faire du commerce (negotiatores, en grec sumpragmateuomenoi), grâce à l’ouverture de nouveaux marchés ; d’autre part, l’octroi par les nouveaux maîtres de la civitas Romana à des citoyens appartenant généralement aux catégories les plus aisées. Cette situation explique que la première liste, celle des cives Romani, soit de loin la plus importante sur le plan numérique, avec 3 785 entrées et 690 gentilices, dont 64 connus seulement en Macédoine. Ces chiffres imposants ainsi que la variété des nomina identifiés sont de bons indicateurs de l’impact de la présence romaine en Macédoine, la première région de l’Orient hellénique devenue province dès 148 av. J.-C. Même s’il faudrait pouvoir comparer la Macédoine avec d’autres provinces de même taille, plutôt qu’avec des régions ou simplement des cités, la mise en regard des totaux obtenus ailleurs reste éloquente : à l’heure actuelle, en l’absence d’une monographie sur l’ensemble de la province d’Achaïe, le meilleur parallèle est la collecte des nomina Romana du Péloponnèse, qui a livré 2 886 personnes, y compris les porteurs de noms simples, et environ 330 nomina complets [11]. La comparaison avec Athènes donne, pour cette dernière, quelque 225 gentilices attestés [12], tandis qu’à Délos, la liste récemment mise à jour compte désormais 184 gentilices complets [13].

346Ceux qui ont travaillé sur les nomina Romana dans le monde grec savent à quel point leur usage y a souvent été adapté aux habitudes onomastiques locales et offre une régularité moindre que dans le monde romain : cette présentation de l’ensemble des catégories, et pas seulement des bénéficiaires de la civitas Romana, est donc un apport essentiel et fait de ce répertoire un outil de travail particulièrement utile. L’ensemble est accompagné d’abondants indices, généralement précieux, même si l’on peut s’interroger sur l’utilité de l’index enregistrant les personnes sous leur praenomen, avec la totalité de leur formule onomastique, qui fait double emploi avec la liste principale. Enfin, les index VI et VII (cognomina, nomina doubles ou multiples et supernomina en grec, puis en latin) n’apportent guère, dans la mesure où ils sont dépourvus de renvoi aux numéros du catalogue principal : ils semblent avant tout résulter des prouesses actuelles de l’informatique.

347En définitive, on regrettera certes comme l’auteur que l’ouvrage fasse partiellement double emploi avec le vol. IV du Lexicon of Greek Personal Names paru en 2005, puisque ce dernier, dans sa section macédonienne, comprend les cognomina grecs de citoyens romains, ainsi que les noms latins isolés ou inclus dans des formules onomastiques grecques, mais il constitue en soi un outil de travail désormais indispensable pour toux ceux qui veulent mener à bien des études de synthèse sur la Macédoine à l’époque romaine.

348Christel Müller,

349Université de Reims Champagne-Ardenne,

350CERHIC, EA 2616,

35157, rue Pierre-Taittinger,

35251096 Reims Cedex.

353christel.muller@univ-reims.fr

Braund David, Kryzhitskiy S. D. éd., Classical Olbia and the Scythian World, From the Sixth Century BC to the Second Century AD (Proceedings of the British Academy, 142), Oxford, British Academy, Oxford University Press, 2007, 1 vol. 15,6 x 23,4, xii + 212 p., 23 fig. ds t.

354Ce volume collectif, qui rassemble douze articles dus essentiellement à des historiens et archéologues ukrainiens, trouve son origine dans un colloque tenu en novembre 2001 à Kiev avec le soutien de la « British Academy ». Alors que le spectre thématique du colloque était beaucoup plus vaste, les chapitres retenus ici pour publication ont tous pour objet, dans un cadre chronologique large allant de l’époque archaïque à l’époque impériale, les relations entre la cité d’Olbia et son hinterland indigène, appelé scythe par convention. L’analyse de l’ensemble fait émerger quatre axes de réflexion : le premier concerne l’interprétation ethnique des données archéologiques (S. D. Kryzhitskiy, S. B. Buyskikh) ; le deuxième, la description d’Olbia donnée par Hérodote au livre IV de ses Histoires (D. Braund, St. West) ; le troisième l’économie régionale en général et celle de la steppe en particulier (N. A. Leypunskaya, N. A. Gavrilyuk) ; le quatrième, et dernier, Olbia à l’époque impériale, dont une analyse du récit de Dion de Pruse (B. Bäbler sur Dion, V. V. Krapivina, V. M. Zubar). À ces axes s’ajoutent un article de A. S. Rusyaeva sur les interactions religieuses entre Olbia et la Scythie et une description détaillée du site de Trakhtemirov sur le Dniepr par Yu. V. Boltrik et E. E. Fialko.

355Dans cet ensemble disparate, les deux premiers thèmes sont assurément ceux qui retiennent le plus l’attention par la polémique qu’ils suscitent. En ce qui concerne Hérodote, le débat entre D. Braund et St. West concerne toujours la question de savoir si l’historien d’Halicarnasse est allé lui-même à Olbia et si sa description est autopsique et donc fiable, ce que pense Braund, ou repose au contraire sur des données antérieures (West). Selon le premier, la présentation de la région par l’historien d’Halicarnasse est conforme aux normes géographiques et culturelles de la fin du v^e s. et coïncide largement, en particulier dans le domaine cultuel, avec les données archéologiques et épigraphiques, tandis que West rappelle la dette d’Hérodote à l’égard de la tradition littéraire, qu’il choisirait ici de dissimuler. Il faut bien avouer que l’assertion selon laquelle l’historien « mentirait » (comme il le ferait par ex. à propos de l’Égypte) n’est guère convaincante et que, jusqu’à preuve du contraire, il convient de considérer qu’il s’est bien rendu dans le Nord de la mer Noire, même si l’on peut s’accorder sur le fait qu’il n’a sans doute pas dépassé le territoire d’Olbia.

356Mais la question la plus intéressante à tous égards et qui traverse sans nul doute l’ensemble des contributions reste celle de l’interaction entre Grecs et barbares, bref celle de l’ethnicité, quel que soit le domaine envisagé (habitat, onomastique, échanges économiques etc.). Kryzhitskiy et Buyskikh prennent fermement position dans un débat qui fait rage depuis au moins les années 1960 au sein de la bibliographie soviétique et russophone et se livrent, avec raison, à une réfutation sévère de toute interprétation ethnique des artefacts, en particulier les habitats enterrés ou semi-enterrés (dug-outs), ainsi que la céramique commune. Il leur semble totalement illégitime de déduire, aussi bien sur le plan qualitatif que quantitatif, de la présence de tel ou tel artefact celle d’individus appartenant à tel ou tel groupe ethnique, comme l’a fait récemment de manière caricaturale S. L. Solovyov (dans Ancient Berezan, The Architecture, History and Culture of the First Greek Colony in the Northern Black Sea, Leyde, 1999) à propos de l’île de Bérézan, le premier établissement occupé par les Grecs dans la région. Leurs arguments sont, pour ainsi dire, à la fois pratiques et théoriques : les auteurs soulignent d’une part le faible nombre d’assemblages archéologiques complets susceptibles de fournir un contexte suffisant pour ce type d’identification, mais rappellent également les différentes raisons permettant d’expliquer la présence sur un site d’un objet donné (vente, fabrication par l’un et utilisation par un autre etc.). Pourtant, ces explications, malgré leur grand mérite qui est de refuser a priori l’essentialisme en archéologie, ne convainquent pas complètement dans leurs résultats, car elles ont surtout pour objectif (Kryzhitskiy, p. 22 e.g.) de montrer que les habitants d’Olbia, aux vi^e et v^e s., étaient des Grecs pour l’essentiel et que les « barbares » n’y occupaient qu’une place tout à fait marginale, interprétation dont le contexte idéologique tacite est d’abord celui d’une rivalité forte (et plus actuelle que jamais) entre la Russie et l’Ukraine et la contestation par la seconde d’un impérialisme ayant jadis réduit les Républiques et leurs peuples à des dominions périphériques (des barbares ou semi-barbares, en somme). Bref, la question mériterait d’être réexaminée sous un angle totalement neuf. À cet égard, la contribution de Braund sur les interactions entre Olbia et son hinterland, qui repose essentiellement sur le récit hérodotéen et l’analyse de plusieurs inscriptions, en particulier le célèbre décret en l’honneur de Protogénès où il est question d’une multitude d’ethnè, déçoit un peu : même s’il réaffirme la fragilité des identifications ethniques, l’auteur ne propose pas pour autant d’interprétation alternative de ce qui apparaît d’abord et toujours comme un discours et, partant, comme une vaste construction, dont les ressorts, sinon les manifestations, ne changent guère du v^e au ii^e s. av. J.-C.

357En définitive, ce volume, quoique un peu éclaté, constitue, dans le vaste édifice en cours de construction qu’est la bibliographie occidentale consacrée à la mer Noire septentrionale, une pierre intéressante et originale, dont le moindre mérite n’est pas de se démarquer fortement des positions traditionnelles de l’archéologie et de l’historiographie soviétiques.

358Christel Müller,

359Université de Reims Champagne-Ardenne,

360CERHIC, EA 2616,

36157, rue Pierre-Taittinger,

36251096 Reims Cedex.

363christel.muller@univ-reims.fr

Pirenne-Delforge Vinciane, Retour à la source, Pausanias et la religion grecque (Kernos, Suppl. 20), Liège, Centre international d’Étude de la Religion Grecque Antique, 2008, 1 vol. 16 x 24, 400 p.

364D’emblée, le présent ouvrage, par la carte qu’il reproduit en couverture (la Grèce de Pausanias, limitée à l’Attique, au Péloponnèse et à la Grèce centrale) et par son titre, oriente le lecteur vers la spécificité de la démarche poursuivie ici : il s’agit de réfléchir à l’usage qui peut être fait, dans une perspective d’histoire religieuse, de la Périégèse de Pausanias, un texte qui fait figure de source documentaire privilégiée dans le domaine des rites et des mythes, mais qui constitue en même temps un voyage « à la source » de la culture grecque.

365Maître de recherches F.R.S.-FNRS à l’Université de Liège, V. Pirenne-Delforge jouit d’une solide réputation comme spécialiste d’histoire religieuse de la Grèce antique : secrétaire scientifique de la revue Kernos, consacrée à l’étude des faits et phénomènes religieux de la Grèce antique, organe de diffusion des actes des colloques organisés par le Centre international d’Étude de la Religion Grecque Antique (CIERGA), c’est aussi l’auteur d’une monographie, L’Aphrodite grecque, parue en 1994 (Kernos, suppl. 4), où l’étude des cultes et de la personnalité de la divinité dans le panthéon archaïque et classique est fondée très largement sur l’exploitation des dix livres de la Périégèse de Pausanias ; elle a rédigé en outre la partie « Religion grecque » de l’ouvrage paru aux PUF en 1999 sous la direction d’Y. Lehmann, les Religions de l’Antiquité.

366Or, comme l’a. le reconnaît elle-même, l’œuvre du Périégète doit être considérée comme un tout qu’il s’agit de mettre en perspective par rapport à son contexte (la Grèce des Antonins) et par rapport aux principes méthodologiques qui en guident l’écriture : c’est de cette prise de conscience qu’est née la présente réflexion, dans le sillage d’un courant historiographique qui s’est beaucoup développé, dans les deux dernières décennies, à partir de la publication en 1985 du livre de Chr. Habicht (Pausanias’ Guide to Ancient Greece, réédité avec une nouvelle préface en 1998), en liaison aussi avec un intérêt renouvelé pour la Grèce d’époque romaine, et plus particulièrement pour les problématiques identitaires et la question de la représentation que les Grecs pouvaient avoir d’eux-mêmes dans un monde organisé par un pouvoir romain.

367L’utilité de Pausanias, pour les régions qu’il a décrites, dans le domaine de la recherche archéologique, de la topographie, de la toponymie ou de la géographie historique, n’est plus à démontrer. Si nul ne saurait contester, donc, l’intérêt d’une utilisation de Pausanias sur le terrain, il n’en reste pas moins qu’elle s’est faite souvent au détriment d’une vision globale de l’œuvre, selon un penchant auquel n’ont pas échappé non plus les lecteurs soucieux de privilégier les données relatives aux questions religieuses, mais avec le danger de les extraire de leur cadre énonciatif particulier. C’est ce problème de l’articulation entre une lecture référentielle de l’œuvre et une lecture « globalisante » que l’a. entend prendre en compte ici, en adossant l’étude de l’apport de Pausanias à notre compréhension du système religieux des Grecs et à une réflexion préalable sur la nature et les modalités du « retour à la source » que représente le voyage de Pausanias. D’où une construction de l’ouvrage en diptyque.

368Une première partie s’attache à cerner de plus près, en trois chapitres, « les objectifs que poursuit Pausanias dans son œuvre et les modalités de leur réalisation ». L’ensemble est organisé autour de quelques notions clés de ce qu’on peut considérer comme le programme de Pausanias : le souci de prendre en compte, dans une composition que Pausanias désigne par le terme de sungraphè (dont l’a. a raison de rappeler qu’il ne correspond pas exactement à la notion d’exposé historique), « toutes les choses grecques », en combinant deux éléments, l’un matériel et concret, ce que l’œil du voyageur peut saisir (les théorèmata), l’autre emprunté à la tradition orale ou érudite, ce qui se dit (les logoi).

369Cette première partie, attentive, selon un principe qui sera judicieusement appliqué à l’ensemble de l’ouvrage, au vocabulaire, aux temps verbaux et aux tournures de style utilisés par le Périégète, révélateurs des orientations qu’il confère à ses propos, permet de mettre très clairement en valeur les principes de méthode de Pausanias : rassembler ce qui est digne de mémoire, donc faire des choix qui aboutissent à privilégier ce qui relève de pratiques communautaires et de traditions collectives. Ce faisant, l’a. met bien en valeur la spécificité du rapport au passé que construit la Périégèse, entre mémoire et histoire, dans une démarche dont le fil conducteur n’est pas la chronologie, mais la topographie et les monuments, sur lesquels se greffent des développements historiques et mythologiques d’importance très variable. Le récit de Pausanias est ancré dans l’espace mais aboutit en même temps à une structuration du passé dont l’a. montre bien que l’outil privilégié est le système généalogique (ce qu’elle appelle « l’exercice généalogique »), qui est producteur de temporalité mais recèle aussi une dimension géographique.

370L’analyse fait ainsi valoir la place que peut occuper le témoignage de Pausanias dans les histoires des origines, et permet de poser la question de la portée morale et religieuse de l’œuvre. Tout particulièrement, l’a. cherche à mesurer non seulement le rapport de Pausanias au mythe et, plus largement, son degré de croyance en cette matière (faite de « discours ancrés dans le savoir partagé d’une communauté » : cf. p. 65), mais aussi à déterminer la part du religieux dans les évocations et les descriptions qui surgissent au fil de l’itinéraire. Cela permet à l’a. de recentrer sa présentation sur le sujet proprement religieux du livre et de discuter ce qu’on peut appeler la représentation du divin chez Pausanias, sa conception de la « piété » (avec la question de l’assimilation de son voyage à un « pèlerinage ») ou, plus largement, le problème de sa démarche « intellectuelle ». C’est dans cette perspective que sont mis en valeur l’intérêt particulier accordé par Pausanias aux traditions locales, l’influence, dans son argumentation ou dans ses descriptions, de la portée cultuelle ou de la dimension religieuse des données évoquées, y compris dans les passages qui concernent les implications religieuses du pouvoir romain en Grèce, ou encore le tissage qui s’opère entre passé et présent à partir de l’évocation de sanctuaires ou de rituels.

371La deuxième partie, en traitant de la question de l’utilisation du texte de Pausanias comme source pour une approche de la religion grecque, affronte le problème de la validité des informations retenues par Pausanias — dont le texte se trouve souvent être la seule source disponible — pour d’autres époques que l’époque impériale romaine. L’approche se fonde sur l’étude de trois dossiers thématiques qui constituent autant de chapitres consacrés successivement à la pratique sacrificielle, au monde des dieux et des héros et aux cultes à mystères. Le but de l’a., dans la perspective d’une analyse interne de l’œuvre, attentive au lexique de Pausanias, dont sont soulignées la rigueur et la cohérence, est d’éclairer la portée et la valeur du témoignage de Pausanias, de comprendre les mécanismes à l’œuvre dans ses descriptions, avec le souci constant de replacer les données fournies par le Périégète à l’intérieur même du texte, afin d’éviter d’en surinterpréter le témoignage.

372Au fil des analyses, fondées sur l’examen rigoureux et approfondi de quelques dossiers significatifs, l’a. éclaire de façon convaincante les présupposés qui orientent le point de vue de Pausanias et conditionnent sa présentation des procédures sacrificielles, tout autant que la vision qu’il nous donne de leurs destinataires — figures divines ou héroïques (« kaléidoscope de configurations locales » : p. 352) — et de leur statut, dans le cadre des fêtes religieuses des cités ou des célébrations mystériques. L’A. est ainsi conduite à mettre en valeur chez le Périégète l’attachement au critère d’ancienneté et à ce qui relève de revendications locales qui n’en sont pas moins englobées dans un discours qui se veut intelligible à tous les Grecs (d’où les tensions entre niveau panhellénique et niveau local) : la perspective adoptée par Pausanias aboutit à un travail de réinterprétation de pratiques locales et correspond, en général, à un souci de privilégier les singularités « dignes de mémoire » et dont l’originalité — c’est ce que montre bien l’a., qui parle des dangers d’une « rétro-projection automatique et généreuse de l’information livrée par Pausanias » (p. 232) — est loin de pouvoir être interprétée systématiquement comme un signe d’ancienneté, même si, par le biais des étiologies rapportées par le Périégète, un lien est établi entre le présent du voyageur et un passé éloigné. Ces chapitres visent donc à marquer utilement ce qui sépare les conceptions d’un Pausanias, ce que l’on peut considérer comme sa « grille de lecture », de la démarche des modernes en matière de compréhension du système religieux des Grecs et de leur représentation du divin, dont participent les épiclèses et les types statuaires si souvent mentionnés dans la Périégèse.

373Même si l’a., à l’occasion, met à profit la documentation archéologique ou épigraphique à l’appui de ses analyses du texte de Pausanias, il faut souligner que la spécificité de la démarche suivie dans le présent ouvrage tient au souci de mettre en lumière la logique interne d’un texte qui s’emploie à tisser de complexes rapports entre présent et passé, au point de rendre bien délicat, la plupart du temps, tout effort d’interprétation de l’ancienneté des données rapportées par Pausanias ou, à l’inverse, de la subjectivité religieuse spécifique à son époque que manifesterait le témoignage du Périégète.

374On ne peut qu’apprécier dans cet ouvrage, à la présentation en général irréprochable, complété par un quadruple index (sources littéraires, sources épigraphiques, mots grecs et index général), la clarté et la fermeté de l’exposé, qui repose sur une lecture fine et attentive du texte même de Pausanias — bonne illustration du souci de l’a. d’entrer dans ce qu’elle appelle « l’épaisseur du texte » — et qui, à travers une confrontation parfaitement dominée avec la bibliographie moderne, constitue un guide précieux pour la lecture d’un texte qui reste une source irremplaçable pour l’étude de la religion grecque.

375Yves Lafond,

376Université de Poitiers,

377HeRMA - EA 3811,

3788, rue René-Descartes, BP 603,

37986022 Poitiers cedex.

380yves.lafond@univ-poitiers.fr

King Helen, Dasen Véronique, La médecine dans l’Antiquité grecque et romaine, Lausanne, éditions de la Bibliothèque d’histoire de la médecine et de la santé, 2008, 1 vol. 16,5 x 24, xii + 130 p., fig. ds t.

381Publié sous l’égide de l’Institut universitaire de l’histoire de la médecine et de la santé de l’Université de Lausanne, ce livre rassemble les contributions de deux spécialistes de l’histoire de la médecine ancienne. Il propose, en trois parties, un tableau synthétique de la théorie et de la pratique médicales dans l’Antiquité.

382La première partie est la traduction française d’un texte qu’H. King avait fait paraître à Londres en 2001 sous le titre Greek and Roman Medicine (Bristol Classical Press). Quelques illustrations en sont reprises, d’autres viennent prolonger le propos, tout à la fois clair et bref, qui se lit agréablement. La deuxième partie, « Médecine et iconographie », présente, pour onze dossiers thématiques, une ou plusieurs images, choisies parmi les plus célèbres, comme l’aryballe Peytel ou le bas-relief de l’Amphiaraion d’Oropos, mais aussi plus rares comme l’« estropié » du Musée de Genève, précédemment étudié par V. Dasen (Gesnerus, 54, 1997, p. 5-22). Chaque thème est assorti d’un commentaire concis mais utile et pourvu d’une bibliographie sommaire « pour en savoir plus ». Sont ainsi évoqués successivement les relations entre dissections et découpes sacrificielles, l’anatomie, les blessures, le rapport entre médecine et religion, la pratique médicale au v^e s., et, enfin, l’obstétrique avec des illustrations de l’utérus (cf. V. Dasen, Le secret d’Omphale, RA, 2008, p. 265-281), des malformations congénitales et des naissances de siamois. La troisième partie fournit un « dossier de textes » rassemblant, en traduction française, dix morceaux choisis assez courts. Cinq appartiennent au corpus hippocratique : le Serment, Du médecin, 1, 1, Épidémies, III, 3, 11, Maladies des femmes, 1 Du régime, 2-4. Pour ces cinq extraits, on regrettera que ne soit pas présentée au lecteur une traduction plus récente que celle d’Émile Littré. Suivent des passages de la préface du De Medicina de Celse, 1-9 (trad. Ph. Mudry), d’Arétée de Cappadoce (Des causes et signes des maladies aiguës, 2, 11 dans la trad. de Laennec) de Galien (Sur la composition des médicaments et Sur la pratique de l’Anatomie, trad. P. Moraux) et, pour terminer, de Gargilius Martialis (Remèdes tirés des légumes et des fruits, trad. Br. Maire). Le lecteur aborde ainsi les principaux aspects de la tradition médicale des Anciens. Deux rapides « repères chronologiques » et une bibliographie sélective concluent l’ouvrage. L’ensemble pourra intéresser un large public, qui trouvera dans la synthèse d’H. King un résumé accessible de l’essentiel de ce que l’on peut savoir de la médecine gréco-romaine, appréciera les illustrations pertinentes et de qualité et remarquera des sources bien présentées, point de départ vers d’autres pistes de l’histoire médicale antique.

383Evelyne Samama,

384Université de Reims,

385UFR Lettres et Sciences humaines,

38657, rue Pierre Taittinger,

38751096 Reims Cedex.

388evelyne.samama@univ-reims.fr

Kokkinia Christina éd., Boubon, The Inscriptions and Archaeological Remains, A Survey 2004-2006 (Mélétèmata, 60), Athènes, Research Centre for Greek and Roman Antiquity, National Hellenic Research Foundation, 2008, 1 vol. 21 x 28, xii + 192 p., 23 pl. h. t., 1 carte en dépl. libre

389L’« histoire scientifique » de Boubôn, petite cité de la Kibyratide, aux confins de la Lycie et de la Pisidie, dont le site fut découvert en 1842 par Spratt et Daniell, a connu des fortunes diverses, que l’éditrice de cette monographie, Chr. Kokkinia, ne manque pas de rappeler (p. 1-4) : après l’époque des premiers voyageurs (Falkener, Schönborn) et mis à part la grande expédition épigraphique de Heberdey et Kalinka (1895), le site fut négligé pendant toute la seconde moitié du xix^e s. et les premières décennies du xx^e. Il faut attendre les voyages de George Bean (depuis la fin des années 1950) pour que Boubôn attire les épigraphistes (et en premier lieu Schindler, dont le corpus parut en 1972) et aussi, malheureusement, les fouilleurs clandestins. La « fouille » frauduleuse du Sébasteion, en 1966-67, suivie de l’exportation illicite, outre-Atlantique, de plusieurs statues de bronze, entraîna quelques travaux d’urgence vite interrompus, jusqu’à la fouille plus systématique du bâtiment par Jale Inan en 1990. La prospection épigraphique joua de malheur : la mort prématurée de Christian Naour (1982), puis d’Alan Hall (1986), furent des « coups durs » difficiles à surmonter. Actuellement, N. Milner a pris la suite de Hall, et T. Corsten a relancé aussi bien l’exploration que la publication, avec le soutien de l’Université de Heidelberg.

390Le présent volume en est le témoignage. On y trouve, après une introduction historique et géographique par Chr. K., un catalogue (par la même) des inscriptions, la publication par M. Seyer de deux tombes rupestres proches de la cité et, enfin, un compte rendu (par O. Hülden) des résultats obtenus par les recherches de surface dans des domaines aussi divers que l’architecture et l’urbanisme (en y incluant la nécropole), la céramique, les monnaies et les petits établissements découverts dans la chôra.

391Le programme était donc vaste et les sujets abordés nombreux. Peut-être trop nombreux, eu égard aux conditions de travail et de publication que les auteurs ont dû affronter. Certaines n’étonneront que ceux qui n’ont jamais travaillé sur le terrain : lorsque la durée utile d’une mission de relevé et de prospection est réduite à moins de trois semaines (p. 133), on peut supposer qu’il y eut des retards administratifs (encore que les auteurs restent discrets sur le sujet). Il est plus choquant que les délais de publication imposés par les commanditaires financiers aient été raccourcis au point de priver le volume de deux contributions rédigées par des spécialistes reconnus, sur l’onomastique et les émissions monétaires (p. ix). Certes, les retards de publication sont dommageables (et le signataire de ce compte rendu serait mal venu à jouer les donneurs de leçons). Mais fixer un délai inférieur à deux ans, impression comprise, pour un projet pluridisciplinaire impliquant plusieurs campagnes sur le terrain, était véritablement déraisonnable ; les collaborateurs en sont du reste tout à fait conscients (p. 133-134).

392Le catalogue des inscriptions, par Chr. K., rassemble commodément (p. 27-126) l’ensemble des textes connus, y compris ceux édités par Schindler, dont 56 ont entre-temps disparu. Un examen détaillé de ces documents sortirait du cadre de ce compte rendu. Aucun problème n’est esquivé, même si les solutions adoptées restent souvent conjecturales (et sont présentées comme telles). Quelques exemples : il y aurait eu plusieurs personnages nommés Moagétès aux ii^e et i^er s. av. J.-C. (p. 15-23, en adoptant, contre Hall et Coulton, une correction violente du texte de Diodore, 33, 5). L’interprétation de l’inscription d’Araxa (p. 21-22) va être très prochainement renouvelée par la nouvelle publication de la convention entre la ligue lycienne et Oinoanda (Termessos Minor). La discussion sur le Sébasteion (p. 34-42) associe les dossiers parallèles de la plastique et de l’épigraphie. Mais des doutes subsistent : ainsi Chr. K. adopte-t-elle l’hypothèse de J. Inan associant une base qui porte probablement le nom de l’empereur Commode, désigné comme un Antonin (p. 42), et un buste en bronze (actuellement aux États-Unis) que Fr. Queyrel juge hellénistique, et qui pourrait porter un graffite au nom d’un Attalide (p. 52). Le lecteur reste perplexe.

393M. Seyer et R. Hügli publient ensuite (p. 127-132), avec photos et relevés, deux tombes rupestres inédites. L’une, dite « dorique », est munie de deux antes et d’une frise de denticules ; la seconde, dite « ionique », possède deux colonnes non cannelées à chapiteaux ioniques surmontés d’une architrave lisse et d’une frise de denticules. C’est dire que le mélange d’éléments empruntés à l’un ou l’autre ordre interdit de rattacher cette architecture à un ordre « canonique ». La date proposée (« early Hellenistic or maybe as early as the late 4th century bc») me semble un peu haute. L’influence des tombes rupestres cariennes (plutôt que lyciennes) est évidente, sans qu’on puisse être plus précis.

394La dernière partie de l’ouvrage (p. 133-178) donne essentiellement le résultat des recherches de surface menées par O. Hülden sur le territoire et l’urbanisme de Boubôn. On lui doit le premier relevé complet des ruines dans leur état actuel, ce qui veut dire l’état dans lequel les ont laissées les fouilles clandestines. Par une rencontre à ma connaissance sans parallèle, le chef des pillards avait tenu un « journal de fouilles » qui fut remis par son fils à un journaliste, lequel l’a remis lui-même à J. Inan. Lever un plan d’ensemble était donc une entreprise à la fois indispensable et ingrate, comme le démontre le grand dépliant donné en fin de volume. L’état actuel des ruines est décourageant : les murs sont presque totalement détruits, le tracé des fortifications est hypothétique et les plans des bâtiments sont presque indiscernables. On distingue une acropole fortifiée au point le plus élevé de la colline. En contrebas, un centre civique marqué par un petit théâtre, d’une capacité maximale de 1 500 places (qui n’avait pas été vu, en son temps, par D. De Bernardi Ferrero), le Sébasteion et, enfin, une place rectangulaire qui pourrait être l’agora (p. 141-142). Celle-ci est bordée au sud, sur toute sa longueur, par une volée de six marches qui ont été interprétées comme les gradins d’un stade par les premiers voyageurs, ce que l’a. refuse : l’ensemble, pour un stade, serait « kurz und schmal ». L’A. ne semble pas avoir noté les analogies entre cette structure et le prétendu « stade » de Kadyanda, également identifié comme tel par les premiers voyageurs, mais dont E. Frézouls a montré il y a plus de vingt ans (Ktema, 11, 1986, p. 225-238 et spécialement p. 234-235) qu’il s’agissait, comme à Phasélis, d’un aménagement bordant la rue principale.

395Les chapitres suivants, tous assez brefs, relèvent du parcours obligé. Un court développement sur la céramique (p. 155-159) souligne que le saccage du site rend impossible une collecte méthodique des fragments. On peut seulement noter la présence de quelques tessons datables, avec prudence, des périodes archaïque et pré-hellénistique : comme O. H. le souligne, nous ne savons à peu près rien des productions de la Lycie du Nord et de la Pisidie occidentale (p. 157). À noter, l’absence d’importations attiques : pas un tesson à figure noire (p. 158). Deux pages sur les monnaies rappellent les anciennes publications ; aucune n’a été découverte sur le site.

396La prospection des nécropoles n’a pas permis — on s’y attendait — de découvrir une seule tombe in situ. Un fragment déposé au musée de Burdur a attiré l’attention des historiens de l’art : il s’agirait, selon W. Strocka, du plus ancien sarcophage à guirlandes, remontant au iii^e s. av. J.-C. (p. 162).

397L’exploration de la chôra enfin n’en est qu’à ses débuts. On n’en connaît ni la taille ni la structure économique et sociale (p. 172-176).

398Dans ces conditions, l’esquisse historique finale (p. 168-171) reste forcément floue. Elle évoque la possibilité d’un petit château (« Herrensitz ») pré-hellénistique. La cité proprement dite aurait été fondée au iii^e s. par des Pisidiens. La ville a connu une certaine prospérité à l’époque impériale, comme en témoignent non seulement le Sébasteion, mais aussi ses aqueducs. Sa population n’aurait cependant pas dépassé les 600-800 habitants. Il est significatif que, bien que Boubôn ait été le siège d’un évêché, aucune église n’ait été repérée. Le livre se clôt avec les instruments de travail habituels (indices, bibliographie). Les illustrations, en noir et blanc et en couleurs, sont bonnes, compte tenu des conditions dans lesquelles les photos ont été prises, et bien reproduites.

399Cette monographie nous livre donc un « état des lieux » qui, indépendamment de la volonté des auteurs, est plutôt frustrant. Il était néanmoins nécessaire. Et, dans la crise que connaît aujourd’hui la recherche, il pourrait bien se passer des années avant qu’il ne soit révisé. Le corpus épigraphique en particulier rendra des services. Même s’il y a dans ce livre des lacunes, il faut remercier l’éditrice et ses collaborateurs d’avoir pris des risques, car le bilan est positif.

400Christian Le Roy,

401Émérite de l’Université de Paris I,

4022, rue Alphonse-Daudet,

40375014 Paris.

404christian.le.roy@wanadoo.fr

Lion Brigitte, Michel Cécile éd., Histoires de déchiffrements, Les écritures du Proche-Orient à l’Égée (Coll. Hespérides), Paris, Éditions Errance/Maison René-Ginouvès, 2009, 1 vol. 16 x 24, 206 p., fig. ds t., 16 pl. coul.

405Ce court ouvrage est, comme l’expliquent en introduction les directrices de la publication, le prolongement d’un colloque organisé en octobre 2007 à la Maison René-Ginouvès de Nanterre « pour célébrer le 150^e anniversaire du déchiffrement de la langue akkadienne ». Il réunit, dans cette perspective, douze courtes études (aucune ne dépasse les 20 pages) centrées chacune sur des régions et des époques de la Méditerranée orientale, de la Grèce mycénienne à l’Iran ancien en passant par l’Égypte, l’Asie Mineure, la Phénicie, la Syrie et la Mésopotamie. Sans être explicitement formulé, le but recherché semble être d’initier et d’intéresser les étudiants à un domaine dont ils ignorent tout : d’où, par exemple, la nécessité de leur expliquer dès la première page que le mot « cunéiforme » vient du latin cuneus, qui signifie « coin » ou « clou ».

406En principe, ni l’objet ni le domaine de ce livre ne justifient un compte rendu dans la RA. S’il a néanmoins paru utile de le signaler, c’est que la perspective adoptée dans cet ouvrage n’est pas exclusivement linguistique. Les acteurs sont constamment présents dans toute leur diversité, qu’il s’agisse des voyageurs au siècle des Lumières, des agents consulaires dans l’ancien Empire ottoman ou des « biblistes », pasteurs réformés ou dominicains catholiques, qui passent de l’étude des Écritures saintes à celle des écritures cunéiformes, avec les aléas de leurs carrières académiques ou diplomatiques, sans compter les polémiques et les luttes d’influence plus ou moins feutrées. Ou encore l’épisode étonnant du « concours de 1857 », qui voit quatre spécialistes proposer indépendamment quatre traductions concordantes du même texte akkadien et démontrer ainsi que cette langue pouvait être considérée comme déchiffrée. Plus tard, l’entrée en scène des « archéologues professionnels », avec Koldewey, Woolley, Parrot et leurs successeurs, ouvre une nouvelle époque. Tout cela est très vivant, se lit facilement et est de plus bien illustré, principalement avec des objets conservés au Musée du Louvre.

407Je n’ai aucune compétence pour apprécier la partie proprement philologique de l’ouvrage, mais elle m’a paru claire et relativement accessible au profane, moyennant une certaine connaissance du système grammatical des langues classiques. Il y a quelques lacunes : on regrettera la brièveté du chapitre consacré à l’Asie Mineure, qui limite l’étude de la famille louvite à celle du louvite hiéroglyphique, et escamote ainsi le lycien alphabétique. La bibliographie aurait pu être enrichie : n’y figure par exemple aucun titre de Cl. Schaeffer non plus que d’E. Laroche, pourtant l’un et l’autre cités dans le texte. D’autre part, un index des noms de personnes et de lieux aurait été fort utile.

408Dans une discipline qui passe, souvent à juste titre, pour austère, ce livre, avec son mélange de sévères tableaux phonétiques et de récits quasi romanesques, tente le pari d’une vulgarisation à la fois attrayante et de haut niveau. Il faut espérer qu’il trouvera les lecteurs qu’il mérite.

409Christian Le Roy,

410Emérite de l’Université de Paris I,

4112, rue Alphonse Daudet,

41275014 Paris.

413christian.le.roy@wanadoo.fr

Prioux Évelyne, Petits musées en vers. Épigramme et discours sur les collections antiques (L’art et l’essai, 5), Paris, CTHS / INHA, 2008, 1 vol. 16,5 x 22, 384 p., 67 fig. ds t.

414Although the relationship between visual art and the epigram has been the focus of numerous essays since the publication of the new Posidippos, É. Prioux’s Petits musées en vers is the first study to draw the full implications of that important new text for our understanding of the relationship between epigrams and visual art in the Hellenistic cultures of Greece and early imperial Rome. In doing so, she has taken a series of what seemed fascinating but perhaps somewhat marginal texts and monuments and placed them firmly in the centre of our picture of elite practices of collecting and viewing.

415After briefly sketching the early evidence for art collecting in the ancient world, and pointing to the parallel development of the ekphrastic epigram and the practice of art history writing in the 3^rd century bc, P. proceeds to explore the place of epigrams in Greco-Roman cultures of collecting from the beginning of the Hellenistic period to the 2^nd century ad. Her study falls into two parts. The first, “Anthologies peintes”, looks at the use of painted and inscribed epigrams as components of surviving ancient collections of works of art. The second, “Muséographie poétique”, looks at more purely literary collections of epigrams which apparently describe ancient art collections.

416The House of the Epigrams at Pompeii, the inscribed paintings of the so-called House of Propertius in Assisi, and a set of inscribed herm busts from the Villa of Aelian, just south of Rome, offer the materials for the first half of the book. In contrast to earlier studies which have interpreted the House of the Epigrams as a kind of copy of some illustrated manuscript, P. emphasizes the agency of the patron as an active anthologiser of the epigrams selected, emulating Meleager and his Garland, to which both the epigrams and the paintings seem to allude in a series of metapoetic references to the history of literature: the goat sacrifice to the origins of tragedy, Homer defeated by the riddling fishermen to the triumph of epigram. Both the epigrams of the House of Propertius, and those on the herm-busts of Homer and Menander at the Villa of Aelian, are shown by P. to presuppose a prodigious literary and iconographic erudition on the part of their composers and viewers. They interpret the collections of images which they frame through a dense web of subtle intertextual references to authors ranging from Homer and Pindar to Theocritus and Ovid, whilst alluding to statues such as the Eros of Thespiai and portraits of Homer dedicated by Ptolemy Philopator. The readings P. offers are extremely rich and inevitably, given the fragmentary character of the survival of her first two collections, in places somewhat speculative. But she does a much better job than any of her predecessors of drawing out the relationships between image and text, rather than privileging either one or the other; this she achieves largely through the focus on practices of “collecting” as her organising framework. Perhaps more important than the specific details of the readings —which we will doubtless continue to argue about, endlessly— is the cultural and institutional framework in which she has placed these collections of texts and images, and the generic kinds of reading which they must imply.

417The second part of the book looks at more purely literary collections of epigrams which may nevertheless describe real collections of works of art, and which reveal both the principles which may have informed both types of collection, and the ways in which such collections may have been read by cultivated viewers. The first chapter argues that a series of epigrams by the Locrian poetess Nossis, although scattered through the Greek Anthology, should be read as a group, concerned as they are with dedications which all take place in a sanctuary of Aphrodite and include a number of portraits of women. The epigrams in question all thematise specifically female viewers’ responses to portraits of women, and, P. argues, perhaps influenced the more ironical treatments of female viewing in Herondas Mimiambus IV and Theocritus Idyll XV.

418The second chapter of this section, discussing two sets of epigrams from the new Posidippos, provides the corner-stone of P.’s analysis. P. demonstrates both the intimate connection between epigrams and early art historical discourse, and the range of levels of meaning —aesthetic, literary, scientific, political— on which practices and discourses of collecting might operate in the Hellenistic court culture. The lithika not only functions as a kind of encyclopaedia of the domains of Alexandrian science, from geometry and medicine to optics, but also functions as an encomium of Ptolemaic rule in Egypt. At the same time, it employs discourse on the properties of the eponymous collection of stones to articulate the principles of Posidippos’ own literary aesthetic. Anticipating the semantic system which T. Hölscher has argued characterised the Roman appropriation of Greek art, an imaginary collection of statues, the andriantopoika —compares a series of famous statues by major artists from the archaic period to the early Hellenistic periods in terms of their variable articulation of key dimensions of aesthetic value, semnotes, leptotes, akribeia and megethos. A contemporary statue —a portrait of the poet Philitas by the sculptor Hecataios— is praised as an embodiment of the leptotes and akribeia which also characterises Posidippos own poetics, whilst Chares’ Colossos of Rhodes is celebrated as combining the megethos of Phidias with the akribeia of Polykleitos, an aesthetic synthesis, Posidippos implies, possible only in visual art, not in literature.

419A final chapter, on Martial and images of power, argues that a group of thirteen epigrams from Martial’s Apophoreta, ostensibly describing a series of small statues and paintings that might be given to the emperor on the occasion of the Saturnalia, in fact serves to celebrate Domitian as the renovator of an Augustan cultural politics, and more particularly of the Templum novum divi Augusti and its art collections. P. demonstrates how the specific selection of works of art made by Martial fuses a metapoetic celebration of his own literary aesthetic of brevitas and playfulness, with a political allegory linking the rise to imperial status of the Flavian family, in particular Domitian, with the earlier ascent of Augustus.

420The picture which emerges from this series of studies is one of practices of art collecting and viewing predicated on extraordinary literary and visual erudition: P.’s deeply hellenised, literarily sophisticated, and art-historically learned elite viewer represents the antitype to J. Clarke’s “ordinary Roman viewer”, and gives some sense of the highly stratified character of artistic consumption in the Hellenistic and Roman worlds. As P. points out, against this general background, there are differences in the cultures of collecting and viewing characteristic of each period, each context, and each author she studies. The character and significance of these differences is an aspect of these materials it would be interesting to see more systematically explored in future studies. In particular, the changing structures of the literary and artistic fields, and their changing relationships to the field of power, would seem to call for a cultural sociology in the tradition of P. Bourdieu, to supplement the largely philological and iconographic analysis which P. deploys with such fruitful results.

421Quite apart from the quality of its content, the book is itself a model for academic publication. The chapters on the House of the Epigrams and the House of Propertius are fully illustrated with colour plates, excellent reconstruction plans and montages to give the reader a clear idea of the specific architectural placement of their pictorial programmes, and in addition drawings and photographs of the engraved epigrams, so that we can easily check the author’s readings of these texts. For both these sites, P.’s study now offers the clearest and most convenient first point of entry, as well as the richest interpretation. Lastly, although published in paperback, the book has a strong properly sewn binding, ensuring that it can survive the frequent reading and consultation which it will surely receive. This book is major contribution to our understanding of elite aesthetic practices in Hellenistic Greece and early imperial Rome, which will be of great interest to specialists in both art history and literature.

422Jeremy Tanner,

423Institute of Archaeology,

424University College London,

42531-34 Gordon Square,

426GB-London WC1H 0PY.

427jeremy_tannertw@yahoo.co.uk

Gras Michel, Tréziny Henri, Broise Henri, préf. de P. Pelagatti et G. Voza, Mégara Hyblaea 5. La ville archaïque (Mélanges d’archéologie et d’histoire, Suppl. 1/5), Rome, ÉFR, 2004, 1 vol. 22 x 28, viii + 648 p., 1 dépl. coul., 480 fig. ds t.

428Le volume 5 de la publication de la fouille de Mégara Hyblaea est à la fois une relecture des relations des explorations du site antérieures à 1977, la publication des fouilles du plateau méridional qui se sont déroulées entre 1977 et 1983, et une synthèse sur la ville archaïque. Les auteurs ne cessent de dialoguer avec leurs prédécesseurs et tissent des liens étroits entre leur ouvrage et les volumes antérieurs de la série : Mégara Hyblaea 1, paru en 1976, sur le quartier de l’agora à l’époque archaïque, dont ils complètent l’Atlas, feuillet par feuillet, dans leur chap. vii, Mégara Hyblaea 3, le précieux guide paru en 1983, mais aussi, quoique plus épisodiquement, Mégara Hyblaea 2, volume consacré à la céramique archaïque du site, qui a inauguré la série en 1964 et a fait l’objet d’une nouvelle édition en 1979. Seul le volume Mégara Hyblaea 4, consacré au temple du iv^e siècle, n’est quasiment pas cité.

429Plus d’un siècle après la monographie de F. S. Cavallieri et P. Orsi, plus de vingt-cinq ans après la parution du volume dédié à l’agora, Mégara Hyblaea 5, consacré, comme le précise le sous-titre sur la page de titre, à « l’espace urbain d’une ville grecque de Sicile orientale », présente donc un site doublement intéressant par son histoire propre entre fondations et abandons (même si la radicalité des ruptures a été remise en cause à juste titre), mais aussi par l’histoire de son exploration, qui fait l’objet depuis 1949 d’une collaboration exemplaire entre la Surintendance des Antiquités de Syracuse et l’École française de Rome. Au départ, le projet des auteurs était plus modestement de publier les recherches qu’ils avaient menées sur le plateau sud en sept chantiers (quatre portant sur l’habitat et trois sur l’enceinte), soit sur une superficie de 1 000 m² — pour mémoire, le quartier de l’agora fait 22 500 m². Au terme de l’entreprise, ce sont les 60 ha de la ville archaïque, fouillée cependant pour moins d’un tiers de son étendue, qui sont présentés au lecteur, ce qui a demandé une relecture synthétique et critique de toutes les données existantes et, tout particulièrement, un important travail aux archives de la Surintendance et de l’École française de Rome.

430L’ouvrage, qui comprend dix chapitres, peut se diviser en trois parties : une première de quelque 230 pages est consacrée aux données fournies par les fouilles antérieures à 1977 (chap. i), par la fouille de l’habitat du plateau sud (chap. ii) et les sondages le long de l’enceinte méridionale (chap. iii) ; une deuxième partie de quelque 220 pages tire de ces données des synthèses partielles sur les fortifications archaïques (chap. iv), le sanctuaire du nord-ouest (chap. v), le plateau nord (chap. vi), l’agora (chap. vii) ; une troisième de 126 pages offre des synthèses globales sur la construction à Mégara Hyblaea (chap. viii), la mise en place du plan urbain (chap. ix), les cultes et la société (chap. x). La brève conclusion générale est suivie d’une importante bibliographie de 26 pages dont la consultation est facilitée par un artifice typographique, de la liste des 480 illustrations du volume et de trois précieux indices, l’index des sources anciennes, un index topographique et un index thématique.

431Certains points méritent particulièrement d’être soulignés parce qu’ils entraînent des remises en cause de faits qui paraissaient établis, ou parce qu’ils incitent à poser ou à reposer des questions de fond dans le domaine de la colonisation. Ainsi, les fouilles de 1977-1983, en permettant de supposer que le plateau sud a été occupé dès la fin du viii^e s., en même temps que le plateau nord et selon les mêmes principes, empêchent de parler d’une extension ultérieure de l’habitat vers le sud, même si l’occupation, peu dense à l’origine, s’est intensifiée au vii^e s. Il faut d’autre part abandonner l’idée d’un habitat hellénistique sur le plateau sud, qui présentait alors un paysage rural avec des fermes installées sur des maisons archaïques, ou sur le rempart dont elles remployaient des blocs. Quoique les spoliations de Frédéric II pour la construction d’Augusta et les destructions liées à l’implantation de la voie ferrée en 1868 l’aient rendu ingrat, le travail mené sur la fortification méridionale a abouti à l’hypothèse de l’existence d’un rempart primitif de la fin du viii^e s. comportant fossé et agger, qui a précédé les diverses phases du rempart archaïque. En revanche, il n’est toujours pas possible d’identifier la divinité principale du sanctuaire du nord-ouest, dont le temple a été construit à la fin du vii^e s. ; les différentes propositions reposent sur des a priori : Artémis pour son importance à Mégare, Hyblaea, divinité locale de la fécondité et de la terre, Héra pour le rôle que jouent ses sanctuaires dans les relations entre colons et indigènes. La reprise de l’étude de l’edificio voisin n’a pas abouti non plus à une interprétation satisfaisante de cette curieuse structure archaïque qui a été réutilisée à l’époque hellénistique et à l’époque romaine comme bâtiment agricole. En revanche, le « tempietto B », qui ne présente ni le plan ni le matériel attendus pour un temple, pourrait être une demeure aristocratique, tandis que le temple C, un des plus anciens lieux de culte de la cité, dont le plan demeure énigmatique à cause de l’arrêt des fouilles, pourrait avoir été un temple prostyle in antis, selon l’hypothèse privilégiée par les auteurs qui n’excluent cependant pas un très grand temple périptère ou deux édifices, dont l’un serait de type mégaron. Enfin, l’hérôon à l’ouest de l’agora ne serait pas le tombeau de l’oikistès Lamis mort à Thapsos, mais une sorte de « lot témoin » (quasiment au sens où les agents immobiliers emploient le terme d’« appartement témoin »), qui rappellerait le temps de la première installation. Quoique le pseudo-hérôon ait les dimensions d’un lot et qu’il présente une division en deux, semblable à celle des lots ordinaires pour la maison au nord et la cour au sud, un tel culte du Klèros « divinisé » paraît sans exemple.

432Comme dans le cas du rempart, la confrontation des données conduit les auteurs à penser que l’agora est une création primaire, contemporaine de la mise en place du plan d’urbanisme à la fin du viii^e s. La thématique public/privé, qui a connu récemment un certain succès, a été mise à l’épreuve à Mégara Hyblaea : si l’étude de l’agora a permis de constater une extension du domaine public aux dépens du domaine privé, elle a aussi incité à ne pas conclure qu’un édifice est public du simple fait qu’il est en grand appareil. Mégara Hyblaea offre une situation exemplaire pour étudier l’évolution de l’habitat, de la pièce unique de plan carré à la maison composée par ajout latéral d’une ou de deux pièces semblables, sans communication entre elles. Les maisons à pastas fermée qu’on y trouve sont liées à un mode de vie semi-rural avec des animaux en liberté dans la cour, à la différence des maisons citadines à pastas ouverte d’Olynthe.

433Ce sont les conclusions sur les premiers temps de Mégara Hyblaea qui susciteront le plus de débats. Les auteurs, en effet, se déclarent en faveur d’une conception globale avec enceinte, lotissement pour habitat privé et agora vers 700. Pour eux, après une phase de durée impossible à déterminer (mais qui ne paraît guère avoir dépassé une génération), où les colons, à la suite de tractations avec les indigènes, ont habité des cabanes proches de silos creusés dans la roche pour stocker les denrées, voire des abris en partie enterrés, il y a eu délimitation précoce de l’espace urbain avec le tracé de la future enceinte, qui tenait compte des axes de circulation antérieurs à l’arrivée des Grecs pour l’implantation des portes. C’est à partir de ces axes que le plan d’urbanisme aurait été mis en place avec ses alignements deux à deux des files de lots d’habitation qui constituent les îlots des archéologues, réalité moderne sans équivalent dans l’Antiquité où ce qui compte, au moins jusqu’à l’époque hellénistique, c’est la rue. Cependant, il est possible que les plateformes, circulaires ou non, qui ne se trouvent jamais dans les espaces publics soient des aménagements cultuels liés à des groupes de lots. L’oikos qui est l’unité de base se compose, pour les auteurs, de l’émigré, de sa femme indigène et de leurs enfants, composition qui ne vaut, faut-il le rappeler, que pour la première génération, puisque des filles sont forcément nées de ces unions. Si la définition donnée par G. Nenci de l’oikopédon comme lot standard attribué pour bâtir une maison est reprise, celle de gèpédon comme jardin à côté du terrain portant la maison est rejetée. Les différences de dimensions entre les lots sont dues aux difficultés que rencontrent les « géomètres » dans un système à axes non orthogonaux pour obtenir des surfaces égales : en effet, les deux grandes rues est-ouest ne sont ni tout à fait rectilignes ni parallèles. Comme le soulignent les auteurs, l’existence de lots à Mégara Hyblaea à la fin du viii^e s. démontre que les vers du chant VI de l’Odyssée sur la fondation de Schérie ne sont pas interpolés : c’est là un point qui fera, n’en doutons pas, débat.

434À partir de la confrontation des sources littéraires et des données archéologiques, les auteurs posent la question de la constitution d’une cité à partir de l’arrivée d’un groupe d’émigrés dans un espace désert (ou considéré comme tel). Ils s’interrogent sur ce que la métropole a pu apporter, mais ils doivent conclure que l’archéologie ne permet pas de retrouver les cinq quartiers qui auraient été la transposition des cinq kômai de Mégara Nysaia, car les orientations sont supérieures à cinq ; ils ont d’ailleurs exposé à propos des installations artisanales que le quartier ne semble pas un bon outil pour aborder la réalité d’une ville archaïque. On pourra discuter du rapprochement qu’ils font entre les files de lots et les files d’hoplites dans la phalange et se demander si le goût de l’abstraction et de la théorie auquel les auteurs, en bons archéologues, avaient opposé la matérialité des faits à propos des cinq quartiers, ne réapparaîtrait pas.

435Quoi qu’il en soit des conditions réelles de l’implantation, la fondation fut un succès. Dès le vii^e s. Mégara Hyblaea a une population abondante, comme le montre le nombre de puits — il est plus délicat de tirer des conclusions du périmètre de l’enceinte. C’est avec raison donc qu’ils s’opposent à la vision misérabiliste de F. De Angelis. On peut trouver cependant que leur proposition pour le vi^e s. de 8 à 10 000 habitants, avec environ 2 000 lots, pourrait encore être revue à la hausse, si l’on songe aux calculs faits par M. H. Hansen (The Shotgun Method, Columbia University Press, 2006). La fondation de Sélinonte est un signe du dynamisme démographique de Mégara Hyblaea, mais aussi sans doute des tensions à l’intérieur de la cité. Ce qui conduit à poser la question de la constitution du dèmos au sens d’élément populaire opposé aux pacheis, ces descendants des premiers colons qui sont les équivalents des gamoroi syracusains. À la différence du cas syracusain, on ne voit pas d’indigènes en situation de dépendance s’allier au dèmos et il convient d’être prudent avant d’extrapoler à partir de Syracuse. La présentation de la ville archaïque ouvre des perspectives pour de nouvelles études : ainsi, les recherches ultérieures devront s’intéresser de près aux relations entre Mégara Hyblaea et Sélinonte, et tout particulièrement pour ce qui est du plan, où la différence principale est liée à l’utilisation à Sélinonte de l’angle droit. Dans ce cas, un principe abstrait, celui de l’égalité des lots, l’aurait emporté sur la réalité topographique des axes de circulation. On peut se demander si ce changement est lié à l’écart chronologique ou à un contexte différent de fondation : le rôle important joué par les indigènes dans certaines versions de la fondation de Mégara Hyblaea pourrait expliquer une implantation tenant compte de leur réseau viaire. Un autre point qui ressort du livre, sans qu’il y soit porté une attention particulière, est celui de la situation de la cité à la veille de sa destruction : si les sources littéraires mettent l’accent sur les tensions sociales qu’elle connaît, l’archéologie montre la prospérité d’une cité qui réaménage ses fortifications et donne une nouvelle parure architecturale à ses temples. Ces détails révélés par les fouilles permettent de comprendre pourquoi la cité s’est lancée dans la guerre contre Syracuse qui devait entraîner sa perte.

436Emportés par leur sujet qu’ils connaissent à fond, les auteurs ont parfois oublié leurs lecteurs : ainsi l’emploi p. 81 de l’adjectif « pomérial », qui n’est défini qu’à la n. 135 de la p. 138 et qui ne figure pas dans l’index, alors que les emplois du mot dans la suite du texte font l’objet de notes avec renvois internes, ou l’explication seulement à la n. 8 de la p. 163 du système qui permet de former les nombres à quatre chiffres désignant les unités stratigraphiques, explication qu’il aurait fallu donner p. 49, à la suite de la liste des diverses dénominations utilisées. Certes, un lecteur attentif peut trouver par lui-même la solution.

437À la différence de Mégara Hyblaea 1, qui est présenté dans un coffret regroupant les trois volumes du texte, de l’Atlas et des illustrations photographiques, cette publication ne sépare pas texte et image, ce qui n’empêche ni le recours à la couleur, ni les pleines pages. Cette illustration abondante, diverse et de qualité, donne à voir les plans anciens de Cavallieri et d’Orsi, ainsi que d’autres documents d’archives, de nombreuses photographies anciennes ou récentes, et des plans faits pour cet ouvrage que l’utilisation pertinente des couleurs rend clairs et immédiatement compréhensibles.

438Ce beau livre est une sorte de lampadédromie archéologique. Hérité des fouilleurs italiens de la fin du xix^e et du début du xx^e s., le flambeau a été repris en 1949 par la première génération des fouilleurs de l’École française de Rome, qui a assuré dans les années 1970 la transmission à la deuxième génération, celle qui a écrit ce livre. Souhaitons la transmission à d’autres générations de cette flamme, sous la double égide de la Surintendance des Antiquités de Syracuse et de l’École française de Rome, pour une heureuse poursuite de l’exploration et de la publication du site de Mégara Hyblaea.

439Anne Jacquemin,

440Université de Strasbourg, MISHA,

4415, allée du général Rouvillois,

442CS 50008,

44367083 Strasbourg Cedex.

444jacquemi@unistra.fr

Söldner Magdalene, Bios Eudaimon, Zur Ikonographie des Menschen in der rotfigurigen Vasenmalerei Unteritaliens. Die Bilder aus Lukanien, Möhnesee, Bibliopolis, 2007, 1 vol. 21,5 x 27,5, 248 p. + 238 fig. h. t.

445De toutes les imageries italiotes, l’iconographie mythologique apulienne est sans nul doute la plus étudiée à ce jour. L’ouvrage original de M. Söldner offrira désormais une nouvelle base de discussion sur les scènes non mythologiques de la céramique lucanienne produite entre le milieu du v^e s. et la deuxième moitié du iv^e s., en apportant un précieux corpus d’illustrations et en proposant une étude systématique d’une iconographie qui est majoritaire au sein de cette production.

446L’A. revendique d’emblée une démarche à contre-courant des études actuelles de contextualisation en se concentrant uniquement sur l’image (ce colloque récent sur la contextualisation n’est pas cité par l’a. : M. Denoyelle et al. éd., La céramique apulienne, Bilan et perspectives, Actes de la Table ronde de Naples, 30 novembre-2 décembre 2000, Coll. Centre Jean-Bérard, 21), Naples, 2005. Pour l’a., le contexte archéologique ne permet pas à lui seul de définir la fonction de la céramique lucanienne comme funéraire (p. 7). L’A. plaide au contraire pour une étude iconographique qui contribue par elle-même à la compréhension des contextes archéologiques et culturels.

447L’ouvrage, qui traite de l’ensemble du style lucanien, est constitué de cinq grands chapitres iconographiques abordant chacun un type de scène, subdivisés en diverses thématiques traitées en passant en revue chronologiquement les principaux ateliers définis par A. D. Trendall (Peintre de Pisticci, Peintre d’Amycos, atelier du Peintre de Créüse, de Dolon et de l’Anabatès, le Peintre de Brooklyn-Budapest ainsi que les ateliers du Lucanien tardif), un découpage très rigoureux qui entraîne parfois des redites.

448Une introduction générale (p. 1-15) présente un état sommaire de la question sur la céramique à figures rouges italiote, les objectifs et la thèse principale de l’ouvrage. L’A. ne voit dans le caractère anonyme, ambigu et flottant des figures de cette imagerie aucune référence à la vie quotidienne, ni à un statut social spécifique, ni même à un au-delà, mais une vision « anthropocentrique », une représentation idéale de l’existence de l’humain en quelque sorte « démonisé », selon une conception analogue à celle de Platon, dont elle utilise à dessein le vocabulaire. C’est donc ce glissement vers des scènes sans situation précise que l’a. va tenter de montrer tout au long de l’ouvrage.

449Le chap. ii (p. 16-46) se concentre sur l’évolution des scènes de poursuite déjà si fréquentes chez le Peintre de Pisticci ; en s’inspirant du répertoire mythologique attique, elles se muent progressivement en des scènes anonymes, combinées parfois avec des figures « statiques », où le caractère agressif disparaît au profit d’une connotation érotique.

450Le plus important chapitre de l’ouvrage (iii, p. 47-164) est consacré aux représentations souvent qualifiées de « scènes de la vie quotidienne » ou « scènes de genre », que l’a. ne manque pas de renommer à juste titre « images de jeunes hommes et de femmes », pour éviter les a priori interprétatifs (p. 11 et 51). Partant de la combinaison minimale homme/femme, l’a. se penche sur tous les éléments de l’image permettant une identification des figures. La réflexion sur les objets (le terme « attributs », trop attaché à un contexte spécifique, n’est sans doute pas adéquat) y tient une place toute particulière : lance, balle, couronne, taenia, phiale, auxquelles s’ajoutent le kerykeion et la massue, qui laissent souvent des doutes sur l’identité humaine ou mythologique de leur porteur. Dans la même ligne, le chapitre comporte également des excursus sur les identifications controversées de Dionysos, Hermès ou Héraclès — figure humaine ou mythique ? Dans les nombreuses scènes d’hommage envers un homme, l’a. propose d’assimiler des figures sans ailes à des Nikai (p. 80-81) ; ailleurs, elle assimile des figures masculines ailées considérées habituellement comme Éros à des jeunes hommes « démonisés » (p. 88-91, 121-122, 160-161). En outre, elle souligne le peu d’éléments sépulcraux qui apparaissent dans cette iconographie.

451Les chap. iv (p. 165-176) et v (p. 177-200) abordent respectivement le monde masculin (athlètes et guerriers) et féminin (gynécée ou femmes en présence d’Éros). L’A. souligne à nouveau l’idéalisation des représentations de l’humain, en particulier des femmes, caractérisées parfois comme Aphrodite.

452L’iconographie où hommes et femmes interagissent est abordée au chap. vi (p. 201-226). L’A. met les scènes de couples entrelacés en relation avec le mariage et distingue les scènes centrées sur une klinè ou un klismos, selon leur transposition au domaine masculin ou féminin.

453La conclusion (p. 227-233), qui conforte la thèse initiale, reprend les caractéristiques de chaque atelier, apporte des réflexions générales sur l’iconographie lucanienne et propose d’élargir l’identification d’humains démonisés aux porteurs d’offrandes des scènes de naïskos apuliennes.

454On aurait pu attendre d’un travail d’habilitation rédigé en 1996/1997 un remaniement tenant davantage compte des recherches récentes, qui, loin d’être toutes citées, sont reléguées au sein d’un apparat de notes déjà très touffu. Par ailleurs, l’absence d’index et de catalogue rend la consultation de l’ouvrage peu aisée.

455Le reproche que l’on pourrait adresser à la démarche dans son ensemble est l’absence d’une discussion préalable sur la définition même de la céramique lucanienne. L’A. se fonde sur les classifications stylistiques de A. D. Trendall, aujourd’hui remises partiellement en question. De par la diffusion et les localisations probables de la production (Métaponte, Val d’Agri, Locres et même Tarente), le style lucanien, comme le relève l’a. elle-même (p. 10), constitue un ensemble de vases bien moins homogène que la céramique apulienne. Les études récentes montrent que le Groupe Intermédiaire est constitué en partie de peintres tarentins (voir Céramique apulienne, op. cit., p. 143-153). Le Groupe de Locres devrait plutôt être considéré en relation avec la Sicile (voir Céramique apulienne, op. cit., p. 155-161). De nombreuses nuances ont été apportées dans les groupements stylistiques (cf. les travaux de M. Denoyelle, cités néanmoins en note). Le Peintre d’Amycos regroupe plusieurs « mains » ; le Peintre de Brooklyn-Budapest, dont la liste d’attribution de Trendall est peu homogène, est incontestablement marqué par une influence apulienne : il devrait être examiné plus strictement dans son rapport avec cette imagerie. Puisque l’a. s’appuie tout particulièrement sur la cohérence de chaque atelier pour assigner une signification aux schémas iconographiques, les erreurs d’attribution peuvent remettre en question l’interprétation de l’ensemble d’une scène (par ex., les fig. 141, 206-207 sont manifestement des vases apuliens).

456Un des mérites de l’ouvrage est d’avoir mis en lumière certaines spécificités de cet ensemble, en particulier des premières générations de peintres lucaniens — « métapontins » serait plus juste —, d’avoir décrit et caractérisé dans les grandes lignes l’évolution de plusieurs séries iconographiques.

457La confrontation avec la céramique attique constitue tout au long de l’ouvrage une ligne méthodologique appropriée pour mettre en évidence des divergences ou similitudes essentielles. La rupture avec la céramique attique est évidente dès la deuxième génération de peintres (Groupe du Peintre d’Amycos). Par la suite, l’absence d’hétaïres, de scènes de type homoérotique, la mise en perspective d’une nudité idéale, l’aspect invasif de l’iconographie dionysiaque dans les scènes de jeunes hommes et de femmes et la rencontre de diverses sphères iconographiques en sont quelques caractéristiques remarquables. On peut regretter le peu d’attention portée à l’imagerie apulienne, dont certaines séries lucaniennes sont pourtant proches, et qui, très souvent, aurait pu fournir une confrontation plus éclairante que la céramique attique (par ex. les petits boucliers ronds que l’a. considère comme non fonctionnels, p. 92, sont courants chez les premiers peintres apuliens et renvoient probablement à une situation agonistique précise).

458Plusieurs raccourcis ou problèmes d’interprétation apparaissent dans les lectures iconographiques. Par ex., le geste de la dexiôsis est abusivement assimilé à celui du cheir epi karpô (p. 138-139). La massue est interprétée comme un instrument de chasse sans argument iconographique (dans la céramique apulienne lagôbolon et massue sont bien différenciés) ; elle identifie par contre souvent des guerriers là où les lances et le pétase désignent dans la céramique attique un chasseur. Dans des scènes de couples enlacés, l’identification d’une femme à la fenêtre comme une personnification du gamos (écartant Aphrodite, p. 217-220) pose aussi de sérieux problèmes de conception et de figuration.

459Par rapport à la thèse principale, l’identification de daimones ou d’humains « démonisés » reste très discutable. Si l’on peut effectivement attribuer ce rôle à des figures ailées (sur le caractère démonique d’Éros, voir V. Pirenne-Delforge, Éros en Grèce : dieu ou démon ? dans J. Ries éd., Anges et Démons [colloque Liège-Louvain 1987], Coll. Homo religiosus, 14, Louvain, Centre d’histoire des religions, 1989, p. 223-239 ; sur l’identification de daimones, voir l’interprétation récente de C. Huguenot, La tombe aux Érotes et la tombe d’Amarynthos (Eretria, XIX), Gollion, 2008, p. 151 sq.), comment pourrait-on assimiler des figures non ailées à ce statut sans indicateurs iconographiques de leur caractère « surnaturel » ? Le seul recours à l’analogie des compositions ou de schémas iconographiques nous paraît insuffisant (p. 89). Certains daimones sont ailés et de petite taille dans la céramique apulienne (voir Chr. Aellen, À la recherche de l’ordre cosmique, Kilchberg, 1994, p. 173-178). La céramique attique n’a résolu l’identification de Nikai sans ailes qu’avec des inscriptions. En bref, l’a. peine à justifier sa projection d’une conception philosophique postérieure sur une iconographie qui s’est développée en fonction d’exigences culturelles très diverses, qu’elle ne problématise pas. Que ces figures anonymes soient « idéalisées » apparaît en effet comme une évidence. Par ailleurs, A. Motte a bien montré la complexité et l’instabilité de la notion de daimôn chez Platon, qui récupère ses acceptions antérieures et les remodèle pour répondre à ses propres exigences philosophiques, ce qui rend sa figurabilité d’autant plus problématique (A. Motte, La catégorie platonicienne du démonique, dans Anges et Démons, op. cit., p. 205-221 ; M. Detienne, La notion de daïmôn dans le pythagorisme ancien, Paris, 1963, référence appropriée pour l’Italie méridionale, n’est pas cité).

460L’apport d’éléments externes à l’image aurait permis d’expliquer cette ambivalence qu’une analyse interne ne permet pas de comprendre. L’A. a exclu d’emblée le recours aux contextes funéraires (le problème du rapport avec le sexe du défunt n’est de loin pas résolu, comme le prétend l’a.), aux formes des vases et parfois même à l’interaction entre images — en particulier mythologiques. Le renvoi constant à la notion d’interchangeabilité de certains objets ou figures dans l’image (p. 48, 49, 91, 169) ne nous paraît pas toujours justifié. Pourquoi, alors, faire appel à des variations formelles ? Tous les éléments de l’image, dont le sens est dévalorisé par l’a., ne seraient donc là que pour caractériser de manière abstraite l’« humanité » des figures, coupée de toute réalité sociale ou distinction du genre ? Convoquant tous les paramètres de la recherche, la thèse d’A. Hoffmann sur la nécropole de Tarente avait pourtant attribué à la céramique apulienne figurée une fonction de marqueur social (Grabritual und Gesellschaft, Gefässformen, Bildthemen und Funktionen unteritalisch-rotfiguriger Keramik aus der Nekropole von Tarent, Rahden, 2002). L’A. déduit de son étude iconographique que les vases n’avaient pas de fonction funéraire. N’est-ce pas la caractéristique d’une iconographie funéraire que d’aboutir à une seule « présentification » de l’homme ?

461La thèse fragile du Bios Eudaimôn se fonde pour nous sur une conception philosophico-religieuse difficilement généralisable, éloignée de la réalité des processus culturels et sociaux conditionnant le développement d’une iconographie figurée. L’A. a pourtant bien montré le développement d’une caractérisation de l’homme mêlant idéal social, héroïque ou divin et soulève une série de questions fondamentales de définition qui touchent toutes les productions italiotes à figures rouges. Les chercheurs bénéficieront ici d’une ample documentation pour ouvrir le débat.

462Didier Fontannaz,

463Université de Lausanne,

464Institut d’Archéologie et des Sciences de l’Antiquité,

465Anthropole,

466CH-1015 Lausanne.

467Didier.Fontannaz@unil.ch

Bragantini Irène dir., Poseidonia – Paestum, V. Les maisons romaines de l’îlot Nord (Coll. ÉFR, 42/5), Rome, Istituto Centrale per il Catalogo e la Documentazione / ÉFR, 2008, 1 vol. 22,5 x 28, xv + 358 p., 106 pl. avec 259 fig., 12 plans

468This fine report is the product of the collaboration for the publication of the archaeology of Paestum, which includes a number of French and Italian institutions, including the National Research Councils of both countries, the Soprintendenza di Salerno, the École Française de Rome, the University of Naples and the Istituto Centrale per il Catalogo e la Documentazione. In this fifth volume of the Paestum series (the earlier ones covered the Forum, the Curia and the Agora), the four authors undertook the task of documenting a single insula, in (n-2) of the Roman colonia, excavated in fits and starts between the 1950’s and 1981. The documentation of the earliest excavations had gone missing, and that of the later ones was sketchy at best. The report thus represents a careful room-by-room, wall-by-wall, restudy of the whole complex in an attempt to reconstruct both the form and the history of the buildings of the insula. It gives us valuable new evidence for the nature of the Roman house in a colony where some of the indigenous élite were clearly present.

469In the first section R. Robert and I. Bragantini join the architect A. Lemaire in the description of the southern half of the insula. Their procedure is logical: a description of each room in a given house, preceded by a form on which its dimensions and doors are recorded. For each house B. provides a description of the pavements [14], followed by a lengthy discussion by R. and L. on the plan. They chose to use Vitruvian terminology, justifying this choice by the view that all of the terms are flexible —they were hardly otherwise in Vitruvius’ time— and that they have the advantage of not falling into the anachronistic ‘front hall’. They might have added that in this use, as scholars, we are communicating with each other in a technical language whose sense we all understand, avoiding the fairly lugubrious if apparently more ‘objective’ circumlocutions recently introduced in Pompeii, such as ‘small closed rooms off front halls’ instead of cubicula (cf. P. Allison, Pompeian Households: an analysis of the material culture, Los Angeles, 2004). The building techniques, too, are described using conventional terms, although here the lack of more precise descriptions, especially for the later phases, may be more strongly felt. The building techniques and the pavements are the only clear evidence for the dating of the structures and their phases: thus in house B the atrium is rebuilt in opus vittatum mixtum, which would date the reshaping of the building to the Flavian period, and perhaps imply the arrival of new proprietors of the Vespasianic officer class. The double atrium house constituted by the union of houses A and B is compared at great length to the examples at Pompeii: as there, it must represent the acquisition of neighbouring buildings by one of the houses, in this case by house B, in order to create spaces that served rather different functions, perhaps, but not necessarily, separating family and reception spaces. The result is a huge building, in the highest size-category of those established by Wallace-Hadrill for Pompeii (cf. A. Wallace-Hadrill, Houses and society in Pompeii and Herculaneum, Princeton, 1994, p. 72-82), that surprises only for its relatively modest decoration, and total lack of baths. Only one mosaic was ever laid, and the rest of the floors retained the elegant but hardly luxurious cocciopesto decoration of the Augustan period. There are fascinating glimpses of the social dynamic as well: if House C was absorbed by A-B, as a door between them shows, it remained largely separate, perhaps used by other members of an extended family, or by tenants. Its raised portico would have loomed above the back wall of B, creating the sort of effect we see reproduced on wall-paintings. What we are seeing here is not the earliest phase of the colonial settlement, pretty well obliterated by the buildings of the second century bc, but rather the culmination of a process of agglomeration in which at least four houses absorbed their neighbours, reducing the total number of independent dwellings in the insula from perhaps 14 to 6 or 7, depending on what we are counting as houses [15]. Most of this process seems to have been accomplished by the end of the first century bc.

470Unlike what we know of the contemporary buildings at Cosa, however, the élite houses of Paestum do not follow a single plan. House C has an effectively centripetal plan, with rooms on four sides of an open courtyard with a central basin in the fashion of the Hellenistic house. Evidently, no one was controlling the form of the house that was built on any given plot, and some families resisted the general trend towards conformity with Roman models. R. and L. provide an excellent discussion of this mix of Hellenistic houses and their interaction with the Roman type (p. 178), an interaction that certainly reflects that between Hellenistic élites and Roman fashion. It would have helped, however, to have summary plans of the houses they refer to in the discussion; most of us do not know the site of the Caridad at Caminreal or of the Maison des Antes at Glanum by heart. This sort of discussion, which relies on the comparison of plans, is almost impossible to follow without having the material to hand.

471House D, dating to the third century, also has a centralized plan, with no axiality and a large peristyle courtyard. Another ‘winner’, it clearly absorbed a series of houses to its north, of which very little remains. However, there is good evidence for the creation of a garden to the northeast, separated from D by small structure opening towards the street to the east, and separated from it by a large square foundation. R. and L. suggest that this might have been a small sacellum with an altar in front of it, but seem confused by its relationship to the house. Was it public or private? The evidence from the house of Diana at Cosa suggests that it was both. There the construction of a small sacellum dedicated to Diana against the garden wall coincided with the opening of the garden to the street, allowing adepts of the cult to participate in the sacrifices that took place on the small altar in front of it without passing through the house (cf. E. Fentress, Cosa V: An Intermittent Town, Excavations 1990-1997, MAAR suppl. II, Ann Arbor, 2004, p. 38-51) [16]. At Paestum one passed through the space of the sacellum to reach the garden, making it slightly more public. However, both examples expand the range of the typical Pompeian garden shrine, simultaneously rooting it in the garden and opening it up to people outside the immediate family and its guests.

472This first half of the book concludes with a good discussion of the social and economic evidence provided by the houses (p. 238). It is particularly striking that at the time of their last occupation most of the pavements were at least 400 years old. The lack of renewal in most instances might indeed reflect conservatism on the part of the owners, but it strongly suggests economic stagnation as well.

473The second half of the book is the work of R. Di Bonis. In addition to the work of documentation of the existing state of the buildings, she undertook a philological reconstruction of the stratigraphy removed by the excavators but preserved in the drawings of the baulks left over by the ‘Wheeler method’ of excavation by 5 x 5 m. grids in the 1970’s. As usual in continental Europe at that period, the format simply gave a scientific appearance to non-stratigraphic excavation by levels. She convincingly shows that the levels hardly reflect the real stratigraphy, as sherds of, say, the late amphora Keay LII occurring on floors of the Republican period simply indicate that intrusions were missed. However, the preservation of at least some of the materials from this excavation, along with the notebooks recording the heights of some of the features, allows her to sketch a reconstruction of the history of the insula, showing building activity into the first half of the fifth century, and some sort of occupation, including the mining of the site for limekilns, into the seventh. The later occupation seems to cover dense falls of pisé de terre, which must have formed the upper part of most of the walls of the houses [17]: the presence of very early sherds in the upper levels is probably due to their inclusion in this walling, as well as to the churning up of the earth due to robbing and other intrusions.

474The materials are then given a thorough treatment, with the now standard tables to record the precise numbers of sherds of each type, here divided into the levels in which they were excavated (which serves principally to demonstrate how meaningless the levels were). The statistics to be derived from these are fairly coarse and not helped by being served up in pie diagrams without an indication of the numbers involved. It might have been more useful to compare the assemblages with other well-published contexts from other sites in the region, but the information is certainly there to allow that game to be played by others [18].

475Di B. concludes with an evaluation of the evidence for the occupation of Paestum in the later empire. Within the insula at least one house was rebuilt and occupied, but there is no evidence for such activity in the others in the northern part of the insula —for the southern area there is no evidence at all. In the fourth century a lot of roads were invaded by buildings, a fairly typical destructuring of urbanism in late antiquity. Around the Forum there were still private houses in the fourth century, some of which occupied the space of the portico. Also typical of late Roman towns in the West is the urban tissue as a whole, with settlement concentrated in discontinuous areas —the città ad isola (cf. C. Wickham, Framing the Early Middle Ages. Europe and the Mediterranean, 400-800, Oxford, 2005, p. 678-681). There remains a question as to just when Paestum lost any sense of itself as a city: when, that is, it became a small, impoverished collection of hamlets clustered near the remains of the mighty temples. The lack of renewal in most of the buildings (one house has rather low-quality third-century mosaics) after the Augustan period suggests that Paestum, like its sister colony of Cosa, withered during the empire, but the precise dynamics of this process well not become clear until the excavated remains are better known, and there is an opportunity for stratigraphic excavation.

476This excellent documentation of a portion of what was left behind by the great sterri of the past is complemented by L.’s splendid plans and sections, reproduced at 1:100 in a folder in the back of the book. Her work is less well-served by the publisher in the figures reproduced within the book itself, where the scales are entirely random, leaving an immediate visual comparison between the plans of, say, two signinum pavements impossible. This very common problem results from the book designer’s desire to fit the plan to the space available, rather than reproducing graphic representation at a set of standard scales. It is a bad habit that can be thwarted, but only by very determined authors. One might also question why, today, all the figures have to be grouped together and reproduced on glossy paper —the minute gain in clarity is offset by the boredom for the reader of having to flip back and forth between text and illustration. A more flexible approach to the layout might also have inspired the use of more figures to illustrate the interesting arguments of the authors. But this is a quibble: the figures themselves, both graphic and photographic, are of very high quality, and there is an abundant use of colour. The book is beautifully produced, with a minimum of typographical errors, even in the vast bibliography [19].

477The final question posed by this book is one of sustainability. The labour of love that went into its production cost numerous seasons of work. Nothing can replace this sort of careful, meticulous observation, documentation and analysis. But when one considers that it is only one of five excavated insulae, some of which are significantly larger, the question arises, will the experiment be repeated? How much could be saved by balancing catalogues of photographs and finds on the web with a more synthetic publication of the narrative and discussion in hard cover? In the meantime, we should be grateful that books like this are still produced.

478Elisabeth Fentress,

479Arco degli Acetari 31,

480I-00186 Roma.

481Elisabeth.Fentress@gmail.com

(coll.), Alba della città, alba delle immagini? Da una suggestione di Bruno d’Agostino (Tripodes, 7), Athènes, Scuola Archeologica Italiana di Atene, 2008, 1 vol. 17,3 x 24,5, 109 p., fig. ds t.

482Ce joli petit volume — d’une centaine de pages et avec de nombreuses illustrations agréablement mises en page — est édité par l’École archéologique italienne d’Athènes en hommage à Br. d’Agostino pour ses 70 ans, comme cela nous est précisé dans la préface par le directeur de la collection, E. Greco. Il a aussi été inspiré par une « suggestion » de Br. d’Agostino, spécialiste des images étrusques et des premières attestations archéologiques de la protohistoire italienne. L’ouvrage, toutefois, en s’intéressant à « l’aube de la cité », privilégie les images de la Grèce géométrique, un sujet abordé récemment dans la publication de l’Institut suédois de Rome, Pictorial pursuits: Figurative painting on Mycenaean and Geometric pottery (E. Rystedt, B. Wells éd., 2006), mais qui est ici centré sur l’interprétation historique que l’on pourrait donner à ce phénomène étonnant : l’apparition, dans la seconde moitié du viii^e s., d’un répertoire figuré particulièrement articulé, après un long hiatus sans image. Quels sont les facteurs qui permettent de comprendre cette innovation, qu’un point de vue globalement social pourrait expliquer, comme incite à le faire le titre (Alba della città, alba delle immagini?) ? C’est ce qui est proposé à plusieurs spécialistes des représentations figurées grecques mais aussi étrusques, en fonction de dossiers dont l’actualité archéologique est de premier ordre.

483Br. d’Agostino ouvre la discussion par une réflexion générale sur la documentation figurée et les témoignages archéologiques et historiques concernant l’origine de la cité à Athènes, en prenant en compte les analyses les plus récentes de l’historiographie actuelle sur ces questions (I. Morris, L. Giuliani, A. Snodgrass). L’A. met bien l’accent sur plusieurs ambiguïtés ou difficultés d’interprétation que soulève cette documentation. On peut en retenir quelques-unes : le paradoxe de la rupture ou de la continuité de la tradition picturale, dans la mesure où l’apparition d’un nouveau répertoire iconographique est indéniable, alors que l’image s’attache avec constance à « projeter le présent dans une dimension héroïque » et à perpétuer ainsi un système de valeurs ancien à travers des motifs archaïsants ; celui du rôle de l’image, qui semble par son message consolider les racines de l’élite, mais en même temps affirmer le fonctionnement de la nouvelle communauté élargie, à travers certains motifs comme celui des funérailles ; son rôle comme substitut de la réalité dans la mesure où elle semble perpétuer des valeurs comme celle de la guerre dont les traces (les armes) ont disparu des tombes contemporaines ; enfin l’interprétation contrastée de l’image, comme un instrument aux mains des groupes dominants, pour résister aux bouleversements sociaux et faire accepter au peuple « l’ordre de la domination », ou au contraire comme un moyen pour les premiers de faire de ce dernier un interlocuteur en lui rendant visibles leurs rites et leur culture, ouvrant ainsi le « huis clos du cercle aristocratique ». Cette seconde possibilité, pour laquelle opte Br. d’Agostino, semble en tout cas indiquer un changement majeur et irréversible dans le fonctionnement de l’image, dès la seconde moitié du viii^e s., un changement que l’a. entend rapprocher de l’ouverture sociale contemporaine.

484La réponse d’A. Snodgrass se présente elle aussi comme une réflexion générale sur les représentations figurées de cette période. L’A., qui a publié des études fondamentales sur les premiers siècles de la Grèce et récemment un ouvrage sur les images géométriques, est en effet l’un des meilleurs spécialistes actuels pour aborder cette question. Il fonde son argumentation sur l’existence d’un changement net dans l’art figuré grec, au tournant du vii^e s., entre la documentation géométrique, qui exalte le clan aristocratique, et les images à partir de 700 qui répondent aux exigences des nouvelles classes émergeantes de la société. Cette analyse s’appuie sur la distinction que L. Giuliani (Bild und Mythos, 2003) a récemment établie, entre les images descriptives et narratives, les premières caractérisant le style géométrique, les secondes les innovations de l’image au début du vii^e s.

485Ainsi, selon l’a., qui l’a déjà soutenu dans d’autres ouvrages, les images de l’époque géométrique, qui appartiennent au genre descriptif, sont dépositaires d’une idéologie conservatrice, afin de défendre les valeurs de l’aristocratie menacée par les modifications sociales. Une thèse que propose aussi I. Morris pour les poèmes homériques. Les images narratives, qui mettent l’accent sur des personnages particuliers — héros mythologiques, légendaires ou ancestraux, que des inscriptions, le cas échéant, permettent aussi d’identifier, intègrent en revanche ces bouleversements sociaux. Il semblerait donc y avoir, aux yeux de l’a., un décalage entre la naissance de la cité, qui a lieu à l’époque géométrique mais dont on ne trouve pas encore d’écho dans l’art figuré, et l’intégration des nouvelles valeurs sociales dans l’image, qui ne survient pas avant la fin de la période géométrique.

486Les trois autres contributions développent quant à elles des dossiers particuliers : deux sur les images grecques (cycladiques : Paros, Tènos), une sur les images étrusques.

487Le texte sur les images pariennes, proposé par Fr. Croissant, consiste en un réexamen d’une documentation récemment publiée par P. Zaphiropoulou. Apportant un éclairage de la question pour la période géométrique, l’a. souligne la lecture « démocratique » qu’il est possible de faire de cette documentation. Ce serait donc dès la deuxième moitié du viii^e s. que l’art figuré parien reflèterait les transformations sociales liées à la naissance de la cité. Les deux amphores exceptionnelles de Paros, déposées dans le polyandrion de cent cinquante jeunes hommes morts pour leur cité, portent en effet un décor figuré sans précédent, avec des scènes de combat qu’il a été possible d’interpréter à la lumière des vers d’Archiloque sur la guerre lélantine et, plus généralement, sur la rivalité historique, durant le haut archaïsme, entre Paros et Naxos. La contribution de l’a. en propose une analyse stylistique et iconographique de détails.

488S’il reste difficile d’identifier précisément les différentes scènes de combat et, en particulier, de mettre en relation les personnages représentés et les défunts pour lesquels ces deux vases ont été peints, diverses composantes de l’image et du rituel funéraire semblent indiquer l’organisation en une polis bien structurée de la communauté à laquelle ces défunts appartenaient : à partir de ces données archéologiques et iconographiques, l’a. peut ainsi reconstituer l’existence d’une armée de citoyens et celle d’une célébration égalitaire et collective pour les funérailles des cent cinquante jeunes gens, dès la seconde moitié du viii^e s., à un moment où Paros jouait un rôle majeur dans les mouvements de l’expansion coloniale grecque.

489Les images de Xobourgo, à Tènos, offrent un second dossier cycladique, traité par l’éditrice actuelle du site, N. Kourou. L’analyse porte ici davantage sur le contexte archéologique auquel appartiennent les pithoi à reliefs figurés que sur les images elles-mêmes. L’A. entreprend en effet d’interpréter les structures archéologiques retrouvées à l’extérieur de la muraille, à l’emplacement du futur Thesmophorion, et ayant livré les plus nombreuses attestations de vases à reliefs de la mer Égée, à la lumière des transformations du site dans les dernières années du viii^e s. : il doit s’agir d’un sanctuaire, qui n’appartient plus au type familial plus ancien, mais qu’il faut identifier comme une structure sacrée communautaire, témoignant d’une organisation politique bien établie. Il était sans doute dédié à une divinité de la nature, une potnia, comme le suggère l’iconographie des pithoi.

490La concomitance entre l’établissement de pratiques cultuelles communautaires et l’apparition des scènes figurées sur les vases ayant servi au culte est significative. Sans toutefois indiquer l’émergence d’une véritable cité — qui n’advient qu’au début du vii^e s. —, elle montre l’existence d’une société reposant sur un système politique bien organisé et affichant une identité culturelle propre. Cette culture locale géométrique, qui apparaît à travers les différents motifs iconographiques représentés sur les vases, pose les fondements du répertoire narratif et mythologique particulièrement riche qui explosera peu de temps après, dans les premières décennies du vii^e s.

491La documentation étudiée par L. Cerchiai nous déporte à la fois de l’aire grecque et de l’époque géométrique ; elle n’en constitue pas moins un dossier tout à fait intéressant pour éclairer la problématique retenue : l’a. analyse un thème iconographique précis, le jeu de dames — avec le motif de la tabula lusuria, qu’on pourrait appréhender comme une métaphore de l’urbanisation et de la naissance de la cité. Si l’examen porte sur une documentation essentiellement étrusque (Chiusi, Fiesole, Capoue), il n’en exclut pas pour autant la signification que ce motif peut avoir en Grèce : J.-P. Vernant avait en effet établi un parallèle tout à fait suggestif entre d’une part le damier et les pions, et d’autre part la cité et les citoyens. Ce n’est donc pas tant le motif d’Achille jouant avec Ajax que l’a. identifie ici, les images attiques le représentant n’étant pas plus anciennes que les documents étrusques figurant des joueurs de dames. Il valorise plutôt le modèle de Palamède, inventeur du jeu de dames et en même temps nomothète, et plus précisément encore la tradition rapportée par Hérodote sur la double origine lydienne, des jeux et du peuple étrusque.

492L’étude de ce motif s’ajoute aux nombreuses autres que l’a. a menées sur l’iconographie étrusque, en s’attachant à souligner l’étendue de la culture hellénique des élites étrusques. Ce faisant, il étend ici à la documentation figurée ce que D. Briquel a longuement développé concernant la tradition littéraire sur l’origine des Étrusques : la présence du motif de la tabula lusuria en Étrurie peut apparaître comme le reflet dans le domaine des productions artisanales d’une tradition formée en Lydie dans la première moitié du vi^e s. et diffusée peu après en Étrurie. Notons que, dans ce contexte, l’archéologie étrusque ne nous a conservé que de maigres fragments de buccheri estampés, produits à Chiusi vers 550-525 av. J.-C. Ils n’en offrent pas moins une mise en image du phénomène de formation de la cité en Étrurie, qui est attribué par les archéologues (G. Colonna, Br. d’Agostino, L. Cerchiai) à une cinquantaine d’années plus tôt.

493Natacha Lubtchansky,

494Université François-Rabelais,

495UFR Arts et Sciences humaines,

4963, rue des Tanneurs, BP 4103,

49737041 Tours Cedex 1.

498nathalie.lubtchansky@univ-tours.fr

Dupré Raventós Xavier, Ribichini Sergio, Verger Stéphane éd., Saturnia Tellus, Definizioni dello spazio consacrato in ambiente etrusco, italico, fenicio-punico, iberico e celtico, Atti del convegno internazionale svoltosi a Roma dal 10 al 12 novembre 2004 (Monografie scientifiche), Rome, Consiglio nazionale delle ricerche, 2008, 1 vol. 19 x 27,5, 728 p., fig. ds t.

499L’ouvrage, fruit d’une collaboration entre de prestigieuses institutions européennes (École française de Rome, Escuela Española de Historia y Arqueologia en Roma, Consejo Superior de Investigaciones Científicas, Istituto di Studi sulle Civiltà antiche e del Mediterraneo antico, Consiglio Nazionale delle Ricerche), présente les actes d’un colloque réunissant une cinquantaine de chercheurs, archéologues, philologues et historiens des religions antiques méditerranéennes, pour faire le point, les uns sur les connaissances acquises, les autres sur les nouveaux instruments d’enquête historique, d’autres encore sur les résultats des recherches récentes. Les organisateurs ont souhaité privilégier la comparaison comme critère d’enquête, pour caractériser analogies et différences, marqueuses d’identité, particularités, influences culturelles, régionales et interculturelles. Ils ont voulu proposer une somme de réflexions sur les délimitations concrètes et sur les représentations de l’espace consacré. Pour justifier leur choix du mot « consacré », ils expliquent qu’ils ont voulu éviter les ambiguïtés inhérentes à l’emploi de « sacré » et insister sur les moments et sur les comportements rituels qui rendent un espace religieux, sur des dichotomies comme espace sacré et profane, naturel et artificiel, urbain et extra-urbain, et sur les dynamiques de l’espace ainsi organisé. Le résultat n’est peut-être pas toujours à la hauteur de leurs espérances, car il n’est pas toujours facile de dégager, comme le voudraient les éditeurs, la ou les significations d’un espace consacré et tous les intervenants ne s’en sont pas tenus à l’analyse d’un espace consacré plutôt que sacré, mais le livre a au moins le mérite d’offrir de multiples pistes de réflexions et de suggérer des pratiques d’archéologue ou d’historien.

500Plusieurs types d’interventions peuvent être distingués. Il y a d’abord, à la suite d’une présentation générale de S. Ribichini, des tentatives de définition rituelle d’un espace. D. Briquel explique le sens du rituel de fondation des cités étrusques, qui fait d’elles des espaces consacrés ; M. Gamba, G. Gambacurta et A. Ruta Serafini présentent les catégories de signes ou de signaux de limitation des espaces consacrés vénètes ; A. Campanelli pour les Abruzzes, G. Greco pour Vélia et D. Garcia pour les Celtes du Midi insistent sur les marques des sanctuaires dans leur territoire, tandis que C. Gómez Bellard se demande au contraire si la rareté des espaces sacrés puniques à Ibiza s’explique par l’absence de nécessité de marquer l’espace, à l’époque punique.

501Il y a aussi, épars dans le volume, des essais pour déterminer le vocabulaire antique de l’espace sacré. Ainsi, P.-Y. Lambert s’attache à la définition épigraphique des sanctuaires gaulois, C. Bonnet à la terminologie phénico-punique des lieux de culte et un groupe de travail réuni autour de D. Coppola et P. Poccetti mêle des critères d’identification matériels et linguistiques du sanctuaire messapien de Santa Maria di Agnano.

502Il y a ensuite des études des représentations de l’espace consacré. R. Olmos Romera étudie les constructions mythiques de cet espace chez les Ibères, puis la rencontre avec le langage iconographique romain, A. M. Gloria Capomacchia s’intéresse aux marges du monde connu dans le Roman d’Alexandre, d’autres s’attachent aux symboles de cet espace sacré, G. Bagnasco Gianni, aux signes en forme de croix en Étrurie, I. Oggiano aux sacella construits à la mode égyptienne dans le monde phénicien.

503D’autres contributions s’attachent à trouver des délimitations concrètes de l’espace consacré. M. P. Baglione observe en Étrurie, dans l’aire sud du sanctuaire de Pyrgi, une organisation inhabituelle à partir de sacella et d’autels, B. Ferrara, dans le sanctuaire d’Héra à l’embouchure du Sélé, le rôle des bothroi, O. de Cazanove voit dans la description par Tite-Live de l’enceinte couverte de lin du camp d’Aquilonia (Liv., 10, 38) un praetorium romain.

504D’autres s’intéressent au maintien d’éléments préexistants lors de l’organisation d’un espace consacré, V. Belleli à Cerveteri à propos d’un hypogée conservé lors d’une restructuration et de la construction d’un édifice sacré sur des ateliers ou des maisons préexistantes, L. Migliorati à Peltuinum pour la construction d’un édifice religieux romain sur un édifice sacré plus ancien. J. L. Escacena Carrasco et R. Izquierdo de Montes font des autels hélioscopiques des éléments du paysage sacré phénicien de la paléo-embouchure du Guadalquivir.

505Une série de communications s’organise autour de définitions rituelles de l’espace consacré. C’est le cas de G. Garbati et de C. Peri qui essaient de distinguer le substrat nuragique et l’influence sémitique pour Mitza Salamu en Sardaigne, d’A. Ferjaoui qui se demande si la présence d’ossements à Henchir el-Hami dans le pays de Zama confirme la mention littéraire de sacrifices d’enfants en Afrique à l’époque impériale, de M. V. García Quintela et M. Santos Estévez pour qui les sanctuaires de l’âge du Fer en Galice pourraient être définis par les rites d’investiture des chefs locaux, et de S. Estienne qui étudie la distinction que faisaient les juristes romains des lieux consacrés.

506L’espace consacré est aussi étudié pour les rites qui y sont pratiqués. B. Wilkins examine les restes d’animaux trouvés dans une fosse découverte derrière une tombe d’Orvieto et présentée par S. Stopponi ; S. Lepetz et W. van Andringa donnent les résultats d’analyses pratiquées dans des tombes romaines de la nécropole de Porta Nocera à Pompéi.

507D’autres communications s’intéressent aux formes de distinction au sein des espaces consacrés. P. Bernardini souligne l’usage de modèles culturels de dérivation égyptienne dans les nécropoles et les tofet phéniciens ou puniques ; M. Botto examine la tombe 70 du cercle III de Laurentina-Acqua Cetosa ; F. Delpino fait le lien entre deux inhumations exceptionnelles de l’Étrurie de la proto-histoire, celle de Pian di Cività et l’autre de Véies, à Piazza d’Armi.

508Une autre série encore porte sur les évolutions d’un même lieu sacré au cours du temps. Y. Leclerc montre comment se traduit l’ouverture à la culture grecque de deux grottes naturelles de Cyrénaïque, à Slonta et à Hagfa el-Khasaliya. F. Diez de Velasco met en évidence le maintien de l’activité des espaces thermaux de la Péninsule Ibérique jusqu’à la romanisation, mais aussi leur transformation en espaces désacralisés, S. Celestino et T. Tortosa dégagent les différences entre les évolutions du sanctuaire de Cancho Roano et celui de Cueva del Valle, de la fin de la période orientalisante à l’époque romaine, dans la Valle del Guadiana en Estrémadure. La question s’est donc posée de savoir si certains types d’espaces naturels se prêtaient plus que d’autres à une sacralisation. M. Rocchi revient ainsi sur le mythe du Capitolium comme mons sacer ; F. M. Simón et S. Afayé Villa voient le sanctuaire de Peñalba de Villastar (Teruel) comme un sanctuaire de montagne qui a sans doute fait office de sanctuaire de frontière.

509D’autres contributions visent surtout à proposer un état des découvertes archéologiques. R. Roure présente des éléments de crânes retrouvés en association avec des pièces d’armements dans l’habitat du Cailar (Gard), de type laténien, où l’on exposait des têtes coupées et des panoplies guerrières. J. Simón Gornés Hachero précise la chronologie des sanctuaires en pierre mégalithique (les taulas) de Minorque.

510Enfin, deux projets de recherches sur les sanctuaires antiques sont présentés, l’un consistant en un inventaire des sanctuaires d’Italie, par O. de Cazanove et J. Scheid, l’autre en un inventaire des sanctuaires d’Afrique du Nord, par S. Bullo.

511L’ensemble, dédié à X. Dupré Raventós, décédé avant la sortie du livre, est d’une exceptionnelle richesse d’informations et de réflexions, mais la fabrication de plusieurs index et la relecture d’un des articles traduits de l’espagnol dans un très mauvais français en auraient grandement facilité la lecture.

512Marie-Laurence Haack,

513Université de Limoges,

514Faculté des lettres et sciences humaines,

51533, rue François-Mitterrand,

51687032 Limoges.

517marie-laurence.haack@unilim.fr

Sear Frank, Roman Theatres, An Architectural Study (Oxford Monographs on Classical Archaeology), Oxford, Oxford University Press, 2006, 1 vol. 23 x 29, xxxix + 466 p., 93 p. de pl. dont 7 cartes, 34 fig., 144 photogr.

518Il s’agit ici d’un livre de première importance pour l’étude du théâtre romain, et pas seulement architecturale. L’ouvrage est organisé en deux parties principales. Un texte (p. 1-115) composé de neuf chapitres est dédié à diverses questions ayant trait au théâtre antique et en particulier au théâtre romain. Dans le catalogue (p. 118-424) sont réunies plusieurs centaines (!) de notices présentant les monuments théâtraux antiques.

519Le premier chapitre (p. 1-10), consacré au théâtre et à son public, souligne d’abord que c’est le type occidental du théâtre antique qui est au centre de la présente étude. L’auteur explique par la suite les terminologies courantes. Les spectateurs trouvaient leur place dans la cavea selon leur rang social. Les esclaves et les femmes avaient des places réservées dans la summa cavea, mais les matrones restaient bien sûr séparées des prostituées. Dans la media cavea étaient installés les plébéiens, vêtus d’une toge blanche. Les jeunes gens non mariés sont restés exclus des spectacles jusqu’à l’an 9 apr. J.-C., quand ce règlement fut aboli par l’empereur Auguste, mais ils étaient assis séparés des hommes mariés. Pour les soldats en congé, non mariés selon la loi, Auguste faisait retenir des places réservées. Les premières rangées dans l’ima cavea étaient occupées par les chevaliers. Derrière ceux-ci trouvaient place les licteurs, les hérauts et d’autres fonctionnaires de rang modeste, et aussi les apparitores, spécialistes techniques des magistrats. Fr. Sear qualifie ceux-ci d’esclaves publics, ce qui n’est pas exact (cf. P. Gros, Munus non ingratum, Le traité vitruvien et la notion de service, dans Le projet de Vitruve, Objet, destinataires et réception du De architectura, Actes du colloque international, Rome, 26-27 mars 1993 [coll. ÉFR, 192], Rome, 1994, p. 76-78). Les rangées auprès de l’orchestra étaient réservées aux sénateurs et aux magistrats les plus importants. Au-dessus des passages voûtés conduisant de l’extérieur à l’orchestra se trouvaient les tribunalia, c’est-à-dire les loges des magistrats qui organisaient, et souvent finançaient, les représentations.

520Dans le théâtre de type romain l’orchestra avait une forme demi-circulaire, tandis que dans les théâtres de type grec sa forme était, d’après l’auteur, souvent circulaire ; il faut préciser que le cercle intégral n’y est point la règle, étant donné que dans beaucoup de monuments la scène retaillait la surface circulaire.

521L’édifice de scène de type occidental se composait de la scène basse, le pulpitum, de la scaenae frons avec trois portes, ornée de deux ou trois ordres architectoniques, parfois de deux salles latérales, les basilicae, et d’une ou plusieurs salles postérieures, ainsi que d’un portique à l’extérieur. La scène disposait souvent d’un rideau, l’auleum. Celui-ci était manœuvré grâce à un mécanisme raffiné composé de poutres, de cordes et d’un treuil. L’auteur pense que beaucoup de scènes dans le théâtre romain étaient protégées par un toit incliné vers l’intérieur, ce qui nous semble très probable, mais seuls de rares théâtres comme Orange ou Aspendos ont conservé les traces d’un tel toit. L’existence de vases pour amplifier les voix, dont parle Vitruve, reste douteuse. Un élément supplémentaire de confort était apporté par les vela, de grandes toiles qu’on montait et déroulait au-dessus de l’auditoire à l’occasion des représentations.

522Le chap. ii (p. 11-23) traite du financement, des contrats et des procédures de construction. Il est certain que les théâtres étaient souvent construits à l’aide de donations ; des inscriptions placées à l’intérieur de l’édifice et mentionnant les donateurs garantissent la mémoire de ces contributions généreuses. La construction d’un théâtre était évidemment très coûteuse. Aux contributions des donateurs s’ajoutaient les souscriptions publiques et les summae honorariae, c’est-à-dire les contributions obligatoires versées par les magistrats après leur élection. La manutention des monuments coûtait cher elle aussi. L’embellissement de l’intérieur, surtout avec la mise en place de nouvelles statues, était continuel.

523Des contrats réglaient la construction. On choisissait les entrepreneurs pour les divers secteurs du monument, construits l’un après l’autre, et on définissait d’avance les sommes relatives aux différentes dépenses. Les rois hellénistiques finançaient déjà des théâtres ; ils ont été suivis par de grandes personnalités républicaines comme Pompée et Jules César et puis par les empereurs, à commencer par Auguste. Mais on connaît aussi maints donateurs privés qui s’engageaient parfois dans des dépenses considérables. Certains théâtres, comme par ex. Aspendos, étaient des donations offertes par une seule personne ou une famille. À Patara en Asie Mineure, c’était Velia Procla qui, d’après la dédicace bien placée à côté de l’entrée dans l’orchestra (TAM, II 2, n° 420 ; Sear, p. 16), a offert les rangées de la cavea supérieure et le logeion, c’est-à-dire la scène proprement dite avec son pavement de dalles, tandis que son père Quintus Velius Titianus, déjà décédé au moment de la dédicace, avait de son côté construit l’édifice de scène avec sa décoration statuaire.

524Calculer les frais de construction d’un théâtre est plutôt difficile, malgré les quelques indications dans les sources épigraphiques. Ayant rejeté des méthodes de calcul proposées par d’autres, l’auteur choisit une analyse volumétrique (p. 20) dont il illustre les résultats avec quelques exemples (p. 21, tabl. 2. 1). Mais ces résultats restent quand même, à notre avis, très hypothétiques.

525Les ludi scaenici étaient eux aussi financés par des donateurs. Ces spectacles qui duraient parfois plusieurs jours étaient en effet fort coûteux. Ils pouvaient être accompagnés par des repas publics (epulum) ; on y distribuait souvent des cadeaux (sportulae) et on jetait même de l’argent (missilia) dans le public.

526Le chap. iii (p. 24-36) traite du dessin d’un projet. L’auteur distingue trois types de base, dont il décrit d’abord les caractéristiques, c’est-à-dire les théâtres d’Occident, les théâtres de Grèce et d’Asie Mineure et, enfin, les théâtres des provinces orientales. En préparant son projet l’architecte devait évidemment tenir compte des conditions posées par le commanditaire. Ensuite est discuté le fameux passage de Vitruve à propos de la construction des théâtres. Les indications de l’auteur latin ne sont que partielles ; Vitruve ne parle pas, par ex., de la capacité de la cavea. L’A. présente un tableau (3. 1) avec l’indication des capacités de quelques théâtres calculées par lui même. L’auteur passe ensuite aux instructions de Vitruve pour l’établissement du plan et de l’élévation du « théâtre latin » et du « théâtre des Grecs ». Ce que nous voyons des monuments conservés aujourd’hui ne correspond pourtant guère aux indications de l’architecte romain.

527Le chap. iv (p. 37-47) discute des édifices apparentés aux théâtres. La distinction entre odeia et bouleuteria n’est pas toujours facile. L’auteur parle ensuite des théâtres couverts d’un toit fixe et des transformations de certains théâtres en arènes. Dans l’Antiquité tardive on a parfois installé des bassins dans l’orchestra pour des spectacles aquatiques de contenu souvent érotique.

528Le chap. v (p. 48-53) est dédié aux théâtres d’époque républicaine en Italie. Il traite d’abord des théâtres de l’Italie du Sud et de la Sicile, qui ont servi de modèle pour certaines particularités des théâtres campaniens et des premiers théâtres romains. À l’époque grecque, les théâtres qui ne s’appuyaient pas contre une colline naturelle restaient une grande exception (p. 51 ; à ajouter, parmi les exemples précoces, le théâtre grec de Dion en Macédoine et celui de Mantinée en Arcadie). Dès la fin du ii^e s. av. J.-C. une nouvelle technique de construction, l’opus caementicium, a facilité l’érection d’un théâtre dans la plaine. Les premiers édifices de scène à deux ou trois étages avec décor architectonique datent du troisième quart du i^er s. av. J.-C.

529Le chap. vi (p. 54-67) traite des édifices à Rome, où l’on avait longtemps construit des théâtres en bois. Le premier théâtre en pierre était, comme on sait, l’édifice dédié par Pompée le Grand en 55 av. J.-C. Il devait rester le plus grand jamais construit dans l’Antiquité (il faut tenir compte maintenant d’une nouvelle étude importante, due à A. Monterroso Checa : Theatrum Pompei, Forma y arquitectura, Romula, 5, 2006, p. 27-58 ; cf. id., RA, 2009, p. 3-51). Le théâtre de Marcellus, commencé par Jules César, fut terminé par Auguste. Du théâtre érigé par Balbus et dédié en 13 av. J.-C. on ne connaît que peu de restes.

530Les chap. vii-viii (p. 68-95), plutôt techniques, sont consacrés aux parties constructives des théâtres d’Occident, en tenant compte de certaines particularités des théâtres d’Orient. L’auteur discute les différentes solutions pour ériger une cavea et esquisse une typologie des plans de la scaenae frons.

531Dans le dernier chapitre du texte (p. 96-115) sont présentés les théâtres dans les provinces, en suivant le même ordre géographique qui est à la base du catalogue. Précédée d’un bref résumé de l’histoire locale, l’énumération des principaux monuments est complétée d’une discussion des variantes rencontrées à l’intérieur d’une région. Pour l’Afrique du Nord et pour les provinces orientales l’auteur mentionne en plus les premiers voyageurs et les premières fouilles de théâtres.

532Le catalogue, d’une admirable ampleur, comprend les divers théâtres et d’autres monuments de type apparenté, soit les odeia, les théâtres privés et les théâtres cultuels, mais aussi quelques bouleuteria. L’ordre suivi est géographique, commençant dans les regiones augustéennes de l’Italie pour passer à travers les provinces de l’Occident, l’Afrique du Nord et les pays du Proche-Orient et aboutir à l’Asie Mineure et à la Grèce. Contrairement à ce que pourrait faire penser son titre, ce livre inclut aussi les théâtres de type grec, puisque beaucoup d’entre eux ont connu, comme le souligne l’auteur, des réfections et des restaurations à l’époque romaine. Pour chaque monument est d’abord indiquée la position à l’intérieur du site ; suit une description succincte des diverses parties du théâtre en question et de l’état de conservation, l’indication de la date de construction et, enfin, la bibliographie pertinente. Pour 451 théâtres l’auteur présente un plan, ce qui est particulièrement utile pour le lecteur. L’index des lieux géographiques anciens et modernes (p. 445-460) permet de repérer tous les théâtres inclus dans le catalogue. Le livre se termine avec 7 cartes où sont indiqués les sites possédant un théâtre, avec 34 plans et reconstructions graphiques et, enfin, 144 illustrations photographiques, chacune en demi-planche, ce qui a permis une reproduction de haute qualité.

533Hans Peter Isler,

534Émérite de l’Université de Zürich,

535Rankstrasse 31,

536CH-8703 Erlenbach.

537hpi@archinst.uzh.ch

Rizakis Athanasios, Camia Francesco éd., Pathsway to Power, Civic Elites in the Eastern Part of the Roman Empire, Proceedings of the International Workshop held at Athens, Scuola Archeologica Italiana di Atene, 19 December 2005 (Tripodes, 6), Athènes, Scuola Archeologica Italiana di Atene, 2008, 1 vol. 17 x 24,5, 310 p., fig. ds t.

538Les actes de cette rencontre, suscitée par A. D. Rizakis et accueillie par E. Greco à l’École archéologique italienne d’Athènes, s’inscrivent dans la lignée des travaux de J.-L. Ferrary, M. Sartre, M. Galli, M. D. Campanile, M. Kantiréa et de quelques autres, qui s’attachent depuis environ deux décennies à décrire et à comprendre les modalités de la promotion sociale et juridique des élites du monde grec sous l’Empire, et l’action que celles-ci ont exercée en faveur de leurs communautés d’origine ou d’accueil, reprenant ainsi la voie si brillamment ouverte naguère dans les provinces d’Asie Mineure par L. Robert. Des découvertes archéologiques et épigraphiques — que l’on songe seulement à l’enrichissement de ces dossiers du fait des recherches conduites à Aphrodisias de Carie ! —, ainsi que de nouvelles interprétations de documents déjà connus — ceux relatifs au culte impérial en particulier — justifiaient amplement la réouverture du débat. Les treize communications contenues dans cet ouvrage, auxquelles s’ajoute, en manière d’introduction historique, un bilan sur le vaste programme consacré sous l’égide de M. Cébeillac-Gervasoni aux élites locales de l’Occident romain, éclairent effectivement d’un jour nouveau quelques-uns des aspects essentiels de cette problématique globale.

539Il n’est pas étonnant que six de ces contributions traitent, directement ou indirectement, de la relation des notables avec les empereurs et du rôle qu’ils assument en tant que prêtres de leur culte. Les inscriptions qui font état de cette dignité sont en effet sinon les plus nombreuses, du moins les plus explicites. Ainsi M. Kantiréa, partant de l’identification de Tib. Claudius Polycratès avec l’ami de Plutarque, rétablit le stemma de cette grande famille de Sicyone et montre que le culte impérial a été instauré ou réorganisé dans cette ville dès l’époque de Néron, dans l’enthousiasme panhellénique qui régnait en Achaïe à la suite de la « libération » de la Grèce. Son étude se clôt sur des remarques suggestives concernant la façon dont les aristocraties locales, pour mieux asseoir leur supériorité sur le peuple, ont associé l’invention de généalogies mythiques mais flatteuses pour leur propre lignée à la vénération des empereurs, comme le montre la réutilisation de la maison d’un ancien tyran de Sicyone, proche du sanctuaire d’Aratos, le héros prétendument fondateur de la famille de Polycratès, comme siège du culte impérial. Fr. Camia s’efforce d’évaluer l’importance de l’acquisition de la prêtrise impériale, à l’échelon municipal ou régional, et de la dignité de grand-prêtre de la ligue achéenne pour l’entrée dans la noblesse romaine, équestre ou sénatoriale, des membres des grandes familles d’Athènes, de Corinthe, de Sicyone, de Messène ou d’Épidaure au ii^e s. Les « archiereis » de cette période sont tous des hommes riches et influents, comme le montre l’action évergétique exceptionnelle mais significative d’Hérode Atticus, fils de Tib. Claudius Atticus, lui-même appartenant à la lignée des Claudii de Marathon, issus du genos éleusinien de Kérykès, qui ont contrôlé la charge de la grande prêtrise pendant les trois premiers quarts du ii^e s. Mais il apparaît, au terme de l’analyse socio-politique de tous les cas exploitables, qu’en règle générale le « secret » du succès de la plupart de ces personnages auprès du pouvoir central réside moins dans leur accession à cette charge, si honorifique et coûteuse qu’elle soit, qu’à leurs relations familiales et à l’étroitesse de leurs rapports avec la maison impériale. Dans la même veine, la copieuse étude de F. Kirbihler sur les aspects institutionnels et sociaux de l’asiarchie permet une recension complète des titulaires de la grande prêtrise d’Éphèse, de leurs origines et de leurs fonctions : après avoir confirmé que l’épigraphie éphésienne autorise à établir l’identité des deux titres d’asiarque et de grand-prêtre, il entreprend l’analyse sociale du groupe, sur la base d’un dossier épigraphique qui nous fait connaître plus de la moitié des grands-prêtres qui furent nommés entre 89 et 262, et détaille les obligations cultuelles, liturgiques et évergétiques qui leur incombaient, soulignant, après L. Robert, l’engouement de la population pour les jeux « à la romaine », munera et venationes. La communication de A. Lo Monaco met en évidence les diverses formes revêtues par le culte de Néron en Grèce, en partant des effigies variées qui lui ont été consacrées, en examinant les lieux de la convergence populaire où elles ont trouvé place et en rappelant comment les liturgies du culte officiel se sont enrichies à cette époque, puisqu’elles associent la domus Augusta à l’empereur régnant et sont conçues de telle façon que les élites locales trouvent le moyen d’y magnifier leurs relations avec la famille impériale. La très belle communication de M. Galli, relative au culte voué par les élites des cités grecques à Hadrien, l’empereur philhellène, fait d’abord revivre l’extraordinaire cérémonie de consécration de l’Olympiéion d’Athènes, au cours de laquelle le célèbre sophiste Polémon fut chargé de prononcer le discours inaugural en présence de l’empereur lui-même : à cette occasion la « complicité » entre pouvoir et culture aurait revêtu une forme quasi mystique. De Delphes à Argos ou à l’Asclépiéion de Pergame, cet auteur met ensuite en relief les éléments nouveaux introduits sous le règne d’Hadrien par rapport aux pratiques antérieures : transformation des fêtes antiques, institution d’éléments festifs créés ex novo et importance accordée à la célébration de l’empereur, qui introduit au cœur des rituels traditionnels un moment d’intense participation collective. L’article s’achève sur une réévaluation de la série des statues cuirassées d’Hadrien du type « Hiérapytna », où le pectoral est orné d’un palladion juché sur une louve ; l’action d’Hérode Atticus, que M. Galli connaît mieux que personne, en particulier dans le programme iconographique du nymphée d’Olympie, apparaît sur ce point décisive, du moins pour les décennies postérieures à la mort d’Hadrien. Ch. Hoët-van Cauwenberghe analyse enfin, dans cette série consacrée plus ou moins exclusivement au culte impérial, la façon dont les collectivités d’Achaïe ont, au i^er s., suivi les directives romaines relatives à la divinisation ou au contraire à la damnatio memoriae des empereurs, selon que le sénat les avait jugés « bons » ou « mauvais ». Elle constate par exemple que les liens des habitants de cette région avec les Claudii ont suscité de leur part un attachement particulier à Livie. De même, le souvenir des bienfaits de Néron semble avoir en partie survécu à la condamnation de sa mémoire.

540Deux communications s’attachent plus particulièrement à l’étude de deux sites emblématiques de l’emprise de Rome : la première, due à A. Hupfloher, s’interroge sur la question de savoir si l’on peut, à travers l’examen de son organisation religieuse, désigner la colonie de Corinthe comme une copie en réduction de l’Urbs. Elle observe qu’en ce domaine règne une mixité profonde : qu’il s’agisse des dieux qui composent le panthéon local, ou des cultes officiels et de leur dénomination, les origines orientales et occidentales s’entremêlent. Il nous semble que cette étude aurait gagné à s’ancrer davantage sur le terrain pour mettre à l’épreuve des programmes monumentaux identifiés par M. Torelli cette diversité qui peut entraîner de curieux phénomènes d’hybridation. La seconde contribution est consacrée aux évergètes d’Aphrodisias, cité dont on sait qu’elle a depuis Auguste bénéficié d’un statut privilégié. S’appuyant essentiellement sur les travaux de J. Reynolds, A.-V. Pont relève, depuis l’action de Zoilos, personnage hors normes, jusqu’à celle des bienfaiteurs du ii^e s., que le mécanisme qui, dans tant d’autres villes, établit une connexion entre l’accès à une magistrature et le don d’une construction d’utilité publique ob honorem, ne s’observe que rarement ici, la motivation principale de ces comportements aristocratiques étant liée à l’éthique de quelques familles qui souhaitent par ce moyen confirmer de génération en génération leur supériorité sur leurs concitoyens.

541Quatre articles traitent ensuite d’iconographie et de vocabulaire. E. Voutiras s’interroge, à partir des portraits d’Hérode Atticus, sur la nature de la représentation que le célèbre sophiste, immensément riche, voulait donner de lui-même. Observant qu’il est le seul des Athéniens de l’époque impériale à avoir été représenté par deux types statuaires différents, puisque l’auteur rend au portrait conservé au musée de Toronto son authenticité, il note avec raison que ces effigies ne comportent, en dépit de la barbe, aucun des éléments qui permettent en général d’identifier un philosophe grec, mais tendent plutôt à exalter l’activité civique du personnage, à travers la silhouette d’un orateur. S. Zoumbaki étudie quant à elle l’évolution sémantique du terme proteuon : soulignant son caractère initialement non officiel, puisqu’il évoque au ii^e s. la situation sociale éminente du personnage auquel il s’applique, mais ne désigne aucune charge ou dignité particulières, elle montre comment la centralisation croissante de l’administration à partir de l’époque de Dioclétien conduit progressivement à faire de ce terme un véritable titre administratif, les citoyens qui en sont décorés assumant sous l’égide et à la demande du pouvoir central des charges précises, le plus souvent financières. A. Farrington s’intéresse aux ???????, ces compétitions sportives qui, aux ii^e et iii^e s., présentent en Lycie, Pamphylie et Pisidie, la particularité, unique en milieu grec, de comporter des récompenses consistant en des sommes d’argent. Il s’interroge sur les raisons sociales et culturelles pour lesquelles les compétiteurs de ces singuliers concours appartiennent, d’après les témoignages épigraphiques, à l’aristocratie, les athlètes provenant en général de la même classe sociale que les organisateurs. N. Giannakopoulos reprend pour sa part l’étude des titres honorifiques du type yios boulès, yios dèmos, ou yios poléos, qui avaient déjà amplement attiré l’attention de L. Robert. S’appuyant sur les témoignages épigraphiques tirés de Pergé, Sagalassos et Stratonicée essentiellement, il établit que les hommes qui en bénéficient occupent des postes administratifs importants à l’échelon local, et que leur action est liée par divers aspects à l’idéologie impériale. Héréditaires, puisqu’on les retrouve de génération en génération, ils constituent indéniablement une marque d’excellence, mais n’impliquent aucune condescendance ou supériorité par rapport au reste de la collectivité. Bien au contraire, ils indiquent que leurs titulaires se sont acquittés et s’acquittent encore des devoirs qui sont dus à leur grande famille, à savoir la cité, dont ils sont les meilleurs représentants.

542Les conclusions de cette rencontre, qui a rassemblé quelques-uns des spécialistes du monde grec impérial, sont présentées avec une remarquable efficacité par A. D. Rizakis lui-même. Les nuances que révèlent ces communications dans le développement des relations entretenues par les élites civiques avec leur ville et avec le pouvoir impérial autorisent une approche plus précise de situations trop souvent considérées comme procédant d’attitudes globalement identiques. Les cités grecques, sans abandonner aucune de leurs traditions, ont su les adapter aux nouvelles circonstances et ont développé avec Rome des liens spécifiques, qui se révèlent à l’examen bien différents de ceux des villes occidentales, et peuvent même témoigner d’une réelle indépendance, comme le prouvent par exemple les réticences de certaines communautés à exécuter les décisions sénatoriales en matière de condamnation de la mémoire des « mauvais » empereurs. On regrette seulement qu’une plus grande attention n’ait pas été portée aux aspects urbanistiques et architecturaux, car la culture et les exigences des riches évergètes s’y affirment avec force, en dépit de l’emprise des modèles monumentaux élaborés dans le centre du pouvoir.

543Pierre Gros,

544Émérite de l’Université de Provence,

545Maison Méditerranéenne des Sciences de l’Homme,

5465, rue du Château-de-l’Horloge,

547BP 647,

54813094 Aix-en-Provence Cedex 2.

549iraa@mmsh.univ-aix.fr

I?ik Fahri, DAI, Sarkophag-Studien, 5, Girlanden-Sarkophage aus Aphrodisias, mit einem Beitrag zu den Inschriften von J. M. Reynolds et Ch. Roueché, Mayence, Ph. von Zabern, 2007, 1 vol. 21 x 28, xvi + 202 p., 112 pl. h. t.

550Cette étude très attendue des sarcophages à guirlandes d’Aphrodisias paraît plus de dix ans après l’ouvrage de la regrettée H. Herdejürgen sur les sarcophages à guirlandes de Rome et d’Italie, matériel qui sert à F. I?ik de référence de comparaison.

551Le volume, publié par l’Institut archéologique allemand, d’un format plus petit que celui de la série Die antiken Sarkophagreliefs, plus facilement maniable donc, a gardé néanmoins la même présentation. L’ouvrage est de très bonne facture, l’illustration photographique, également de bonne qualité, est placée à la fin de l’étude. En première partie du volume et après une très courte introduction, l’a. répartit les sarcophages en trois ateliers qu’il nomme groupes A, B, C (p. 3-77), chacun comportant des variantes et des exemplaires inachevés (« Halbfabrikate »). Puis l’a. traite l’iconographie des différents motifs représentés dans les « lunettes » des guirlandes (p. 78-100) : couronnes, fleurons, patères, masques et têtes, sphinx, aigles, Ganymède, Héraclès, Gorgone, différents thèmes avec Éros, etc. Les 215 numéros du catalogue qui suit (p. 105-143), parmi lesquels de nombreux inédits, sont répartis également par ateliers (A, B, C). J. M. Reynolds et Ch. Roueché signent la dernière partie, fort intéressante, en anglais (p. 147-185), concernant les inscriptions grecques de certains sarcophages. Un index des inscriptions et un autre des lieux de conservation viennent en fin de volume, mais il manque un index général.

552Pour chaque groupe-atelier l’a. livre un examen minutieux des formes, des motifs décoratifs des pièces, ainsi que leur typologie, l’évolution stylistique et leur chronologie.

553Les sarcophages produits par le groupe-atelier A (« Ephesisch-aphrodisiasische Sarkophage »), d’un nombre restreint (18 ex.), sont décorés de guirlandes composées de fleurs et de fruits, suspendues à des têtes de bélier, de taureau, ou bien de Gorgone (type I). Mais, parfois, la guirlande centrale peut être tenue aussi par un Amour ou une Victoire (type II). La production commence dans le dernier quart du i^er s., plus tard donc que celles d’Éphèse ou de Rome, mais sous l’influence des ateliers d’Éphèse, notamment de ceux qui fabriquaient des ostothèques. L’atelier A est en activité jusqu’à la fin de l’époque antonine. Cet atelier a en commun avec le suivant, B, le fait que les quatre faces des cuves sont décorées.

554Le nombre important des sarcophages attribués aux ateliers suivants B et C permet leur classification en sept groupes (BI-BVII et CI-CVII), grâce à des rapprochements stylistiques. Ces groupes sont par la suite datés très précisément, décade par décade, grâce à des portraits ou à des comparaisons avec des sarcophages de Rome.

555Les sarcophages de l’atelier local B (cat. n° 19-80 ; « einheimisch-aphrodisiasische Sarkophage »), dont la production débute vers 160-170, comportent parfois une double guirlande sur les petits côtés. On y retrouve des Victoires aux angles, parfois tenant une palme, et des Amours sur les longs côtés, dans des attitudes différentes. Ces figures sont placées toujours au-dessous du nœud formé par les attaches de la guirlande. La figure d’Amour qui flotte dans l’espace, sur les exemplaires plus anciens, est placée sur une petite console sur les exemplaires plus récents de la série. La production de l’atelier s’achève vers 300, le nombre le plus important de sarcophages fut produit entre 170 et 190 (10 ex.), l’a. attribue à cet atelier B le sarcophage, bien connu, de Germencik (cat. n° 34)

556La production de l’atelier C (cat. n° 81-215), de loin la plus importante en nombre, est caractérisée par les figures entières qui portent les guirlandes, posées sur un listel, ou bien sur des feuilles d’acanthe. Les cuves sont décorées seulement sur trois faces, l’arrière restant lisse. L’atelier C débute sa production vers la fin de la période antonine (vers 170-190, cat. n° 85-90), en parallèle avec l’atelier B, et travaille jusqu’à la période tétrarchique. Ce qui signifie qu’il a connu la même durée que les ateliers de Rome, avec lesquels il a des points communs quant aux motifs représentés. Autre point à noter, un bon nombre d’exemplaires (56) de cet atelier C présentent à la place de la guirlande médiane une tabula ansata avec une inscription, ce qui constitue un autre emprunt aux ateliers de Rome. Ce cartouche avec inscription peut être soutenu par des Amours. Quelques exemplaires (8) du iii^e s. présentent une répartition tripartite de la face principale : de part et d’autre du cartouche se trouve une guirlande posée sur deux colonnes lisses, ou torses, ou bien sur des pilastres. Le plus gros de la production de l’atelier C (plus de 60 ex.) se place entre le premier et le troisième quart du iii^e s. Les sarcophages produits par l’atelier C, qui puisent leurs modèles dans ceux de Rome, ont été aussi appréciés pour l’exportation.

557Dans le quatrième chapitre sont traitées l’iconographie et l’histoire de différents motifs sculptés dans les lunettes des guirlandes. Concernant l’évolution de la guirlande elle-même, le motif par excellence de cette production, le lecteur trouvera des commentaires fort intéressants dans les chapitres traitant des ateliers. Cependant, il aurait été utile de réunir dans une synthèse portant sur la guirlande les points les plus marquants de l’évolution de sa forme, ses dimensions, sa composition, à travers les exemplaires les plus significatifs du point de vue stylistique et chronologique.

558Le catalogue, composé de 215 numéros, comporte la fiche technique de chaque pièce (n° d’inventaire, dimensions, bibliographie), une description très sommaire et sa datation.

559Les 44 inscriptions grecques, gravées sur un petit nombre de sarcophages, parfois même sur des cuves inachevées (cat. n° 81, 84), sont traitées comme une entité à part, dans la dernière partie du volume. Après une synthèse concernant l’apport de l’épigraphie (p. 147-152), chaque inscription, portant le même numéro que le sarcophage sur lequel elle a été gravée, est discutée en détail. Ces textes nous livrent de très précieux renseignements sur le propriétaire, sa famille et les pratiques funéraires, comme il est assez courant en Asie Mineure romaine. Parfois très longs, ils débordent souvent de l’espace restreint du cartouche central. On pourrait penser que les textes les plus courts qui utilisent seulement le cadre aménagé sont les plus anciens, mais de toute évidence certains textes courts sont plus tardifs.

560Certaines inscriptions indiquent que le sarcophage faisait partie d’un complexe funéraire ou qu’il se trouvait sur un terrain, ou bien elles renseignent sur la manière d’acquérir ou de céder un sarcophage.

561Il est clair que le sarcophage était acheté anépigraphe et que l’inscription était gravée par la suite, par des lapidaires qui n’étaient pas nécessairement associés à sa production. Il est difficile de définir avec précision le laps de temps intervenu entre les deux opérations.

562Les inscriptions expriment également la crainte permanente des propriétaires d’un pillage de leurs sarcophages, par les menaces de colère divine, ou d’amendes, qui devaient être versées au trésor d’Aphrodite ou au fiscus. Ces informations ne suffisent pas pour autant pour comprendre comment fonctionnait le système.

563L’existence de nombreux défunts portant le nomen Aurelius incite les a. à penser qu’il s’agit des familles ayant acquis la citoyenneté romaine suite à l’édit de Caracalla de 212, ce qui constitue un terminus post quem. Peut-être certains appartenaient-ils à l’élite d’Aphrodisias, l’acquisition d’un sarcophage indiquant d’ailleurs une certaine prospérité.

564La datation des inscriptions, dont la majorité se place au iii^e s., est basée sur les noms y apparaissant (pour la plupart appartenant à la première génération des Aurelii), sur le nom du prêtre stéphanophoros, sur le montant de l’amende mentionnée pour dissuader un éventuel pillage et enfin sur la gravure des lettres. Ainsi, la datation proposée pour ces mêmes sarcophages ne correspond pas forcement à celle proposée par l’étude épigraphique. Si, pour un certain nombre de cas, les deux dates concordent, un écart d’un demi-siècle existe entre elles pour d’autres. Le lecteur se rend compte de la difficulté et de la fragilité de la datation de ces œuvres sculptées qui, pour certaines et malgré leur très belle exécution, restent des objets artisanaux produits en série.

565Alors que la synthèse épigraphique trouve bien sa place à la fin du volume, l’analyse de chaque inscription serait plus utile si elle était intégrée dans le catalogue. Ainsi, l’importance des sarcophages qui portent une inscription gagnerait en visibilité. Bien entendu, ce désagrément d’ordre pratique ne nuit en rien ni à la pertinence des analyses, ni à la qualité de l’ouvrage.

566Cette étude, minutieuse et précise, vient combler de façon réussie nos connaissances lacunaires sur les sarcophages produits en Asie Mineure et plus particulièrement ceux des ateliers d’Aphrodisias.

567Vassiliki Gaggadis-Robin,

568CNRS, Centre Camille-Jullian, MMSH,

5695, rue du Château-de-l’Horloge,

57013094 Aix-en-Provence Cedex 2.

571gaggadis@mmsh.univ-aix.fr

Giacobello Federica, Larari pompeiani. Iconografia e culto dei Lari in ambito domestico, Milan, LED, 2008, 1 vol. 16 x 23,5, 294 p., fig. ds t., 19 fig. coul.

572Dans cet ouvrage issu de son mémoire de doctorat, F. Giacobello s’intéresse essentiellement au culte des Lares à Pompéi. Après une introduction consacrée à souligner l’importance de ce culte dans la religion romaine domestique, à un rapide historique des études sur les laraires et la nature des Lares, et à l’état de la documentation archéologique, son ouvrage s’articule suivant deux parties : la première porte sur les Lares (p. 37-129), la seconde, très technique, comporte un corpus remis à jour (p. 131-294).

573La première partie se compose de quatre chapitres. Le 1^er chapitre est consacré aux sources anciennes sur les Lares et à l’étude des hypothèses sur l’origine de ces derniers. Dès la fin du iii^e s. av. J.-C., les auteurs anciens évoquent l’omniprésence du Lar familiaris comme force protectrice de toute la familia et nous renseignent sur les hommages et offrandes qui lui sont rendus au quotidien et aux moments importants de la vie. À l’origine au singulier dans le domaine privé, le Lare devient double comme pour les Lares publics (Lares Praestites), Lares Permarini, Viales, Compitales et, enfin, Augusti. L’A. s’attarde, pour finir, sur le problème de l’origine des Lares : il témoigne, selon elle, de la difficulté de la question et du manque de clarté chez les Romains eux-mêmes. Deux opinions s’affrontent dès le début du xx^e s., entre la théorie de G. Wissowa sur la dimension agreste des Lares et celle d’E. Samter sur leur dimension chtonienne. Ainsi, il existerait un lien entre les Lares et le culte des morts avec l’assimilation entre Lares et Mânes. Écartant la thèse de J. A. Hild qui considère comme tardive et erronée cette assimilation, l’a. soutient celle des Lares comme étant la personnification des âmes des ancêtres. En fait, l’a. prend position sans véritablement démonter les différentes hypothèses. Cette confusion entre les Lares et les Mânes existait déjà dans l’Antiquité, mais l’idée selon laquelle les Lares seraient les esprits des ancêtres vient de Varron, idée ensuite largement reprise par les auteurs postérieurs sur lesquels elle s’appuie essentiellement. Cette thèse n’est pas convaincante car, alors, comment faut-il considérer les Lares Praestites, mais aussi les Lares Permarini, Viales… ? Si les Lares étaient bien les âmes des ancêtres, il existerait diverses façons de les concevoir suivant les familles, ce qui n’est pas le cas. De plus, rien dans leur apparence ou dans les rites auxquels ils sont associés (rite du mariage, du dépôt de la bulla…) n’évoque ce caractère funèbre.

574Dans le 2^e chapitre, l’a. justifie la distinction faite, dans son corpus, entre laraires principaux, pour les divinités du foyer, et « laraires secondaires », pour les autres divinités : les premiers sont liés au domaine de la cuisine, les seconds aux atria et espaces ouverts (péristyles et uiridaria). Cette distinction permettrait, selon elle, d’expliquer la multiplicité des laraires au sein d’une même maison, rejetant ainsi l’idée d’une distinction sociale des lieux de culte entre libres et esclaves. Néanmoins, cette distinction sociale ne peut pas être systématiquement exclue. L’A. analyse la typologie des laraires regio par regio, en retenant à chaque fois quelques exemples précis de maisons : elle en déduit qu’il n’y aurait pas d’adéquation entre grandes maisons = laraires à l’architecture soignée, et maisons modestes = laraires peints. Cette inadéquation, due dans certains cas à l’absence de laraires, n’est valable que si nous écartons l’existence de laraires peints, ou en bois, détruits, car, comme le remarque l’a., dans les maisons les plus anciennement fouillées, aujourd’hui souvent délabrées, seuls les rapports de fouilles peuvent éventuellement nous renseigner sur l’absence ou non de laraires.

575L’A. recense 114 laraires principaux, la plupart datant de la période 62-79 apr. J.-C. (regio I : 30 ; regiones II-III : 4 ; regio V : 12 ; regio VI : 24 ; regio VII : 13 ; regio VIII : 12 ; regio IX : 19) situés dans les cuisines ou espaces voisins, et 156 « laraires secondaires » (regio I : 41 ; regiones II-III : 6 ; regio V : 25 ; regio VI : 35 ; regio VII : 20 ; regio VIII : 6 ; regio IX : 23) situés dans les endroits plus « visibles » de la domus. L’étude des laraires par regio est intéressante mais reste superficielle, l’a. ne faisant que survoler certains aspects sans véritablement les exploiter, comme pour l’examen de deux laraires particuliers qui retiennent son attention, celui de la « Casa del Menandro » et celui de la « Casa del Sarno » : la démonstration est incomplète et les conclusions auraient pu être approfondies. Après les lieux de culte, l’a. passe en revue les différentes divinités honorées dans les « laraires secondaires ». Là encore, il s’agit plus d’un inventaire que d’une réflexion sur le choix de ces divinités par les Pompéiens. Le chapitre se termine par une série de 20 photographies, dont 18 en couleurs, de peintures des Lares.

576Le chapitre iii étudie les différents types de représentation des Lares dans la peinture et la sculpture. G. Wissowa, et d’autres après lui, distinguaient Lar compitalis ou Lare dansant (avec rhyton) et Lar familiaris ou Lare « statique » (avec corne d’abondance). En fait, les données manquent pour confirmer cette thèse et il semble préférable de supposer qu’il y a eu au cours des siècles des évolutions dans la représentation des Lares, indépendamment de leur fonction. Nous savons que le type du Lare dansant existait bien avant Auguste, comme le montrent les peintures de Délos. Si nous observons celles de Pompéi, nous ne constatons guère de différences entre les peintures de laraires et celles des autels compitaux. Ces représentations seraient le résultat de l’interpénétration des influences grecques et romaines. L’A. s’attarde sur les peintures de laraires domestiques qui nous montrent, la plupart du temps, une scène de sacrifice avec le Genius patris familias et ses assistants, accompagnés d’un ou deux serpents dans un milieu champêtre. Elle évoque ensuite les laraires compitaux et ceux, plus anciens, de Délos, pour revenir sur les Lares de la maison en rappelant leur lien étroit avec le foyer, la nourriture et les esclaves, y compris dans les cauponae et thermopolia. L’A. consacre enfin quelques pages, trop rapides, au Genius et au serpent, représentant le Genius loci.

577Dans le dernier chapitre, très court, l’a. examine rapidement la documentation d’autres sites, tels que Herculanum, Ostie et Éphèse, relevant points communs et divergences concernant la présence ou non des Lares et la nature des laraires. Malheureusement, l’a. se dispense d’une conclusion d’ensemble, qui aurait été bien utile, pour présenter directement son corpus.

578La deuxième partie est effectivement consacrée au corpus des laraires pompéiens, outil très utile pour tous ceux qui s’intéressent au cadre religieux dans la cité de Pompéi, car il renouvelle les travaux anciens de G. K. Boyce (1937), complétés par D. G. Orr en 1972. L’A. a divisé ce corpus en trois parties : un corpus (corpus n.) des laraires principaux (p. 132-219), un catalogue (cat. n.) des laraires de l’ager pompeianus (p. 220-229) et un appendice (app.) des « laraires secondaires », répartis par pièce (p. 230-294). Pour chaque laraire, elle a indiqué la pièce de localisation, la typologie suivie de la description, des observations éventuelles sur la localisation ou la maison et la bibliographie relative au laraire. Cette partie est largement illustrée, les laraires (peintures, niches…) les plus importants ou les plus représentatifs ayant été systématiquement photographiés. Les 129 reproductions en noir et blanc sont de bonne qualité. Le catalogue des laraires de l’ager pompeianus est le bienvenu car il n’existe pas véritablement de synthèse à ce niveau, les études se faisant la plupart du temps uilla par uilla. Un bémol concerne le classement des « laraires secondaires », qui se fait par pièce et non par regio, ce qui le rend peu pratique pour une recherche rapide.

579Cet ouvrage ne peut être ignoré des spécialistes, historiens et archéologues, de la religion privée et/ou de Pompéi. En établissant un nouveau corpus, l’a. a dressé un état des lieux plus précis des laraires de Pompéi et de ses environs ; toutefois, en prenant le parti d’associer uniquement les Lares au terme de laraire, elle exclut un grand nombre d’entre eux, mais également certains locaux commerciaux ; par conséquent ce corpus est incomplet. Il nous semble, en effet, peu judicieux d’avoir séparé les Lares du Genius dans la mesure où ces divinités sont très souvent étroitement associées ; or le Genius n’apparaît que partiellement dans le corpus. Mais l’a. reste cohérente dans sa démarche et son corpus peut désormais servir de base à la constitution d’un nouveau « catalogue » de l’ensemble des laraires de Pompéi et de l’ager pompeianus.

580Marie-Odile Charles-Laforge,

581Université d’Artois,

582Centre de Recherche et d’Études Histoire et Société,

5839, rue du Temple, BP 10665,

58462030 Arras Cedex.

585modile.laforgecharles@univ-artois.fr

Sauron Gilles, La peinture allégorique à Pompéi, Le regard de Cicéron, Paris, éditions Picard, 2007, 1 vol. 25 x 30, 221 p., 132 fig. ds t.

586Avec ce livre richement illustré, G. Sauron poursuit ses travaux sur le II^e style en livrant une analyse approfondie de la signification des parois de sa phase la plus brillante, dans les années 80-45 av. J.-C. Il entend démontrer que ces énigmatiques et souvent somptueuses peintures sont des peintures allégoriques, qu’on peut rendre intelligibles en les replaçant dans leur contexte historique et culturel. Pour y parvenir, comme l’indique le sous-titre, il essaie de répondre à une question : que voit et que dit Cicéron lorsqu’il se trouve devant ces peintures ? Autrement dit, que donnent à voir leurs commanditaires ? Rendre compte de l’ouvrage est difficile tant le texte est dense et l’argumentation érudite et fluidement enchaînée. Prenant en compte les réticences que ses publications passées ont suscitées, G. S. y affirme ses positions avec vigueur tout en manifestant une grande prudence (dont témoigne le nombre des formules comme « sans doute », « semble-t-il » et les occurrences du mot « hypothèse », notamment p. 20 où il définit sa méthode).

587Son entreprise est structurée en six chapitres. Il brosse un tableau des débats quelque peu virulents qui divisent les spécialistes pour affirmer la pertinence de son approche : peinture allégorique, le II^e style donne à voir la haute culture philosophique et rhétorique de ses commanditaires, des sénateurs conservateurs du camp de Sylla et Pompée. Il consacre le chapitre suivant à la villa — plus précisément au salon H — de P. Fannius Synistor à Boscoreale : sa décoration exprime l’adhésion du commanditaire au « mysticisme astral » et aux conceptions pythagoriciennes et platoniciennes dans lesquelles il s’inscrit. Après avoir rappelé qu’il est vain de chercher dans les peintures la reproduction d’architectures réelles et que la culture hellénistique donne au théâtre une place primordiale dans la vie des individus et dans la vie publique, il éclaire les références théâtrales de la décoration de l’atrium d’Oplontis à la lumière des conceptions d’Héraclide Pontique (Vision d’Empédotime) et de Varron.

588Revenant à la peinture du péristyle et du salon H de P. Fannius Synistor — une salle de banquet des morts —, G. S. y voit la création d’un colon syllanien sur l’identité duquel il avance une hypothèse ; ce pourrait être Publius Aninius, duovir à Pompéi vers 90-80 et connu pour ses travaux dans les thermes de Stabies. Dans une démarche identique, il veut montrer que la peinture du salon 15 d’Oplontis est une allégorie de la vie et de la mort du père du commanditaire, qui serait l’un des préteurs de 44, M. Pupius Piso, un ami de Cicéron, célébrant la mémoire de son père, consul en 61. Le dernier chapitre postule que les Catuli père et fils, membres d’un groupe sénatorial au sein duquel Varron exerce une grande influence, auraient inventé le II^e style allégorique dans leur domus du Palatin. Après avoir élargi le propos aux modalités épicuriennes de l’allégorie picturale — à travers l’exemple de la Villa des Papyrus de Calpurnius Piso — il évoque la fin de la peinture allégorique : les mutations sociales et politiques de l’époque augustéenne marquent la mort du goût pour l’allégorie, réservée à une élite cultivant le secret, et le retour à une peinture figurative plus traditionnelle.

589En rupture avec les problématiques des dernières décennies, retrouvant selon des modalités originales la veine de K. Schefold, la démarche de G. S. emporte l’adhésion sur des points importants. Pour espérer rendre intelligibles des peintures sur lesquelles les sources écrites sont quasiment muettes mais qui constituent le décor quotidien de leurs commanditaires, comment ne pas admettre qu’il faut :

• analyser minutieusement tous les éléments de leur répertoire iconographique et leur agencement dans l’ensemble de la paroi. De ce point de vue, les examens radiographiques de G. S. sont d’une très grande précision et d’autant plus convaincants que d’excellentes photographies mettent sous les yeux du lecteur les « détails » picturaux qu’analyse son texte ;
• replacer les peintures dans leur contexte historique, en considérant que leurs thèmes figurés et décoratifs s’expliquent par la société qui les crée. La phase du II^e style sur laquelle se concentre G. S. est particulièrement propice à cette mise en contexte, puisqu’elle constitue un moment spécifique dans l’histoire de la peinture pariétale et qu’elle est le fait de générations dont l’histoire agitée, de Sylla à César, ainsi que les options culturelles et politiques sont connues ;
• confronter ce qu’on sait de leurs commanditaires aux images qu’ils ont laissées, autrement dit confronter les données écrites et les données iconographiques, se fonder sur ce qu’on connaît d’eux — leur culture rhétorique, littéraire et philosophique — pour décrypter les décors où ils vivent.

590Si la légitimité d’une lecture allégorique est prouvée, les idées que G. S. veut voir iconographiquement figurées rendent plus perplexe. Selon sa thèse, les commanditaires de la peinture allégorique sont des sénateurs hautement cultivés et politiquement conservateurs, proches de Sylla et de Pompée. Dans le cadre du pythagorisme et du platonisme dont ils sont les adeptes, leurs conceptions funéraires et astrales et la célébration de la gloire de leur famille fournissent la clé des images dont ils ornent leurs résidences. De ce portrait de groupe découlent les propositions d’interprétation allégorique et les hypothèses d’identification de G. S. La démarche est cohérente si on en accepte les prémisses. À l’historien non spécialiste des idées philosophiques qu’est l’auteur de cette recension, elle paraît crédible sans qu’il puisse en discuter les arguments de manière suffisamment éclairée. Les pages consacrées à l’épicurien Calpurnius Pison inclinent cependant à penser que des sénateurs d’autres obédiences philosophiques et politiques peuvent avoir aussi joué les premiers rôles dans la « révolution picturale » du II^e style. Quant à l’identification des auteurs de cette révolution, elle est fondée sur le rapprochement de documents très hétérogènes dont les relations ne sont pas toujours évidentes. Établir une filiation entre les Anina de Tarquinia du iii^e s. av. J.-C. et le Publius Aninius duovir à Pompéi vers 90-80 av. J.-C. est une chose, éclairer la signification du salon de Boscoreale et des démons de son entrée en entrecroisant des rapprochements entre une tombe tarquinienne très antérieure, les thermes de Stabies et la villa campanienne en est une autre. Conclure de l’entrecroisement des ces analyses que Publius Aninius serait le commanditaire est de l’ordre du plausible, mais bien ingénieux. G. S. le sait d’ailleurs bien, puisqu’il présente son identification comme une hypothèse. Faire de Catulus l’inventeur du II^e style allégorique dans sa domus du Palatin paraît hardi, sauf à voir dans ce sénateur le portrait allégorique du groupe auquel il appartient.

591Interpréter des images complexes sans disposer de textes qui fournissent des informations sur leur sens impose une construction d’hypothèses. Aucun spécialiste de la peinture pompéienne n’y échappe, ils sont condamnés à bâtir des systèmes explicatifs auxquels leur érudition donne une cohérence et une plausibilité plus ou moins grandes, mais dont l’ingéniosité, obligatoire, fragilise les conclusions. En fondant son décryptage des images sur des textes, le « système » sauronien donne à l’image le prestige du savoir écrit et à son interprétation allégorique une séduction évidente. Si le recours aux textes est, évidemment, légitime, il est obligatoirement source de perplexité. Trouver autre chose dans la peinture que ce que les textes mis à contribution incitent à y trouver est difficilement possible, entrecroiser des rapprochements d’images fournit la possibilité de trouver dans les écrits des thèmes qui leur sont communs.

592Ceci dit, en rompant avec les préoccupations de classification et en mettant la problématique des filiations induites par la classification de Mau à l’arrière-plan pour élaborer une histoire de la peinture dans son contexte historique, social et culturel, en « inventant » au prisme de la culture des commanditaires ce que les images n’explicitent pas, G. S. propose une approche épistémologique qui donne une intelligibilité séduisante à des ensembles picturaux dont la haute qualité n’a d’égal que le caractère énigmatique.

593Yves Perrin,

594Université Jean-Monnet,

59534, rue Francis-Baulier,

59642023 Saint-Etienne Cedex 2.

597yves.perrin@univ-st-etienne.fr

Schörner Günther, Šterbenc Erker Darja éd., Medien religiöser Kommunikation im Imperium Romanum (Potsdamer Altertumswissenschaftliche Beiträge, 24), Stuttgart, Franz Steiner Verlag, 2008, 1 vol. 17 x 24, 148 p., fig. ds t.

598Cet ouvrage réunit sept contributions élaborées dans le cadre du programme de recherche Römische Reichsreligion und Provinzialreligion dirigé par J. Rüpke. Pouvant être considéré comme le prolongement du recueil d’articles Texte als Medium und Reflexion von Religion im römischen Reich (D. Elm von der Osten, J. Rüpke, K. Waldner éd., Stuttgart, Franz Steiner Verlag, 2006), il se place dans la perspective, fructueuse ces dernières années en Allemagne, des recherches qui développent le concept de médias dans l’histoire antique. Les sept contributions, judicieusement complétées de deux indices, ont pour point commun d’étudier dans une seule perspective méthodologique différentes sources concernant les religions de l’Empire romain, analysées comme médias intégrés à un processus de communication. Cette structure commune d’interprétation permet aux éditeurs de réunir en un seul ouvrage des études traitant aussi bien de textes littéraires que d’objets archéologiques ou d’architecture. Dans une introduction méthodologique, G. Schörner et D. Šterbenc Erker rappellent l’intérêt d’une étude axée sur le rôle médiatique des sources : il s’agit de les interpréter non plus comme des objets esthétiques ou comme sources de renseignements sur le rite et la religion, mais comme des outils de communication destinés à transmettre un message qu’il reste à analyser au cas par cas. Malgré cet angle d’approche commun des sources et des spécialités, les éditeurs ont préféré présenter les articles consacrés aux sources littéraires et les études archéologiques dans deux parties distinctes : « Literatur als Medium der Kommunikation über Religion » et « Archäologische Artefakte als Medien der religiösen Kommunikation ». Les limites chronologiques et géographiques de chaque contribution ne sont pas moins variées que les sujets.

599Le premier des trois articles consacrés à l’analyse de la littérature comme média de la communication religieuse traite des disputationes religieuses. H. Cancik en établit une typologie, distinguant notamment discussions « intra » et « inter » religieuses. Le dialogue de Cicéron De natura deorum, exemple de la première catégorie, est resté un modèle durant toute l’Antiquité : c’est le cas pour la disputatio « inter » religieuse entre chrétiens et païens dans l’Octavius de Minucius Felix. L’auteur poursuit par un aperçu des célèbres débats religieux antiques, analysant plus précisément le cas de la disputatio entre les deux communautés juives, grecque et romaine, à la fin du i^er s. apr. J.-C. et celui de la très complexe discussion religieuse imaginée à la cour des Sassanides, dans les limites est de l’Empire, aux v^e et vi^e s. apr. J.-C.

600D. Šterbenc Erker étudie sous l’angle de la communication religieuse la littérature antiquaire grecque et romaine, s’attardant sur deux ouvrages, les Fasti d’Ovide et les Antiquitates Romanae 1-2 de Denys d’Halicarnasse. Son analyse porte sur le public des deux œuvres et sur la représentation de la religion qui y est donnée. Si les auteurs antiques y ont consigné les savoirs passés, ils ont également actualisé les caractères qui illustrent l’idéal contemporain : c’est le cas de la représentation par Denys du rite de la confarreatio, qui légitime le nouvel idéal moral instauré par la Lex Iulia.

601W. Spickermann s’intéresse à une ekphrasis dans son étude de la description que donne Lucien de Samosate d’une représentation du dieu celte Hercule Ogmios. Hercule y apparaît comme un vieillard qui traîne derrière lui une foule d’hommes joyeux, attachés par les oreilles : le héros devient l’incarnation de l’éloquence. L’auteur démontre néanmoins que ce texte n’est pas une source fiable historiquement pour l’étude de la religion celte ou du dieu Hercule, puisque rien n’atteste l’existence d’une telle interprétation du dieu en Gaule. Mais le témoignage de Lucien devient pertinent s’il est étudié en tant qu’exemple d’auto-représentation. Grâce à une composition complexe alliant de multiples symboles religieux exotiques, Lucien justifie ainsi par une allégorie son retour à la rhétorique à un âge avancé.

602La seconde partie de l’ouvrage, archéologique, étudie les provinces de l’Empire en analysant l’interaction des traditions et innovations cultuelles dans le domaine des médias au niveau local. Chaque article est accompagné de plusieurs photos ou plans.

603L’étude de G. Fr. Chiai associe inscriptions et images dans une analyse des reliefs votifs phrygiens. L’auteur affirme qu’un complexe système médiatique existait en Asie Mineure, mis en place aussi bien par les sanctuaires que par les personnes privées, avec l’intention d’exprimer leur identité propre face au divin. En analysant la relation particulière entre texte et image, il met en avant une professionnalisation de l’utilisation des images et soulève cette question élémentaire : que doit-on écrire et que doit-on représenter ?

604G. Schörner se consacre à l’étude des stèles en Afrique du Nord, comprises comme médias du culte. Mettant de côté une analyse traitant uniquement de la conception stylistique du relief, selon lui trop romano-centrée, il veut montrer que ces stèles sont en fait motivées par un processus de communication. Elles étaient des monuments non pas indépendants mais inclus dans un ensemble rituel, et renvoyaient à au moins deux actes cultuels : le vœu et son accomplissement.

605À partir de l’exemple des Aegyptiaca, U. Mania cherche à établir dans quelle mesure la propagation du contenu et de la pratique religieuse était liée aux médias. Il examine notamment l’équipement des statues égyptiennes de la galerie de Pergame dite « Rote Halle ». Ainsi se demande-t-il si des médias « plastiques », en l’occurrence les Aegyptiaca, ont pu participer à la transmission de la pratique religieuse de l’Égypte à Rome. L’auteur en arrive à une conclusion négative, démontrant que les deux dieux honorés, Isis et Sérapis, étaient depuis longtemps hellénisés, et que les Aegyptiaca ne servaient qu’à donner un cadre égyptisant et une caution d’authenticité au culte.

606C’est sur une étude consacrée à l’architecture que se clôt l’ouvrage. D. Steuernagel, à partir de l’exemple du temple d’Apollon à Didymes dont il étudie l’évolution depuis la période hellénistique, tente d’établir le lien entre transformations architecturales de l’époque romaine et transformations cultuelles. Les modifications du temple et la désaffection pour le plan de construction de l’époque hellénistique peuvent être interprétées comme la conséquence d’une nouvelle forme de communication avec le divin, notamment dans la consultation de l’oracle. La communication directe avec la divinité exigeait en effet un autre cadre médiatique, et donc architectural.

607On pourrait critiquer la trop grande variété des sujets et, dès lors, des sources et des contextes traités ; cette diversité est néanmoins justifiée par l’unité des approches. Cet ouvrage se veut en effet plus un outil méthodologique qu’une synthèse sur l’utilisation des médias dans la religion romaine, dont la richesse ne peut être perçue en si peu de pages. Chaque article illustre la façon dont le chercheur peut utiliser ses sources, quelles qu’elles soient, dans une perspective médiatique, perspective qui permet d’éviter l’écueil d’une approche naïve, voulant absolument y voir un témoignage ou des renseignements fiables sur la religion. C’est pourquoi cet ouvrage peut se révéler particulièrement utile pour tout étudiant qui souhaite aborder l’étude de la religion antique, en lisant d’un regard neuf les multiples sources qui peuvent bénéficier d’une telle approche méthodologique. Le caractère pluridisciplinaire des sujets traités est un autre aspect positif, qui prouve d’autant plus l’actualité de cette recherche.

608Juliette Sauvey,

609Université de Strasbourg,

610Bâtiment le Portique,

61114, rue René Descartes,

61267084 Strasbourg Cedex.

613jsauvey@gmail.com

Milcent Pierre-Yves, Bourges-Avaricum : un centre proto-urbain celtique du V^e siècle av. J.-C. Les fouilles du quartier Saint-Martin-des-Champs et les découvertes des établissements militaires (Bituriga, Archéologie de la Cité, 2007/1), Bourges, Édition de la ville de Bourges, Service d’archéologie municipal / UMR 5608, Unité Toulousaine d’Archéologie et d’Histoire (Université de Toulouse II-Le Mirail), 2007, 2 vol. 24 x 30 : 1 vol. textes et fig., 342 p., fig. ds t., 1 vol. annexes et pl., 176 p. dont 25 pl. coul.

614Depuis une vingtaine d’années, les progrès des connaissances sur les origines de la ville de Bourges, dans le centre de la France, constituent un des points forts de la recherche protohistorique française. On sait maintenant que plusieurs siècles avant l’Avaricum décrit par César comme le « plus bel oppidum de toute la Gaule », une vaste agglomération s’était développée, dans le cadre topographique particulier, constitué par les confluences de plusieurs cours d’eau, notamment l’Yèvre et l’Auron. Des mentions de découvertes anciennes, combinées à un nombre assez important d’opérations récentes, qui ont pu être réalisées dans le centre-ville actuel et dans sa périphérie, en particulier à la faveur de la reconversion de nombreux terrains militaires, ont permis de percevoir l’existence de zones d’habitat à fonction résidentielle et/ou artisanale, et de zones funéraires, dont les premières remontent au début de l’âge du Fer (vii^e s.). L’ensemble dessine l’image d’une entité que l’on peut qualifier, au minimum, de « proto-urbaine », la plus ancienne identifiable sur le sol de la Gaule, en l’état actuel de nos connaissances.

615L’ouvrage coordonné par P.-Y. Milcent, qui a réuni autour de lui une quinzaine de spécialistes, constitue l’un des deux premiers volets publiés qui rendent compte de ces opérations d’archéologie urbaine. Le second, également paru en 2007 (L. Augier, O. Buchsenschutz, I. Ralston dir., Un complexe princier de l’âge du Fer, l’habitat du promontoire de Bourges [Cher], V^e-IV^e s. av. J.-C., RACF, Suppl., 42 [Archéologie de la Cité, Bituriga, Monographie, 3], Bourges-Tours, 2007 ; cf. la recension de J. Biel, RA, 2009, p. 427), est consacré aux fouilles conduites, souvent sur des surfaces réduites, mais avec des résultats significatifs, sur le promontoire, au cœur de la ville, et présente des secteurs d’habitat riche de la fin du Premier âge du Fer et du début du Second.

616Plusieurs ensembles, situés au sud-est du promontoire, sont à leur tour réunis dans le volume ici présenté : ils correspondent à la fois à des découvertes anciennes, réalisées lors de la mise en place de plusieurs établissements militaires, à des opérations préventives plus récentes, mais très ponctuelles, et aux fouilles plus étendues (plus de 3 000 m²) du secteur de Saint-Martin-des-Champs (1984-85 et 1993). Même si, d’une zone à l’autre, le niveau de la documentation est très inégal, il était important en effet de présenter conjointement ces résultats, afin de proposer une réflexion d’ensemble sur la nature et les modalités de l’occupation dans ce secteur, sur sa position et sa fonction au sein du vaste complexe protohistorique de Bourges.

617Un autre objectif avoué de ce travail a été de proposer une réflexion méthodologique applicable à l’étude et à la publication des sites riches du Premier âge du Fer, de ces sites qui sont traditionnellement qualifiés de « princiers », mais dont l’évaluation repose trop souvent sur la prise en compte des seuls mobiliers remarquables (objets de parure, importations méditerranéennes), plutôt que sur une analyse quantitative et comparative des différentes classes de mobiliers, y compris les plus modestes. Au contraire, tous ces aspects sont pris en compte ici, dans un souci de présenter de façon complète les différents artefacts (objets finis et vestiges artisanaux) et tous les autres restes des activités de l’habitat (faune, restes végétaux…). L’analyse statistique du petit mobilier, réparti en classes fonctionnelles, permet de définir le faciès du site, qui pourra ensuite être comparé à celui d’autres sites jugés équivalents. Cette démarche est complétée par une approche de la notion de « consommation du métal », qui constitue un autre apport méthodologique de l’ouvrage, avec la proposition de mise au point d’un protocole d’évaluation de l’impact du métal et des activités de transformation qui s’y rattachent, dans la vie économique et sociale de l’habitat.

618L’ensemble de ces études, ainsi que l’analyse des structures construites, du moins pour le secteur de Saint-Martin-des-Champs, où ont été fouillés quelques silos, des trous de poteau et surtout de grandes fosses quadrangulaires associées à des dispositifs de poteaux, nous offrent l’image d’un quartier à vocation artisanale, en particulier métallurgique, dont les habitants étaient également en mesure de posséder et d’utiliser des objets de prix (vaisselle métallique, céramiques méditerranéennes, etc.). Aucun bâtiment d’habitation n’est conservé, mais la répartition régulière des grandes fosses, interprétées comme des structures artisanales et séparées par de larges plages vides, permet à P.-Y. Milcent d’avancer l’hypothèse d’un habitat organisé selon un parcellaire régulier, voire orthonormé. Compte tenu de la réalité des vestiges conservés, il faut évidemment rester prudent, mais il est vrai que cette proposition rejoint ce qui est de mieux en mieux attesté sur d’autres sites privilégiés du Hallstatt moyen et final ou du début de La Tène, comme en Allemagne, à Hochdorf ou dans l’agglomération qui entoure la butte fortifiée de la Heuneburg. Il n’est pas exclu qu’ici, en dehors même de l’habitat fortifié du promontoire, ce quartier périphérique du sud-est, organisé en un ou plusieurs noyaux d’habitat, ait possédé son propre système de fortification (puisque le site des « établissements militaires » a révélé la présence d’un fossé de taille importante).

619L’étude des objets locaux (céramique et parures), comme des importations de céramique attique et d’amphores massaliètes, démontre que l’ensemble du secteur a été actif, principalement, au cours des trois premiers quarts du v^e s., même si d’une zone à l’autre des décalages chronologiques peuvent apparaître, avec, en outre, la réutilisation partielle de secteurs d’habitat à des fins funéraires. Cette situation chronologique de l’agglomération de Bourges (corroborée par la datation d’un autre quartier artisanal en cours de fouille et d’étude, sur le site de Port-Sec, au nord-est de la ville) amène P.-Y. M. à développer la question de la transition entre la fin du Premier âge du Fer et le début du Second, périodes réunies par lui dans une même phase chronologique, qu’il dénomme « 1^er Fer récent » ou « étape 3 » du Premier âge du Fer.

620Cette chronologie de Bourges, mais aussi celle fournie par un certain nombre d’autres sites privilégiés hallstattiens, démontrent clairement que l’approche chronologique du phénomène princier est plus complexe que certains auteurs ne l’ont cru, et qu’il est inexact d’évoquer la chute précipitée de tous ces sites à la fin du Hallstatt D, alors qu’un certain nombre d’entre eux perdurent, voire même vivent leur apogée, pendant une bonne partie du v^e s. encore. Ce point de vue, adopté ici avec détermination, doit sans doute être nuancé pour quelques sites où le mobilier du début de La Tène, s’il existe, n’est pas comparable quantitativement à ce qu’on rencontre pour les périodes précédentes, mais il contribue, comme d’autres recherches en cours, à enrichir et à diversifier le « modèle des Résidences Princières ».

621De façon générale, le dernier chapitre de l’ouvrage ouvre des perspectives très intéressantes pour une réflexion qui dépasse de loin le seul cadre de l’agglomération protohistorique de Bourges et de son territoire d’influence. En dehors de la question de la place de cette région de Gaule centrale aux confins de plusieurs aires culturelles (question déjà abordée par P.-Y. M. dans sa thèse Le Premier âge du Fer en France centrale, Paris, 2004), la proposition d’identifier, autour du centre proto-urbain, une entité politique structurée dès le v^e s. au moins incite l’auteur à aborder, pour finir, des problèmes historiques, fondés sur une relecture de la narration livienne, concernant la première phase des migrations celtiques vers l’Italie et la personnalité fameuse du roi biturige Ambigat. Il est en effet tentant de raccorder les données archéologiques et les indications chronologiques qu’elles nous fournissent aux données textuelles. Il n’est pas sûr, toutefois, que la nouvelle proposition, ici défendue, de situer une première vague de migration gauloise en Italie, celle à laquelle les Bituriges auraient apporté une contribution décisive, dans le courant de la seconde moitié du v^e s., pour la faire coïncider avec la chronologie archéologique perceptible à Bourges, et plus précisément celle de la fin de l’apogée de l’expérience proto-urbaine sur ce site, puisse être retenue sans discussion. Même si la chronologie haute (autour de 600 av. J.-C.) qui ressort du texte de Tite-Live (V, 34) présente, de son côté, quelques difficultés (notamment l’épisode du siège de Marseille par ses voisins celtiques), les arguments avancés par P.-Y. M. restent fragiles, en particulier ceux qui mettent en relation la date d’une première occupation urbaine de Mediolanum-Milan, avec une éventuelle arrivée de Celtes transalpins. La fondation de cette agglomération au v^e s. découle plus probablement, en effet, d’une évolution de l’organisation propre aux territoires de l’aire culturelle de Golasecca : d’autres agglomérations, qui n’ont rien à voir avec l’Insubrium mentionné par Tite-Live, voient également le jour à cette époque dans la partie orientale de ce territoire culturel (ainsi Bergame, probablement, sans même parler du développement important de l’agglomération de Côme).

622Mais ces quelques divergences soulignent bien à quel point l’ouvrage, tel qu’il nous est proposé, est riche de possibilités de débat. Dans un domaine de recherche en plein renouveau depuis quelques années, il prend toute sa place aux côtés d’autres travaux, actuellement en cours, sur les relations entre le milieu celtique et la Méditerranée et sur les sites qui contrôlaient ces échanges.

623Anne-Marie Adam,

624Université de Strasbourg,

625Maison interuniversitaire des Sciences de l’Homme Alsace,

6265, allée du général Rouvillois,

627CS 50008,

62867083 Strasbourg cedex.

629anne.marie.adam@unistra.fr